Con la professione di interior design clocking in poco più di 100 anni, stiamo guardando le radici di interior design, la storia e i sette leggendari decoratori che hanno fatto un nome per se stessi come l’industria ha iniziato guadagnando slancio nei primi anni del 1900. Dagli Antichi Egizi, agli albori del moderno design d’interni, ecco tutto quello che dovete sapere.

Può sembrare un po ‘ elementare, ma iniziamo con le basi dei servizi di interior design. Interior design è definito come l’arte e la scienza di valorizzare l’interno di uno spazio al fine di creare un ambiente lucido e più esteticamente gradevole. Un interior designer è qualcuno addestrato per eseguire piani, ricerca, coordinare e gestire progetti decorativi con autorità. La professione di interior design è varia e comprende la pianificazione dello spazio, lo sviluppo concettuale, le ispezioni in loco, la programmazione, la ricerca, la comunicazione con i clienti, la gestione del progetto e della costruzione e, naturalmente, l’esecuzione del progetto desiderato.

Prima che la professione salisse alla ribalta, l’interior design veniva istintivamente a coordinarsi strettamente con l’architettura degli edifici. La professione di interior design è venuto con l’ascesa della società borghese e l’architettura complicata che è salito alla popolarità durante la rivoluzione industriale. La ricerca di utilizzare al meglio lo spazio, insieme all’attenzione al benessere degli utenti e al design funzionale, continua a spingere lo sviluppo e le possibilità di miglioramento della vita dell’iterazione odierna sulla professione di interior design. Detto questo, la professione di interior design è nettamente separata dal lavoro di un decoratore d’interni, un moniker più comunemente usato negli Stati Uniti. Il termine decoratore d’interni è meno comunemente usato nel Regno Unito dove la professione di interior design rimane non regolamentata e purtroppo, non ancora considerata una professione ufficiale fino ad oggi.

Fin dall’antica India, gli architetti erano soliti raddoppiare come interior designer per sviluppare pienamente la loro visione completa. Questo può essere notato dai riferimenti dell’architetto Vishwakarma – uno degli dei presenti nella mitologia indiana. Questi riferimenti presentano sculture che illustrano testi antichi ed eventi visti nei palazzi costruiti in India del 17 ° secolo.

In tutto l’antico Egitto, “case dell’anima” o modelli di case erano dotati nelle tombe come vasi per le offerte di cibo. Da questi bigiotteria evocativi, è possibile decifrare spunti sul design degli interni di varie residenze durante diverse dinastie egiziane, tra cui aggiornamenti di ventilazione, portici, colonne, logge, finestre e porte.

Durante il xvii e xviii secolo e nella prima parte del 19 ° secolo, decorazione d’interni era una preoccupazione esclusiva relegato alla casalinga, o un tappezziere professionista o artigiano che potrebbe consigliare in modo sicuro in base al loro occhio artistico per il design degli interni di una casa. Per inciso, gli architetti si rivolgerebbero anche ad artigiani e artigiani per creare interior design per i loro edifici.

La pratica dell’interior design si rifà agli Antichi Egizi, che decoravano le loro ingenue case di fango con arredi di base arricchiti da pelli di animali, tessuti semplici, murales grafici biografici e spirituali, sculture e urne dipinte. Ornamenti d’oro ornati trovati nelle tombe egizie (come il re Tutankhamon) e bigiotteria hanno evidenziato la necessità di decorazioni più distintamente ricche per simboleggiare gli egiziani più ricchi e potenti.

Le civiltà romane e greche hanno avanzato l’arte egizia di interior design e accessorizing celebrando l’orgoglio civico attraverso la loro invenzione di edifici pubblici a cupola. Per le loro case, elaborati mobili in legno greco caratterizzato avorio intricato e decorazione d ” argento, mentre i Romani concentrati sul matrimonio bellezza e comfort, con entrambe le civiltà interni di casa progettati per riflettere la ricchezza e lo status sociale e politico. Mobili romani era spesso fatta di pietra, marmo, legno, o bronzo, ed è stato reso confortevole tramite cuscini e arazzi espressivi. Per elevare le loro case, sia i romani che i greci portarono vasi e crearono affascinanti pavimenti a mosaico, e dipinti murali e affreschi per rendere i loro spazi unici per loro.

Dopo questo periodo di ornamenti decorativi, ci fu un improvviso movimento verso l’esattezza a causa delle guerre in corso in tutta l’Europa medievale e l’ascesa della chiesa cristiana. Coniato I secoli Bui per una buona ragione, la storia dell’interior design dell’epoca presentava pannelli in legno cupo, arredi minimali e esclusivamente pratici e pavimenti in lastre di pietra. Anche i patroni più ricchi dell’epoca si attenevano a colori tenui e sobri quando aggiungevano extra decorativi come arazzi e pietre.

Dopo il Medioevo, gli europei sono stati ancora una volta ispirati a introdurre il colore e ornamenti decorativi nelle loro case. Durante il 12 ° secolo, lo stile gotico dark-romantico è stato creato per sfruttare al meglio la luce naturale e gli interni aperti appena popolari.

Nel corso del xv e XVI secolo, il Rinascimento francese ha iniziato una rinnovata attenzione per l’arte e la creatività nell’interior design. Architetti del tempo ha iniziato la creazione di case con notevoli note decorative tra cui pavimenti in marmo, ornato intarsiato in legno, dipinti, e mobili realizzati con i migliori materiali. Un rapido sguardo alle epoche palazzi reali, ville, e cappelle è certo di evidenziare il meglio del Rinascimento interior design.

Seguendo il Rinascimento, intricati e complessi disegni barocchi italiani presero piede in Europa. La Reggia di Versailles in Francia, per esempio, ha fatto notevole uso di elementi di interior design barocchi come marmo colorato e pietra, vetrate, soffitti riccamente dipinti e colonne a spirale. Entro il 18 ° secolo, interior designer europei reso stile Rococò sempre più popolare mentre prendendo influenza da gres asiatici, stampe floreali, e mobili intarsiati con dettagli esotici come avorio e madreperla. Poi è arrivato il look neoclassico della fine del 18 ° secolo, una presa lontana sugli elementi di design celebrati trovati nell’antica Roma con il suo uso di seta, raso e velluto brillantemente colorati.

Dai primi anni del 1800 in poi, più libertà ed eclettismo è stato spesso trovato nella progettazione di interni in Europa e in America. E nel corso dei prossimi due secoli, una sfilza di movimenti di interior design innovativo e moderno sarebbe andato e venire fuori stile come i tempi sono cambiati tra cui Art Deco, Art Nouveau, vittoriano, e lo stile industriale Bauhaus. Il 19 ° secolo ha visto, tuttavia, il massimo in termini di apprezzamento e la divulgazione di interior design. Non più esclusivo per i composti reali e le case di cittadini ricchi, le possibilità di migliorare la vita interior design ha cominciato a raggiungere masse critiche nella parte successiva del 1800.

E dal 20 ° secolo, la funzionalità divenne una componente chiave nell’approccio all’interior design poiché la crescente presenza di elettrodomestici come stufe, lavatrici e televisori spinse una nuova sfida per gli interior designer, che dovevano progettare spazi con ragioni più che estetiche in mente.

E con la svolta del xx secolo, i designer alle prime armi e numerose pubblicazioni stavano sempre più lavorando per sconfiggere la presa che i grandi punti vendita di lusso avevano sul mondo dell’interior design. Prima di ciò, l’autrice femminista inglese Mary Haweis produsse una serie di saggi popolari negli 1880 in cui ridicolizzava l’eccitazione di un’aspirante classe di borghesi che cercavano di arredare le loro case frettolosamente intorno ai confini rigorosi ma blandi offerti loro dettando i punti vendita. La sua risposta è stata che le persone dovrebbero cogliere l’opportunità di creare un particolare approccio a uno stile di design personalizzato per soddisfare le loro esigenze e stili di vita. “Una delle mie convinzioni più forti, e uno dei primi canoni del buon gusto, è che le nostre case, come il guscio del pesce e il nido d’uccello, dovrebbero rappresentare il nostro gusto e le nostre abitudini individuali”, ha scritto.

La lenta transizione verso le arti decorative vista come una professione artistica individuale a parte la saggezza del venditore offerta da produttori e rivenditori fu potenziata nel 1899 con il lancio dell’Institute of British Decorators; con John Dibblee Crace come presidente. L’istituto ha rappresentato oltre 200 interior designer in tutta la nazione. E nel 1915 l’Elenco di Londra vide un aumento della lista di 127 persone che lavoravano come decoratori d’interni professionisti, di cui solo 10 erano donne. Rhoda e Agnes Garrett furono le prime donne registrate ad essere allenate professionalmente come designer di casa nel 1874. L’importanza del loro lavoro di progettazione era considerata all’epoca parallela al leggendario maestro degli interni William Morris. Nel 1876, la loro guida – Suggerimenti per la decorazione della casa in pittura, lavorazione del legno e mobili – ulteriormente cementato la loro autorità e diffondere le loro prese su approcci artistici di interior design per un design affamato classe media.

“Fino a poco tempo fa, quando un uomo voleva arredare, visitava tutti i commercianti e selezionava pezzo per pezzo di arredamento ….Oggi manda a chiamare un commerciante di arredi e arredi d’arte che esamina tutte le stanze della casa e porta la sua mente artistica sull’argomento”, come scrisse il falegname e costruttore illustrato nel 1900.

Tornata in America, Candace Wheeler, considerata una delle prime donne interior designer, incoraggiò un approccio completamente nuovo all’interior design americano. È stata una figura chiave nello sviluppo dei primi corsi di interior design per donne in una serie di importanti hub americani ed è stata celebrata come l’autorità definitiva sull’arredamento domestico all’epoca. Un’altra importante influenza sulla nuova professione di arredamento fu la decorazione delle case, una guida ampiamente letta e consultata sul design d’interni scritta da Edith Wharton e dal maestro architetto Ogden Codman nel 1897 negli Stati Uniti. Nel libro popolare, gli autori consideravano irrilevanti l’arredamento e il design degli interni in stile vittoriano. Non più praticabili erano le case fredde, scure e lunatiche decorate con mobili pesanti, accessori vittoriani e sedute trapuntate e imbottite. Hanno considerato lo stile di design che ha dato troppa importanza agli arredi imbottiti invece di una ragionevole pianificazione dello spazio e ai dettagli architettonici, rendendo le stanze tristi, scomode, intoccabili e quindi troppo preziose. Il loro libro è ancora considerato come un momento seminale e il loro successo ha spinto l’ascesa di interior designer professionisti che adottano posizioni simili.

Come potete vedere, il mondo dell’interior design è venuto un modo notevole dal momento che gli antichi Egizi come designer oggi hanno accesso illimitato a una quantità infinita di movimenti di design, stili di mobili, e le influenze del passato. Ma sono davvero i sette interior designer su cui ci stiamo concentrando qui che hanno veramente cambiato il modo in cui affrontiamo l’interior design in meglio.

STORIA DELL’INTERIOR DESIGN TIMELINE:

Età della pietra 6000-2000 AC

Il primo segno di un approccio all’interior design è stato notato nelle abitazioni preistoriche con flora e fauna. Quelle abitazioni erano fatte di fango, pelli di animali e bastoni.

Neolitico Europa 2000-1700 AC

In viene la prima ceramica fatta a mano definito che è stato utilizzato sia per motivi pratici e decorativi.

Antico Egitto 2700

L’ascesa delle famiglie reali vide per la prima volta persone che vivevano in strutture oltre alle capanne di fango. Le nuove strutture vantavano murales che raffiguravano la loro storia e le loro credenze. E avevano arredi di base e oggetti decorativi come vasi e sculture – visti per la prima volta.

Impero greco dal 1200 al 31 a. C.

I progressi nella civiltà e nello stile di vita videro i cittadini decorare le loro case nel loro stile unico per la prima volta in assoluto con i greci più ricchi che possedevano arredi intarsiati con avorio ornato e dettagli in argento. Colonne e colonne iconiche e dichiarative erano motivi chiave durante questa era e i greci crearono anche regole e procedure standard per la costruzione di edifici.

Impero romano dal 753 AC al 480 DC

Un’epoca austera in cui i reali non erano in grado di evocare la loro ricchezza semplicemente attraverso le loro case. I Romani decoravano le loro case con murales e mosaici, e gli arredi presentavano i piedi artigliati.

I secoli Bui 900-1500

I secoli Bui videro il disinteresse per l’interior design con persone che optavano per semplici pareti in legno con pannelli, arredi minimali e pavimenti in lastre di pietra.

L’Impero bizantino 500-1500

Durante questo periodo grandi cupole e decoro decadente ha preso il centro della scena.

Il periodo rinascimentale 1400-1600

La bellezza dell’interior design è stata una caratteristica importante durante il periodo rinascimentale con grandi arredi e arte realizzati in tonalità vivaci e tessuti lussuosi come seta e velluto insieme a superfici in marmo. E poiché i tappeti erano troppo preziosi e costosi anche per i più ricchi di mecenati, erano usati come arte murale quando possibile.

Gotico 1140-1400

In risposta al medioevo, ornamenti decorativi e colori audaci erano ancora una volta caratteristiche di interior design di primo piano. Due tratti distintivi dell’epoca riportati fino ad oggi sono più finestre per case più luminose insieme a planimetrie aperte.

Barocco 1590-1725

Elementi artistici ostentati e ultra-ricchi realizzati per una ricetta di sontuosi disegni interni con vetrate, colonne tortili, marmi colorati, soffitti dipinti, specchi dorati e lampadari di grandi dimensioni.

Tradizionale 1700 ad oggi

Incarnato da uno spirito formale, interior design tradizionale è ancora un pilastro fino ad oggi. L’interior design tradizionale è un termine ampio che evidenzia vari stili di design e movimenti che non sono inchiodati a una direzione o uno spirito bloccati.

Il design tradizionale celebra l’illustre e ricca storia del passato contrastandolo con elementi decisamente moderni per un tocco elegante su un bel design, evidenziando l’arredamento europeo del xviii e xix secolo. È uno stile di design senza tempo che evoca facile glamour e comfort ed è una grande direzione per coloro che apprezzano l’antiquariato, l’arte classica, la simmetria e il design ricco di storia.

Rococò 1700

Uno stile di design iper elegante e riccamente dettagliato che prende spunto da sagome botaniche, il design degli interni rococò presentava elementi unici come il guscio di tartaruga e gli abbellimenti di perle accanto alla porcellana asiatica.

La rivoluzione industriale 1760 a 1820

Durante la rivoluzione industriale il design degli interni era disponibile per un pubblico più ampio ed era più facile da accedere per la popolazione generale che mai. Ciò è in gran parte dovuto a processi di stampa più facili che creano un’ampia distribuzione di pubblicazioni di moda e lifestyle e al fatto che gli articoli di lusso sono diventati sempre più raggiungibili.

Stile neoclassico dal 1780 al 1880

Ispirandosi alle antiche culture greche e romane per dettagli e motivi architettonici, in quest’epoca gli arredi si affidano fortemente all’uso dei metalli in bronzo e oro, e i soffici arredi in seta, velluto e raso. Anche la tendenza di abbinare carta da parati e arredi ha preso piede.

Tropical 1880 a oggi

Come l’impero britannico spazzato attraverso paesi come l’India e territori come le Indie Occidentali, hanno combinato elementi di interior design dal loro paese d’origine e le regioni che stavano occupando per creare un mix inebriante del tradizionale e del extoic.

Movimento estetico dal 1800 ad oggi

Con ‘art for art’s sake’ in mente, il Movimento estetico era un modo per i radicali di esprimere la loro avversione per l’attuale, stanco interior design. La chiave qui era nella praticità e nella funzione che assumevano importanza prima della bellezza.

Toscana dal 1840 ad oggi

Prendendo spunto dalla natura affascinante e rilassante della Toscana in Italia, il focus del design d’interni in questo periodo era di semplice semplicità con sentori di lusso per buona misura.

Arti &Artigianato 1860-1910

Per evidenziare la loro opposizione agli oggetti ordinari prodotti in serie a causa delle innovazioni della rivoluzione industriale, le persone si sono rivolte all’artigianato tradizionale e agli elementi classici per produrre arredi.

Rustico dal 1870 ad oggi

Il design rustico degli interni presenta arredi fatti a mano e ampie camere aperte con travi e colonne in legno.

Arredamento rustico offre la perfetta combinazione di confortante, senza fronzoli design e pratico, arredamento funzionale, messi insieme per creare un caldo rustico interni. I materiali naturali funzionano come base e punto di partenza per creare invidiabili decorazioni per la casa rustiche che celebrano l’autentica bellezza dei materiali naturali per creare uno spazio accogliente e bello.

Modernismo 1880 – 1940

Il movimento modernista sottolineava la semplicità, la chiarezza della forma e rifiutava il rumore nel design. Alcune delle figure di spicco del movimento in includono Mies van der Rohe, Le Corbusier, e Eero Saarinen, le cui firme visto nella sua sempre popolare tavolo Saarinen e Saarinen sedia sono l’epitome dello stile di design.

Art Nouveau 1890-1920

L’entusiasmo dietro il movimento Art Nouveau era nel portare in sagome naturali derivate da elementi botanici che hanno prestato l’epoca la sua firma linee curve e forme organiche.

Colonial Revival 1905 ad oggi

Popolare negli Stati Uniti e stimolato dal centenario, il Colonial Revival ha trovato ispirazione dagli stili neoclassici e storici georgiani. Di gran lunga lo stile più popolare del tempo fino alla seconda guerra mondiale, alcuni credono che il lancio dell “automobile ha contribuito a suscitare l” interesse della gente in riferimenti storici come sono stati in grado di visitare liberamente monumenti documentati.

Eclettico dal 1900 ad oggi

Alcuni storici indicano l’ascesa di bisogno di interior designer che hanno capito come mescolare diversi stili di design con autorità per il forte aumento dei designer del settore come stile eclettico ha assunto ispirazione estetica.

Stile eclettico è tutto di armonia e l’incontro di stili disparati, giustapponendo texture, e colori contrastanti per creare una camera coesa, ben realizzato che non sarebbe fuori luogo in una rivista di arredamento per la casa come questo è uno stile di design che prende verve e un grande occhio. E dal momento che l’interior design eclettico è tutto sperimentazione e gioco, divertirsi con la libertà che permette.

Moderno 1918-1950

Con una particolare attenzione per gli interni sparse e colori primari audaci, Interior design moderno evitato il tipicamente ornato e più di tendenza estetica del design decorato al momento.

Bauhaus dal 1920 al 1934

Celebra la giornata per la sua grande sicurezza minima e splendidamente eseguito gesti, e fondata dall’architetto tedesco Walter Bauhaus, che ha anche creato il Bauhaus, la scuola di arte e design nella Germania di Weimar, il movimento rapidamente prodotto alcuni dei più influenti architetti, scultori, grafici, designer, produttori di mobili e design mavericks della metà e la fine del 20 ° secolo.

Paese dal 1920 al 1970

Con note sollevate da impostazioni tradizionali fattoria, stile country era pratico, ma con qualità, arredamento d’ispirazione vintage.

L’interpretazione odierna del moderno stile country dell’interior design è un classico idilliaco. Allontanandosi da uno stile di design country puramente tradizionale; il paese moderno consente aspetti più giocosi e sfumati insieme a note minime.

Art Deco 1920 a 1960

Questo movimento presenta una miscela inebriante di stili di design del primo 20 ° secolo tra cui Costruttivismo, cubismo, Modernismo, Bauhaus, Art Nouveau e Futurismo. Uno degli stili di interior design più noti, l’Art Deco rappresentava la modernità, il glamour quotidiano e l’eleganza. L’era si basava molto su linee pulite, forme angolari senza fronzoli, colori audaci e motivi stilizzati come zig-zag e figure ottiche. Per il glamour aggiunto, abbellimenti ornati e superfici metalliche erano anche tratti distintivi dell’epoca.

I materiali utilizzati nell’interior design art deco sono lisci e riflettenti per il glamour quotidiano in casa. Un sacco di metalli sono presenti in questo stile; dall’oro all’argento, acciaio inossidabile e cromo. Conferiscono a qualsiasi stanza un’atmosfera elegante e lussuosa e possono essere utilizzati ovunque. Immaginate un moderno art deco soggiorno con un vetro sormontato tavolino d’oro, lampade cromate, e un tappeto geometrico fantasia audace in nero, oro e bianco. Il vetro è anche un materiale usato frequentemente nel design art deco; che si tratti di specchi, tavoli in vetro, elementi scultorei o un vaso o una lampada art deco, poiché il vetro aggiunge l’atmosfera elegante di una stanza art deco.

Dal 1920 al giorno d’oggi

Per evocare la sensazione dei paesi europei costieri, le trame di terracotta, pietra e piastrelle a motivi geometrici erano fortemente presenti insieme al ferro battuto e alle tonalità acquatiche.

Surrealismo 1925-1930

Surrealisti come artisti famosi incluso Salvador Dalì, André Breton, e Max Ernst utilizzato questo movimento d’avanguardia per liberare le persone dalle loro associazioni di ciò che era normale e in ultima analisi prevedibile nel design, musica, arte, e anche interior design.

la Metà del Secolo, Moderno, 1930 ad Oggi

anche Se il termine a metà del secolo moderno non è stato coniato fino alla metà degli anni ‘ 80, e anche se nessuno sa veramente è vero timeline, l’epoca rappresenta una combinazione di post seconda Guerra Mondiale praticità, 50 epoca di ottimismo, 60 epoca di terrosità, e ‘ 70 era tonalità e texture ordinatamente avvolto in un elegante ode alla semplicità Scandinava.

Chiamalo una reazione alla decadenza e al soffocamento dorato dell’interior design e dell’architettura fino agli anni ‘ 40 se vuoi, come al momento del suo inizio, l’arredamento moderno di metà secolo era una confutazione completa e un riavvio per i sensi.

L’atmosfera è fresca e poppy, retro-tinged, e completamente seducente con la sua dedizione al comfort e praticità avvolto in un bel design che non passa mai di moda. A differenza di altri movimenti estetici, la metà del secolo, arredamento moderno è filante design, come la forma segue la funzione, evidenziando i materiali utilizzati, piuttosto che fare loro qualcosa che non sono.

Scandinavo Moderno 1930 ad Oggi

Questo movimento mette in evidenza le virtù di bellissimo, pratico gli oggetti che sono entrambi facilmente accessibile e conveniente, che è il motivo per cui il movimento rimane popolare a questo giorno.

Appartenente alla scuola del modernismo, l’interior design scandinavo è un movimento di design caratterizzato da un’attenzione al funzionalismo e alla semplicità. Include anche l’uso di materiali naturali, come pelle, legno e canapa. Inoltre, un interior design scandinavo è spesso influenzato da una connessione con la natura, che combina forme naturali, astrazione e uso di elementi naturali.

Transitional 1950’s to Today

Con l’invenzione della televisione e la sua prominenza nella maggior parte delle case degli Stati Uniti, il design degli interni dei set ha contribuito ad alimentare l’appetito delle masse per l’arredamento più che mai.

Stile di transizione si riferisce ad un mix di arredi tradizionali e moderni, fabbricazioni, e le caratteristiche decorative che si prestano più libertà quando si cerca di decorare la vostra casa con facilità come non c’è fine alle direzioni si può prendere lo stile di design. In sostanza, interior design di transizione è la combinazione di vari stili di design riuniti contemporaneamente per creare un design coeso in una stanza.

Postmodernismo 1978-Oggi

Questo movimento nasce come una sfida a ciò che la gente vedeva come la generica blandezza del movimento modernista. Una delle sue figure principali è stato l’architetto e designer italiano Ettore Sottsass, con le sue forme giocose firma, stampe astratte, e potenti storie di colore.

Contemporary 1980’s to Today

Contemporary interior design è classico ma completamente del momento e senza tempo grazie ad una mano leggera, prendere di ricambio sulla decorazione per garantire che non sarà mai sentire datato.

Mentre l’arredamento moderno può sentire freddo, limitante e apertamente minimale, lo stile contemporaneo è calmante e sereno, ed è condito con un focus su elementi architettonici, dettagli decorativi, attenzione alle scale audaci e una tavolozza di colori concisa per creare uno spazio caldo con facile raffinatezza.

Semplicità, linee pulite, giochi di texture e dramma silenzioso sono fondamentali per realizzare una casa in stile contemporaneo perfettamente bilanciata.

ELSIE DE WOLFE

Annunciata come “la prima decoratrice d’interni d’America”, la vita di Elsie de Wolfe era opulenta come le stanze che decorava, come è raffigurata sopra nell’iconico cappotto di alta moda dorato starburst di Elsa Schiaparelli. Il leggendario de Wolfe vanta una biografia che è altrettanto selvaggiamente romantico e avventuroso. Dopo essere stata educata in Scozia e presentata alla corte della regina Vittoria, tornò negli Stati Uniti e divenne un’attrice dove condivise un unico “Boston marriage” (un termine per due donne single che vivevano insieme da The Bostonians di Henry James) con l’agente letteraria e amante di successo Elisabeth Marbury.

Il suo stile sul palco e i suoi costumi—abiti couture parigini—l’hanno resa un’influente tastemaker tra gli spettatori del suo pubblico, portandola a diventare nota come la donna più vestita del mondo. La sua prima incursione nel design degli interni è stata una totale rifuggire dall’arredamento vittoriano scuro e cupo nella casa che lei e Marbury condividevano. Dopo aver rinnovato con successo la loro residenza declutterando, semplificando e riducendo al minimo gli interni pesantemente decorati, è diventata la prima decoratrice di interni a ricevere una commissione di progettazione.

Quella commissione doveva decorare il primo club sociale d’élite per donne di New York, il famoso Colony Club, che vantava una sfilza di membri importanti con cognomi come Whitney, Morgan, Harriman e Astor. De Wolfe divenne presto l’arredatrice d’interni più popolare del suo tempo e, nel 1913, pubblicò il primo libro di interior design, “The House in Good Taste.”

Ha celebrato l’inaspettato mescolando stampe animalier con cineserie, aveva un’affinità per gli stili Regency e Chippendale e combinazioni di colori in bianco e nero, ed è stata una pioniera nel rappresentare il colore beige nell’arredamento.

I suoi progetti più importanti includono le case di Condé Nast, i Fricks e gli Hewitt. La sua posizione anti-vittoriana e più luminoso, airier, e meno complicato e più minimamente mentalità, camere raffinate rimane popolare fino ad oggi.

JEAN-MICHEL FRANK

Non dovrebbe sorprendere che gli artisti trovino abitualmente ispirazione dal mondo che li circonda, ed è facile immaginare l’effetto inebriante della Parigi del 1930 sul più celebre decoratore e interior designer dell’epoca, Jean-Michel Frank. Fortunatamente per lui, i suoi progetti erano spesso incentrati sul posizionamento di Picassos e Braques in tutti gli spazi da lui decorati, e il suo equipaggio di amici influenti includeva tutti, da artisti parigini di sinistra come Man Ray e socialites come the Rockefeller.

Considerato un minimalista con una ricca inclinazione, la sua stratificazione del massimalismo divino rende il suo lavoro ancora più intrigante e stimolante. Come designer di mobili, le sue silhouette erano ridotte e sottili e rifinite con dettagli lussuosi. Pensa agli intricati schermi di mica, alle porte in bronzo, agli accessori in quarzo e alla serie di arredi ricoperti di shagreen e alle sedie club in pelle di pecora che ha progettato per il leggendario produttore di beni di lusso Hermès. Bianco era un go-to firma ombra del suo, che ha allo stesso tempo ha fatto guardare sia di ricambio e complesso. Frank è anche accreditato con la progettazione di uno dei pezzi più iconici minimalista di mobili nella storia—il tavolo Parsons—che avrebbe spesso coprire con la più lussuosa delle finiture.

Insieme ad un occhio studiato per il grande design e un istinto per la migliore qualità, Frank ha preso in elementi della vita quotidiana per rendere uno spazio più accessibile, invitante e realistico. Oggi il suo lavoro continua ad essere celebrato nei musei, i suoi arredi creano aste da record e si possono persino acquistare riproduzioni dei suoi pezzi più iconici disegnati per Hermès.

SUOR PARISH

Nota per la sua astuta interpretazione del gusto indulgente, Suor Parish è accreditata per aver creato il look Country americano, uno degli stili di design più duraturi dell’ultimo mezzo secolo. Nato in privilegio e pedigree, look Country americano di Parish è stato realizzato dal suo introito sul paese inglese, anche se con più calore, carattere, e un appello homespun e affascinante.

Ha iniziato la sua carriera come casalinga inesperta che ha decorato la sua casa con molta fanfara. Dopo aver attirato l’attenzione dei compagni di casalinghe dell’alta società la sua messa a restyling le proprie case, Hadley ha preso atto della necessità di un design a prezzi accessibili durante la Grande Depressione e fatturati se stessa come un “decoratore di bilancio” per coloro che cercano di aggiornare le loro case durante i tempi economici difficili dell’epoca.

Il suo stile decorativo era un rifiuto totale della collezione di oggetti d’antiquariato pesanti e scuri di suo padre mentre si appoggiava più a strisce ticchettanti femminili, chintz smaltati, trapunte, tappeti uncinati e poltrone informali imbottite incorporando elementi del passato.

“L’innovazione è spesso la capacità di raggiungere il passato e riportare ciò che è buono, ciò che è bello, ciò che è utile, ciò che è duraturo.”

I suoi disegni erano romantici, caldi ed eleganti per clienti come Brooke Astor, eppure era conosciuta per la sua figura caustica e intimidatoria e le valutazioni spietate degli spazi del suo cliente.

Lo studio di design di Parish ha visto molti designer influenti farsi un nome accanto a lei, tra cui il leggendario Albert Hadley, a cui ha lavorato per oltre 30 anni-il loro rapporto professionale è spesso considerato una delle collaborazioni di maggior successo nel mondo degli interni fino ad oggi.

ALBERT HADLEY

Accreditato come il padre di transizione interior design, celebrato per il suo magistrale associazione di glamour e funzionalità, e spesso indicato come il “decano dell’American decoratori,” Albert Hadley project portfolio vantava alta società, nomi come Rockefeller, Astor, Getty, e Mellon.

Tuttavia, per Hadley, i nomi di alto profilo non hanno mai avuto luogo su un design brillante. “I nomi non sono davvero il punto”, ha detto al New York magazine nel 2004. “È ciò che puoi ottenere per la persona più semplice. Glamour è parte di esso, ma glamour non è l’essenza. Il design riguarda la disciplina e la realtà, non la fantasia oltre la realtà.”

Nato nel Tennessee, Hadley si trasferì a New York dopo aver prestato servizio nella seconda guerra mondiale dove studiò e insegnò alla Parson’s School of Design e divenne noto per il suo stile di arredamento moderno e il suo senso istintivo di equilibrio e ciò che lavorava insieme. Ha abilmente creato mix inebrianti di stili di design con un mantra incentrato sull’idea di “mai meno, mai più.”

Alla ricerca di un partner di sorta con più talento tecnico piuttosto che l’istinto che ha definito la sua carriera, suor Parish ha portato Hadley nella sua squadra nel 1962. Parish-Hadley Associates restyling le case delle famiglie d “elite d” America per decenni ed è meglio conosciuto per ridecorare gli alloggi della Casa Bianca Kennedy, così come le case private della famiglia Kennedy. Dopo la morte di Parish Hadley ha continuato a lavorare ben oltre la sua metà degli anni ‘ 80 su progetti che incorporavano un interessante mix di stili di design a differenza di qualsiasi altro designer della sua generazione.

DOROTHY DRAPER

Da tempo annunciata come la Coco Chanel del mondo della decorazione, i disegni di Dorothy Draper erano senza paura vibranti, sontuosi, gioiosi e pieni di personalità. Le camere da lei progettate avevano una tavolozza di colori sobria del classico bianco e nero, mentre altre evidenziavano motivi grafici sovradimensionati e le sue incisive combinazioni Technicolor di rosa e verde, turchese e sfumature di agrumi. Cugino di Sister Parish, Draper fu il primo decoratore d’interni commerciale documentato, avendo fondato il primo studio ufficiale di interior design, Architectural Clearing House, nel 1923.

“Quasi tutti credono che ci sia qualcosa di profondo e misterioso o che devi conoscere tutti i tipi di dettagli complicati sui periodi prima di poter sollevare un dito. Decorare è semplicemente divertente: una delizia per il colore, una consapevolezza dell’equilibrio, un sentimento per l’illuminazione, un senso di stile, un gusto per la vita e un godimento divertito degli accessori intelligenti del momento”, ha scritto nel suo libro 1939 Decorating Is Fun!

Named più influenti di tendenza in America nel 1960, Draper ha prestato il suo leggendario firma “Barocco moderno” stile di diversi edifici iconici tra cui la sala da pranzo di New York, Metropolitan Museum of Art, il Fairmont e Mark Hopkins hotel a San Francisco, e, più impressionante, una revisione completa del Greenbrier Hotel in West Virginia – che sembra ancora au ribes 70-anni più tardi.

DAVID HICKS

Originariamente un illustratore pubblicitario freelance a Londra, David Hicks decorazione carriera è decollato dopo una rivista coperto il gioco che cambia rifacimento ha fatto a casa dei suoi genitori.

Hicks ha rotto lo stampo e si è opposto alle pratiche di decorazione inglese tradizionalmente soffocanti e pretenziose e ha continuato a diventare un maestro di mix inaspettati ma coesi. I suoi interni eclettici spesso caratterizzato da una giustapposizione distinta di colori riottosi, modelli, fabbricazioni, e stili di design che erano imprese seducenti e impressionanti.

Un beniamino del mondo del design degli anni ‘ 60, i suoi progetti più importanti includevano stanze per il principe Carlo e la principessa Anna e una discoteca scintillante su un transatlantico e uno yacht per il re Fahd dell’Arabia Saudita. Nel 1970, Hicks ha iniziato a produrre carta da parati firma, tessuti e biancheria per le sue boutique di design sparsi in otto paesi.

BILLY BALDWIN

Sebbene fosse celebrato per il suo approccio globale all’interior design, Billy Baldwin detestava il termine “interior designer”, optando per essere indicato come “decoratore”, il suo titolo preferito. Credeva a camere buone ossa di essere un principio superiore con la qualità e il comfort di essere la chiave.

“Ho sempre creduto che l’architettura sia più importante della decorazione. La scala e la proporzione danno una soddisfazione eterna che non può essere raggiunta solo glassando la torta”, ha detto notoriamente.

I suoi interni erano nitidi e impeccabili e, a differenza dei suoi contemporanei, ha lavorato con gli arredi esistenti del cliente e li ha riproposti con una spinta istintiva. Da un notevole aggiornamento dell’appartamento Waldorf Towers di Cole Porter al complesso Skorpios di Jackie O’, al salotto di Red Park Avenue riccamente stratificato di Diana Vreeland, la meticolosa attenzione alla scala e alle proporzioni è stata una forza trainante per Baldwin. Un maestro di decorazione pratico punteggiato con tonalità audaci, stampe, e ben giudicato curation, un sondaggio del lavoro di Baldwin dimostra come rilevante il suo lavoro rimane fino ad oggi.