Avec la profession de design d’intérieur qui a un peu plus de 100 ans, nous examinons les racines de l’histoire du design d’intérieur et les sept décorateurs légendaires qui se sont fait un nom alors que l’industrie commençait à prendre de l’ampleur au début des années 1900. Des Anciens Égyptiens à l’aube du design d’intérieur moderne, voici tout ce que vous devez savoir.
Cela peut sembler un peu élémentaire, mais commençons par les bases des services de design d’intérieur. Le design d’intérieur est défini comme l’art et la science d’améliorer l’intérieur d’un espace afin de créer un environnement poli et plus esthétique. Un designer d’intérieur est une personne formée pour exécuter des plans, rechercher, coordonner et gérer des projets décoratifs avec autorité. Le métier d’architecte d’intérieur est varié et comprend la planification de l’espace, le développement conceptuel, les inspections de site, la programmation, la recherche, la communication avec les clients, la gestion de projet et de construction, et bien sûr l’exécution du design souhaité.
Avant que la profession ne prenne de l’importance, le design d’intérieur est venu instinctivement se coordonner strictement avec l’architecture des bâtiments. La profession de design d’intérieur est venue avec la montée de la société de la classe moyenne et l’architecture compliquée qui a gagné en popularité pendant la révolution industrielle. La quête de tirer le meilleur parti de l’espace, ainsi que l’attention portée au bien-être de l’utilisateur et au design fonctionnel continuent de pousser les possibilités de développement et d’amélioration de la vie de l’itération d’aujourd’hui sur la profession de design d’intérieur. Cela dit, la profession de design d’intérieur est nettement distincte du travail de décorateur d’intérieur, un surnom plus couramment utilisé aux États-Unis. Le terme décorateur d’intérieur est moins couramment utilisé au Royaume-Uni où la profession de design d’intérieur reste non réglementée et malheureusement, pas encore considérée comme une profession officielle à ce jour.
Dès l’Inde ancienne, les architectes servaient de décorateurs d’intérieur pour développer pleinement leur vision complète. Cela peut être noté à partir des références de l’architecte Vishwakarma – l’un des dieux présentés dans la mythologie indienne. Ces références présentent des sculptures illustrant des textes anciens et des événements vus dans des palais construits dans l’Inde du 17ème siècle.
Dans toute l’Égypte antique, des « maisons de l’âme » ou des modèles de maisons ont été offerts dans les tombes comme récipients pour les offrandes alimentaires. À partir de ces bibelots évocateurs, il est possible de déchiffrer des indices sur le design intérieur de diverses résidences à travers plusieurs dynasties égyptiennes, y compris les mises à jour de la ventilation, des portiques, des colonnes, des loggias, des fenêtres et des portes.
Tout au long des XVIIe et XVIIIe siècles et dans la première partie du XIXe siècle, la décoration intérieure était une préoccupation exclusive reléguée à la femme au foyer, ou à un tapissier ou artisan professionnel qui pouvait conseiller en toute sécurité en fonction de son œil artistique pour la décoration intérieure d’une maison. Incidemment, les architectes se tourneraient également vers des artisans et des artisans pour créer un design d’intérieur pour leurs bâtiments.
La pratique du design d’intérieur remonte aux anciens Égyptiens, qui décoraient leurs maisons de boue naïves avec un mobilier de base rehaussé de peaux d’animaux, de textiles simples, de peintures murales biographiques et spirituelles graphiques, de sculptures et d’urnes peintes. Les ornements en or ornés trouvés dans les tombes égyptiennes (comme celles du roi Toutankhamon) et les bibelots ont mis en évidence la nécessité d’une décoration plus riche et distinctive pour symboliser les Égyptiens les plus riches et les plus puissants.
Les civilisations romaine et grecque ont fait progresser l’art égyptien de la conception d’intérieur et de l’accessoirisation en célébrant la fierté civique grâce à leur invention de bâtiments publics à toit bombé. Pour leurs maisons, des meubles en bois grecs élaborés présentaient une décoration complexe en ivoire et en argent, tandis que les Romains se concentraient sur le mariage de la beauté et du confort, les intérieurs des deux civilisations étant conçus pour refléter la richesse et le statut social et politique. Les meubles romains étaient souvent en pierre, en marbre, en bois ou en bronze, et étaient confortables grâce à des coussins et à des tapisseries expressives. Pour élever leurs maisons, Romains et Grecs ont apporté des vases et créé des sols en mosaïque fascinants, ainsi que des peintures murales et des fresques pour rendre leurs espaces uniques.
Après cette période d’ornementation décorative, il y a eu un mouvement soudain vers l’exactitude en raison des sombres guerres en cours dans toute l’Europe médiévale et de la montée de l’église chrétienne. Inventé L’âge des Ténèbres pour une bonne raison, l’histoire du design d’intérieur de l’époque comportait des boiseries sombres, un mobilier minimal et uniquement pratique et un sol en dalles de pierre. Même les clients les plus riches de l’époque ont adopté des couleurs discrètes et discrètes lors de l’ajout d’extras décoratifs comme des tapisseries et des pierres de taille.
Après l’Âge des Ténèbres, les Européens ont de nouveau été inspirés pour introduire la couleur et l’ornementation décorative dans leurs maisons. Au cours du 12ème siècle, un style gothique sombre et romantique a été créé pour tirer le meilleur parti de la lumière naturelle et des intérieurs ouverts fraîchement populaires.
Tout au long des 15e et 16e siècles, la Renaissance française a commencé un recentrage sur l’art et la créativité dans le design d’intérieur. Les architectes de l’époque ont commencé à créer des maisons avec des notes décoratives substantielles, notamment des sols en marbre, des boiseries incrustées ornées, des peintures et des meubles fabriqués avec les meilleurs matériaux. Un rapide coup d’œil aux palais royaux, aux villas et aux chapelles de l’époque mettra certainement en valeur le meilleur du design d’intérieur de la Renaissance.
Après la Renaissance, des conceptions baroques italiennes complexes et complexes ont pris le dessus sur l’Europe. Le château de Versailles en France, par exemple, a fait un usage remarquable des éléments de design d’intérieur baroques comme le marbre et la pierre colorés, les vitraux, les plafonds richement peints et les colonnes en spirale. Au 18ème siècle, les designers d’intérieur européens ont rendu le style Rococo de plus en plus populaire tout en prenant l’influence du grès asiatique, des imprimés floraux et des meubles incrustés de détails exotiques comme l’ivoire et la nacre. Puis vint l’aspect néoclassique de la fin du 18ème siècle, une vision lointaine des éléments de design célèbres de la Rome antique avec son utilisation de soie, de satin et de velours brillamment colorés.
À partir du début des années 1800, plus de liberté et d’éclectisme ont souvent été trouvés dans le design d’intérieur en Europe et en Amérique. Et au cours des deux siècles suivants, une flopée de mouvements de design d’intérieur innovants et modernes se démoderont à mesure que les temps changeront, y compris le style Art Déco, Art Nouveau, victorien et Bauhaus industriel. Le 19ème siècle a cependant vu le summum de l’appréciation et de la vulgarisation du design d’intérieur. N’étant plus exclusif aux complexes royaux et aux maisons de citoyens fortunés, les possibilités de design d’intérieur améliorant la vie ont commencé à atteindre des masses critiques à la fin des années 1800.
Et au 20e siècle, la fonctionnalité est devenue un élément clé de l’approche du design d’intérieur, car la présence croissante d’appareils électroménagers tels que les poêles, les machines à laver et les téléviseurs a suscité un nouveau défi pour les designers d’intérieur, qui devaient concevoir des espaces avec des raisons plus qu’esthétiques à l’esprit.
Et au tournant du 20e siècle, les designers novices et de nombreuses publications s’efforçaient de plus en plus de vaincre l’emprise que les grands points de vente haut de gamme avaient sur le monde du design d’intérieur. Avant cela, l’auteure anglaise féministe Mary Haweis a produit une série d’essais populaires dans les années 1880 où elle ridiculisait l’excitation d’une classe en herbe de bourgeoises cherchant à meubler leurs maisons à la hâte autour des limites strictes mais fades qui leur sont offertes par la dictée des points de vente au détail. Sa réponse a été que les gens devraient saisir l’opportunité de créer une approche particulière d’un style de conception spécialement conçu pour répondre à leurs besoins et à leurs modes de vie. « L’une de mes convictions les plus fortes, et l’un des premiers canons du bon goût, est que nos maisons, comme la coquille du poisson et le nid d’oiseau, doivent représenter nos goûts et nos habitudes individuelles », a-t-elle écrit.
La lente transition vers les arts décoratifs étant considérée comme une profession artistique individuelle en dehors de la sagesse du vendeur offerte par les fabricants et les détaillants a été stimulée en 1899 avec le lancement de l’Institute of British Decorators; avec John Dibblee Crace en tant que président. L’institut représentait plus de 200 designers d’intérieur à travers le pays. Et en 1915, le répertoire de Londres a vu une liste accrue de 127 personnes travaillant comme décoratrices d’intérieur professionnelles, dont seulement 10 étaient des femmes. Rhoda et Agnes Garrett ont été les premières femmes enregistrées à être entraînées professionnellement en tant que designers de maison en 1874. L’importance de leur travail de conception était considérée à l’époque comme parallèle au légendaire maestro intérieur William Morris. En 1876, leur guide – Suggestions pour la Décoration de Maison en Peinture, Boiseries et Meubles – a encore renforcé leur autorité et répandu leurs approches de design d’intérieur artistique auprès d’une classe moyenne avide de design.
» Jusqu’à récemment, quand un homme voulait meubler, il rendait visite à tous les marchands et sélectionnait pièce par pièce….Aujourd’hui, il envoie chercher un marchand de meubles et d’accessoires d’art qui arpente toutes les pièces de la maison et il apporte son esprit artistique sur le sujet « , comme l’écrivait le Charpentier et Constructeur Illustré en 1900.
De retour en Amérique, Candace Wheeler, considérée comme l’une des premières femmes décoratrices d’intérieur, a encouragé une toute nouvelle conception du design d’intérieur américain. Elle a été une figure clé dans le développement des premiers cours de design d’intérieur pour les femmes dans un certain nombre de grands centres américains et a été célébrée comme l’autorité définitive en matière de décoration intérieure à l’époque. Une autre influence importante sur la profession nouvellement catégorisée de décor était The Decoration of Houses, un guide largement lu et consulté sur le design d’intérieur écrit par Edith Wharton et le maître architecte Ogden Codman en 1897 aux États-Unis. Dans le livre populaire, les auteurs ont jugé que la décoration intérieure de style victorien et le design d’intérieur n’étaient pas pertinents. Les maisons froides, sombres et de mauvaise humeur, décorées de meubles lourds, d’accessoires victoriens et de sièges capitonnés et rembourrés, n’étaient plus viables. Ils considéraient que le style de conception avait accordé trop d’importance aux meubles rembourrés au lieu d’une planification rationnelle de l’espace et de détails architecturaux, rendant les pièces mornes, inconfortables, intouchables et par conséquent trop précieuses. Leur livre est toujours considéré comme un moment fondateur et leur succès a propulsé l’essor des designers d’intérieur professionnels adoptant des positions similaires.
Comme vous pouvez le voir, le monde du design d’intérieur a parcouru un chemin remarquable depuis que les Anciens Egyptiens en tant que designers ont aujourd’hui un accès illimité à une quantité infinie de mouvements de design, de styles de meubles et d’influences du passé. Mais ce sont vraiment les sept designers d’intérieur sur lesquels nous nous concentrons ici qui ont vraiment changé la façon dont nous abordons le design d’intérieur pour le mieux.
CHRONOLOGIE DE L’HISTOIRE DU DESIGN D’INTÉRIEUR:
Âge de pierre 6000 à 2000 avant JC
Le premier signe d’une approche du design d’intérieur a été noté dans les habitations préhistoriques présentant la flore et la faune. Ces habitations étaient faites de boue, de peaux d’animaux et de bâtons.
Europe néolithique 2000 à 1700 avant JC
En vient la première poterie artisanale définie utilisée à la fois pour des raisons pratiques et décoratives.
Egypte ancienne 2700
L’essor des familles royales a vu pour la première fois des personnes vivre dans des structures en plus des huttes de boue. Les nouvelles structures se vantaient de peintures murales qui dépeignaient leur histoire et leurs croyances. Et ils avaient des meubles de base et des objets décoratifs comme des vases et des sculptures – vus pour la première fois.
Empire grec de 1200 à 31 avant JC
Les progrès de la civilisation et des modes de vie ont vu les citoyens décorer leurs maisons dans leur propre style unique pour la première fois avec des Grecs plus riches possédant des meubles incrustés de détails ornés d’ivoire et d’argent. Les piliers et les colonnes emblématiques et marquants étaient des motifs clés à cette époque et les Grecs ont également créé des règles et des procédures standard pour la construction de bâtiments.
Empire romain de 753 avant JC à 480 après JC
Un âge austère où les royaux n’étaient pas en mesure d’évoquer leurs richesses simplement à travers leurs maisons. Les Romains décoraient leurs maisons avec des peintures murales et des mosaïques, et le mobilier présentait des pieds griffus.
Les Âges sombres 900 à 1500
Les Âges sombres ont vu un désintérêt pour le design d’intérieur, les gens optant pour des murs en bois lambrissés simples, un mobilier minimal et des sols en dalles de pierre.
L’Empire byzantin de 500 à 1500
Au cours de cette période, les grandes dômes et le décor décadent ont occupé le devant de la scène.
La période de la Renaissance de 1400 à 1600
La beauté du design d’intérieur était une caractéristique majeure de la période de la Renaissance avec de grands meubles et de l’art réalisés dans des teintes vibrantes et des textiles luxueux comme la soie et le velours ainsi que des surfaces en marbre. Et comme les tapis étaient trop précieux et trop chers pour les clients les plus riches, ils étaient utilisés comme art mural lorsque cela était possible.
Gothique de 1140 à 1400
En réponse à l’âge des ténèbres, l’ornementation décorative et les couleurs vives étaient à nouveau des éléments de décoration d’intérieur importants. Deux caractéristiques de l’époque reportées à aujourd’hui sont plus de fenêtres pour des maisons plus lumineuses avec des plans d’étage ouverts.
Baroque 1590 à 1725
Éléments artistiques ostentatoires et ultra-riches pour une recette de décors intérieurs somptueux avec vitraux, colonnes torsadées, marbre coloré, plafonds peints, miroirs dorés et lustres surdimensionnés.
Idées de décoration de chambre de style traditionnel de 1700 à aujourd’hui
Incarné par un esprit formel, le design d’intérieur traditionnel est toujours un pilier à ce jour. Le design d’intérieur traditionnel est un terme large qui met en évidence des styles de design et des mouvements variés qui ne sont pas cloués à une direction ou à un esprit verrouillés.
Le design traditionnel célèbre l’illustre et riche histoire du passé en la contrastant avec des éléments résolument modernes pour une touche élégante de beau design tout en mettant en valeur le décor européen des XVIIIe et XIXe siècles. C’est un style de design intemporel qui évoque le glamour et le confort faciles et est une excellente direction pour ceux qui apprécient les antiquités, l’art classique, la symétrie et le design riche en histoire.
Rococo 1700
Un style de conception hyper élégant et richement détaillé s’inspirant des silhouettes botaniques, le design intérieur rococo comportait des éléments uniques comme des ornements en écaille de tortue et en perles aux côtés de la porcelaine asiatique.
La Révolution industrielle de 1760 à 1820
Tout au long de la Révolution industrielle, le design d’intérieur était disponible pour un public plus large et était plus facile d’accès pour la population en général que jamais auparavant. Cela est en grande partie dû à des processus d’impression plus faciles créant une large distribution de publications de mode et de style de vie et au fait que les articles de luxe sont devenus de plus en plus accessibles.
Style néoclassique de 1780 à 1880
S’inspirant des cultures grecque et romaine antiques pour les détails et les motifs architecturaux, cette époque voit le mobilier s’appuyer fortement sur l’utilisation de métaux en bronze et en or, et des tissus d’ameublement en soie, velours et satin. La tendance du papier peint et du mobilier assortis s’est également imposée.
Tropical des années 1880 à nos jours
Alors que l’empire britannique traversait des pays comme l’Inde et des territoires comme les Antilles, ils ont combiné des éléments de design d’intérieur de leur pays d’origine et des régions qu’ils occupaient pour créer un mélange capiteux de traditionnel et d’extoïque.
Mouvement esthétique Des années 1800 à nos jours
Avec « l’art pour l’art » à l’esprit, le Mouvement esthétique était un moyen pour les radicaux d’exprimer leur aversion pour le design d’intérieur actuel et fatigué. La clé ici était dans la praticité et la fonction prenant de l’importance avant la beauté.
Toscane des années 1840 à aujourd’hui
S’inspirant de la nature charmante et apaisante de la Toscane en Italie, le design d’intérieur de cette période était d’une simplicité simple avec des notes de luxe pour faire bonne mesure.
Arts & Artisanat 1860 à 1910
Afin de souligner leur opposition aux objets ordinaires produits en série en raison des innovations de la Révolution industrielle, les gens se sont tournés vers l’artisanat traditionnel et les éléments classiques pour produire des meubles.
Rustique Des années 1870 à nos jours
La décoration intérieure rustique comprend un mobilier fait à la main et de grandes pièces ouvertes dotées de poutres et de colonnes en bois.
Le décor rustique offre la combinaison parfaite d’un design réconfortant et sans tracas et d’un décor pratique et fonctionnel, mis ensemble pour créer un intérieur rustique chaleureux. Les matériaux naturels servent de base et de point de départ à la création d’un décor rustique enviable célébrant la beauté authentique des matériaux naturels pour créer un espace confortable et magnifique.
Modernisme 1880 – 1940
Le mouvement moderniste insistait sur la simplicité, la clarté de la forme et rejetait le bruit dans la conception. Parmi les figures de proue du mouvement, citons Mies van der Rohe, Le Corbusier et Eero Saarinen, dont les signatures visibles dans sa table et sa chaise Saarinen, toujours populaires, sont la quintessence du style design.
Art Nouveau 1890 à 1920
L’enthousiasme derrière le mouvement Art Nouveau était d’apporter des silhouettes naturelles dérivées d’éléments botaniques qui prêtaient à l’époque ses lignes courbes et ses formes organiques.
Renouveau colonial de 1905 à aujourd’hui
Populaire aux États-Unis et stimulé par le centenaire, le Renouveau colonial s’inspire des styles historiques néoclassiques et géorgiens. De loin le style le plus populaire de l’époque jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, certains pensent que le lancement de l’automobile a contribué à susciter l’intérêt des gens pour les références historiques car ils ont pu visiter librement des monuments documentés.
Éclectique des années 1900 à nos jours
Certains historiens soulignent l’augmentation du besoin de designers d’intérieur qui ont compris comment mélanger différents styles de design avec autorité pour la forte augmentation des designers dans l’industrie à mesure que le style éclectique a pris le dessus sur l’inspiration esthétique.
Le style éclectique est une question d’harmonie et de rassemblement de styles disparates, de textures juxtaposantes et de couleurs contrastées pour créer une pièce cohérente et magnifiquement réalisée qui ne serait pas à sa place dans un magazine de décoration d’intérieur car c’est un style de design qui prend de la verve et un grand œil. Et comme le design d’intérieur éclectique est une question d’expérimentation et de jeu, amusez-vous avec la liberté qu’il permet.
Moderne de 1918 à 1950
En mettant l’accent sur les intérieurs clairsemés et les couleurs primaires audacieuses, le design d’intérieur moderne a évité l’esthétique du design typiquement orné et sur-décoré tendance à l’époque.
Bauhaus 1920 – 1934
Célébré à ce jour pour ses gestes grandioses mais minimalistes et magnifiquement exécutés, et fondé par l’architecte allemand Walter Bauhaus, qui a également créé l’école d’art et de design du Bauhaus à Weimar en Allemagne, le mouvement a rapidement produit certains des architectes, sculpteurs, graphistes, fabricants de meubles et non-conformistes les plus influents du milieu à la fin du 20e siècle.
Pays 1920 à 1970
Avec des notes relevées des cadres de ferme traditionnels, le style campagnard était pratique mais avec un mobilier de qualité d’inspiration vintage.
Aujourd’hui, le style campagnard moderne du design d’intérieur est un classique idyllique. S’éloignant d’un style de conception de pays purement traditionnel; le pays moderne permet des aspects plus ludiques et nuancés avec des notes minimales.
Art Déco années 1920 à 1960
Ce mouvement présente un mélange enivrant de styles de design du début du XXe siècle, notamment le Constructivisme, le Cubisme, le modernisme, le Bauhaus, l’Art Nouveau et le Futurisme. L’un des styles de design d’intérieur les plus connus, l’Art Déco représentait la modernité, le glamour quotidien et l’élégance. L’époque reposait fortement sur des lignes épurées, des formes angulaires sans tracas, des couleurs vives et des motifs stylisés comme des zigzags et des figures optiques. Pour plus de glamour, les embellissements ornés et les surfaces métalliques étaient également des caractéristiques de l’époque.
Les matériaux utilisés dans le design d’intérieur art déco sont lisses et réfléchissants pour un glamour quotidien dans la maison. De nombreux métaux sont présents dans ce style; de l’or à l’argent, en passant par l’acier inoxydable et le chrome. Ils confèrent à n’importe quelle pièce une sensation élégante et luxueuse, et ils peuvent être utilisés partout. Imaginez un salon art déco moderne avec une table basse dorée en verre, des lampes chromées et un tapis à motifs géométriques audacieux en noir, or et blanc. Le verre est également un matériau fréquemment utilisé dans le design art déco; que ce soit à travers des miroirs, des tables en verre, des éléments sculpturaux ou un vase ou une lampe art déco, car le verre ajoute à l’élégance d’une pièce art déco.
Méditerranée des années 1920 à nos jours
Pour évoquer la sensation des pays côtiers européens, des textures de terre cuite, de pierre et de carreaux à motifs ont été fortement présentées, ainsi que du fer forgé et des teintes aquatiques.
Surréalisme 1925 à 1930
Les surréalistes comme des artistes célèbres tels que Salvador Dali, André Breton et Max Ernst ont utilisé ce mouvement d’avant-garde pour libérer les gens de leurs associations de ce qui était normal et finalement prévisible dans le design, la musique, l’art et même le design d’intérieur.
Milieu du siècle Moderne Des années 1930 à aujourd’hui
Bien que le terme moderne du milieu du siècle n’ait été inventé qu’au milieu des années 80, et bien que personne ne sache vraiment que c’est la véritable chronologie, l’ère représente une combinaison de praticité après la Seconde Guerre mondiale, d’optimisme de l’ère des années 50, de terrien de l’ère des années 60 et de tons de l’ère des années 70 et des textures soigneusement enveloppées dans une ode élégante à la simplicité scandinave.
Appelez cela une réaction à la décadence et à la congestion dorée du design d’intérieur et de l’architecture jusqu’aux années 40 si vous voulez, car au moment de sa création, le décor moderne du milieu du siècle était une réfutation complète et un redémarrage pour les sens.
L’ambiance est fraîche et coquelicot, teintée de rétro, et complètement séduisante avec son dévouement au confort et à la praticité enveloppée dans un beau design qui ne se démode jamais. Contrairement à d’autres mouvements esthétiques, le décor moderne du milieu du siècle est épuré dans le design, car la forme suit la fonction tout en mettant en valeur les matériaux utilisés, plutôt que d’en faire quelque chose qu’ils ne sont pas.
Scandinavian Modern des années 1930 à aujourd’hui
Ce mouvement met en évidence les vertus de beaux objets conçus et pratiques à la fois facilement abordables et accessibles, c’est pourquoi le mouvement reste populaire à ce jour.
Appartenant à l’école du modernisme, le design d’intérieur scandinave est un mouvement de design caractérisé par un accent mis sur le fonctionnalisme et la simplicité. Cela inclut également l’utilisation de matériaux naturels, tels que le cuir, le bois et le chanvre. De plus, un design d’intérieur scandinave est souvent influencé par une connexion à la nature, qui combine des formes naturelles, l’abstraction et l’utilisation d’éléments naturels.
Transition Des années 1950 à nos jours
Avec l’invention de la télévision et son importance dans la plupart des foyers aux États-Unis, la conception intérieure des décors a contribué à nourrir plus que jamais l’appétit des masses pour la décoration.
Le style transitionnel fait référence à un mélange de meubles traditionnels et modernes, de fabrications et d’éléments décoratifs qui vous donnent plus de liberté lorsque vous cherchez à décorer votre maison avec facilité, car il n’y a pas de fin aux directions que vous pouvez prendre le style de conception. En substance, le design d’intérieur transitionnel est la combinaison de différents styles de design réunis simultanément pour créer un design cohérent dans une seule pièce.
Postmodernisme 1978 – Aujourd’hui
Ce mouvement est né comme un défi à ce que les gens voyaient comme la fadeur générique du mouvement moderniste. L’une de ses figures principales était l’architecte et designer italien Ettore Sottsass, avec ses formes ludiques, ses imprimés abstraits et ses histoires de couleurs puissantes.
Contemporain Des années 1980 à aujourd’hui
Le design d’intérieur contemporain est classique mais profondément du moment et intemporel grâce à une conception légère et discrète de la décoration pour qu’elle ne soit jamais datée.
Alors que le décor moderne peut sembler froid, limite et ouvertement minimal, le style contemporain est apaisant et serein, et est parsemé d’éléments architecturaux, de détails décoratifs, d’une attention aux échelles audacieuses et d’une palette de couleurs concise pour créer un espace chaleureux avec une sophistication facile.
Simplicité, lignes épurées, jeux de texture et drame silencieux sont fondamentaux pour obtenir une maison de style contemporain parfaitement équilibrée.
ELSIE DE WOLFE
Proclamée « première décoratrice d’intérieur d’Amérique », la vie d’Elsie de Wolfe était aussi opulente que les pièces qu’elle décorait, comme elle est illustrée ci-dessus dans l’emblématique manteau haute couture doré starburst d’Elsa Schiaparelli. Le légendaire de Wolfe possède une biographie à la fois follement romantique et aventureuse. Après avoir été éduquée en Écosse et présentée à la cour de la reine Victoria, elle est retournée aux États-Unis et est devenue actrice où elle a partagé un « mariage de Boston » unique (un terme pour deux femmes célibataires vivant ensemble dans The Bostonians de Henry James) avec l’agent littéraire à succès et amant Elisabeth Marbury.
Son style sur scène et ses costumes – des vêtements couture de Paris – ont fait d’elle une créatrice de goût influente parmi les spectateurs de son public, l’amenant à devenir connue comme la femme la mieux habillée du monde. Sa première incursion dans le design d’intérieur a été un évitement total du décor victorien sombre et sombre de la maison qu’elle et Marbury partageaient. Après avoir réussi à redessiner leur résidence en désencombrant, en simplifiant et en minimisant son intérieur fortement orné, elle est devenue la première décoratrice d’intérieur à recevoir une commande de design.
Cette commission devait décorer le premier club social d’élite pour femmes de New York, le célèbre Colony Club, qui comptait un grand nombre de membres notables portant des noms de famille, notamment Whitney, Morgan, Harriman et Astor. De Wolfe est rapidement devenue la décoratrice d’intérieur la plus populaire de son temps, et en 1913, elle a publié le premier livre de design d’intérieur, « The House in Good Taste. »
Elle célébrait l’inattendu en mélangeant des imprimés animaliers à la Chinoiserie, avait une affinité pour les styles Regency et Chippendale ainsi que pour les jeux de couleurs en noir et blanc, et était une pionnière de la représentation de la couleur beige dans les décors.
Ses projets les plus remarquables incluent les maisons de Condé Nast, les Fricks et les Hewitts. Sa position anti-victorienne et ses chambres raffinées plus lumineuses, plus aérées, moins compliquées et plus minimes restent populaires à ce jour.
JEAN-MICHEL FRANK
Il n’est pas surprenant que les artistes s’inspirent régulièrement du monde qui les entoure, et il est facile d’imaginer l’effet enivrant du Paris des années 1930 sur le décorateur et décorateur d’intérieur le plus célèbre de l’époque, Jean-Michel Frank. Heureusement pour lui, ses projets étaient souvent centrés sur le placement de Picassos et de Braques dans les espaces qu’il décorait, et son équipe d’amis influents comprenait tous des artistes parisiens de la Rive gauche comme Man Ray et des mondains tels que les Rockefeller.
Considéré comme un minimaliste au penchant riche, sa superposition de maximalisme divin rend son travail d’autant plus intrigant et inspirant. En tant que designer de meubles, ses silhouettes étaient épurées et subtiles et finies avec des détails luxueux. Pensez aux écrans de mica complexes, aux portes en bronze, aux accessoires en quartz et à la série de meubles recouverts de galuchat et de fauteuils club en peau de mouton qu’il a conçus pour le célèbre fabricant de produits de luxe Hermès. Le blanc était une nuance emblématique de sa marque, qu’il rendait à la fois sobre et complexe. Frank est également crédité de la conception de l’un des meubles minimalistes les plus emblématiques de l’histoire — la table Parsons — qu’il recouvrait souvent des finitions les plus luxueuses.
Avec un œil étudié pour le design et un instinct pour le meilleur de la qualité, Frank a pris des éléments de la vie quotidienne pour rendre un espace plus accessible, invitant et réaliste. Aujourd’hui, son travail continue d’être célébré dans les musées, ses meubles créent des ventes aux enchères record, et vous pouvez même acheter des reproductions de ses pièces les plus emblématiques conçues pour Hermès.
SISTER PARISH
Connue pour sa vision astucieuse du goût indulgent, Sister Parish est reconnue pour avoir créé le look country américain, l’un des styles de design les plus durables du dernier demi-siècle. Née dans le privilège et le pedigree, le look Country américain de Parish a été réalisé à partir de son point de vue sur la campagne anglaise, mais avec plus de chaleur, de caractère et un attrait chaleureux et charmant.
Elle a commencé sa carrière en tant que femme au foyer sans formation qui a décoré sa maison en grande pompe. Après avoir attiré l’attention d’autres ménagères de la haute société lui demandant de réaménager leurs propres maisons, Hadley a pris note de la nécessité d’un design abordable pendant la Grande Dépression et s’est présentée comme une « décoratrice à petit budget » pour ceux qui cherchent à rafraîchir leurs maisons pendant les périodes économiques difficiles de l’époque.
Son style décoratif était un rejet total de la collection d’antiquités lourdes et sombres de son père, car elle se penchait davantage vers des rayures féminines, des chintz glacés, des courtepointes, des tapis crochus et des fauteuils rembourrés informels tout en incorporant des éléments du passé.
« L’innovation est souvent la capacité d’aller dans le passé et de ramener ce qui est bon, ce qui est beau, ce qui est utile, ce qui est durable. »
Ses créations étaient romantiques, chaleureuses et élégantes pour des clients tels que Brooke Astor, mais elle était connue pour sa silhouette caustique et intimidante et ses évaluations impitoyables des espaces de ses clients.
La firme de design de Parish a vu de nombreux designers influents se faire un nom à ses côtés, y compris le légendaire Albert Hadley, avec qui elle a travaillé pendant plus de 30 ans – leur relation professionnelle est souvent considérée comme l’un des partenariats de collaboration les plus réussis dans le monde des intérieurs à ce jour.
ALBERT HADLEY
Considéré comme le père du design d’intérieur de transition, célèbre pour son mariage magistral de glamour et de fonctionnalité, et souvent appelé le « doyen des décorateurs américains », le portefeuille de projets d’Albert Hadley se vantait de noms de la haute société comme Rockefeller, Astor, Getty et Mellon.
Cependant, pour Hadley, les noms de haut niveau n’ont jamais eu lieu sur un design brillant. « Les noms ne sont vraiment pas le point », a-t-il déclaré au New York magazine en 2004. « C’est ce que vous pouvez réaliser pour la personne la plus simple. Le glamour en fait partie, mais le glamour n’en est pas l’essence. Le design est une question de discipline et de réalité, pas de fantaisie au-delà de la réalité. »
Né dans le Tennessee, Hadley a déménagé à New York après avoir servi pendant la Seconde Guerre mondiale où il a étudié et enseigné à la Parson’s School of Design et est devenu connu pour son style de décoration moderne et son sens instinctif de l’équilibre et de ce qui fonctionnait ensemble. Il a habilement créé des mélanges capiteux de styles de design avec un mantra centré sur l’idée de « jamais moins, jamais plus. »
À la recherche d’une sorte de partenaire avec plus de talent technique que l’instinct qui a défini sa carrière, Sister Parish a intégré Hadley dans son équipe en 1962. Parish-Hadley Associates a redessiné les maisons des familles d’élite américaines pendant des décennies et est surtout connu pour avoir redécoré les quartiers d’habitation de la Maison Blanche Kennedy, ainsi que les maisons privées de la famille Kennedy. Après le décès de Parish, Hadley a continué à travailler bien au-delà du milieu des années 80 sur des projets qui incorporaient un mélange intéressant de styles de design contrairement à tout autre designer de sa génération.
DOROTHY DRAPER
Longtemps annoncée comme la Coco Chanel du monde de la décoration, les créations de Dorthy Draper étaient sans crainte vibrantes, somptueuses, joyeuses et pleines de personnalité. Les chambres qu’elle a conçues avaient soit une palette de couleurs sobres de noir et blanc classique, tandis que d’autres mettaient en valeur des motifs graphiques surdimensionnés et ses combinaisons de couleurs technicolores percutantes de roses et de verts, de turquoise et de nuances d’agrumes. Cousin de Sister parish, Draper a été le premier décorateur d’intérieur commercial documenté, après avoir créé la première entreprise officielle de design d’intérieur, Architectural Clearing House, en 1923.
« Presque tout le monde croit qu’il y a quelque chose de profond et de mystérieux ou qu’il faut connaître toutes sortes de détails compliqués sur les règles avant de pouvoir lever le petit doigt. La décoration, c’est juste du plaisir: un plaisir de couleur, une conscience de l’équilibre, un sentiment d’éclairage, un sens du style, une joie de vivre et un plaisir amusé des accessoires intelligents du moment « , écrivait-elle dans son livre de 1939, Decorating Is Fun!
Nommée la créatrice de goût la plus influente d’Amérique en 1960, Draper a prêté son style légendaire « baroque moderne » à plusieurs bâtiments emblématiques, dont la salle à manger du Metropolitan Museum of Art de New York, les hôtels Fairmont et Mark Hopkins à San Francisco et, plus impressionnant encore, une refonte complète de l’hôtel Greenbrier en Virginie–Occidentale – qui a toujours l’air au groseille 70 ans plus tard.
DAVID HICKS
À l’origine illustrateur publicitaire indépendant à Londres, la carrière de décoration de David Hicks a décollé après qu’un magazine a couvert la transformation révolutionnaire qu’il a faite sur la maison de ses parents.
Hicks a brisé le moule et est allé à l’encontre des pratiques de décoration anglaises traditionnellement étouffantes et prétentieuses et est devenu un maître des mélanges inattendus mais cohérents. Ses intérieurs éclectiques comportaient souvent une juxtaposition distincte de couleurs, de motifs, de fabrications et de styles de design qui étaient des exploits séduisants et impressionnants.
Chouchou du monde du design dans les années 1960, ses projets les plus notables comprenaient des chambres pour le prince Charles et la princesse Anne et une boîte de nuit étincelante sur un paquebot et un yacht pour le roi Fahd d’Arabie Saoudite. Dans les années 1970, Hicks a commencé à produire des papiers peints, des tissus et des draps de marque pour ses boutiques de design réparties dans huit pays.
BILLY BALDWIN
Bien qu’il soit célébré pour son approche globale du design d’intérieur, Billy Baldwin détestait le terme « designer d’intérieur », choisissant d’être appelé « décorateur », son titre préféré. Il croyait que les chambres good bones étaient un principe de base, la qualité et le confort étant la clé.
» J’ai toujours cru que l’architecture était plus importante que la décoration. L’échelle et la proportion donnent une satisfaction éternelle qui ne peut être obtenue en ne faisant que glacer le gâteau « , a-t-il déclaré.
Ses intérieurs étaient nets et impeccables, et contrairement à ses contemporains, il a travaillé avec les meubles existants du client et les a réutilisés avec une pulsion instinctive. Qu’il s’agisse d’un rafraîchissement remarquable de l’appartement Waldorf Towers de Cole Porter, du complexe Skorpios de Jackie O’, ou du salon richement décoré de Red Park Avenue de Diana Vreeland, une attention méticuleuse à l’échelle et aux proportions a été une force motrice pour Baldwin. Un maître de la décoration pratique ponctuée de teintes audacieuses, d’imprimés et d’une conservation bien jugée, une enquête sur le travail de Baldwin démontre à quel point son travail reste pertinent à ce jour.
