Mit dem Beruf der Innenarchitektur Taktung in etwas mehr als 100 Jahre alt, schauen wir uns die Wurzeln der Innenarchitektur Geschichte und die sieben legendären Dekorateure, die sich einen Namen gemacht haben, als die Industrie in den frühen 1900er Jahren an Dynamik gewann. Von den alten Ägyptern bis zu den Anfängen der modernen design, hier ist alles, was Sie wissen müssen.

Es mag ein bisschen elementar erscheinen, aber beginnen wir mit den Grundlagen der Innenarchitektur. Innenarchitektur ist definiert als die Kunst und Wissenschaft, das Innere eines Raumes zu verbessern, um eine polierte und ästhetisch ansprechende Umgebung zu schaffen. Ein Innenarchitekt ist jemand, der geschult ist, Pläne auszuführen, zu recherchieren, zu koordinieren und dekorative Projekte mit Autorität zu verwalten. Der Beruf des Innenarchitekten ist vielfältig und umfasst Raumplanung, Konzeptentwicklung, Baustelleninspektionen, Programmierung, Recherche, Kommunikation mit den Kunden, Projekt- und Bauleitung und natürlich die Ausführung des gewünschten Entwurfs.

Bevor der Beruf an Bedeutung gewann, kam die Innenarchitektur instinktiv dazu, sich streng mit der Architektur von Gebäuden abzustimmen. Der Beruf des Innenarchitekten kam mit dem Aufstieg der bürgerlichen Gesellschaft und der komplizierten Architektur, die während der industriellen Revolution an Popularität gewann. Das Bestreben, den Raum optimal zu nutzen, zusammen mit der Aufmerksamkeit auf das Wohlbefinden der Benutzer und das funktionale Design, treibt die Entwicklung und die lebensverbessernden Möglichkeiten der heutigen Iteration des Innenarchitekturberufs weiter voran. Das heißt, der Beruf der Innenarchitektur ist deutlich getrennt von der Arbeit eines Innenarchitekten, ein Spitzname, der in den USA häufiger verwendet wird. Der Begriff Innenarchitekt wird in Großbritannien seltener verwendet, wo der Beruf des Innenarchitekten nach wie vor unreguliert und leider noch nicht als offizieller Beruf angesehen wird.

Bereits im alten Indien fungierten Architekten als Innenarchitekten, um ihre vollständige Vision zu entwickeln. Dies geht aus den Referenzen des Architekten Vishwakarma hervor – einem der Götter der indischen Mythologie. Diese Referenzen zeigen Skulpturen, die alte Texte und Ereignisse veranschaulichen, die in Palästen zu sehen sind, die im Indien des 17.

Im ganzen alten Ägypten wurden „Seelenhäuser“ oder Häusermodelle in Gräbern als Gefäße für Speiseopfer geschenkt. Von diesen eindrucksvollen Schmuckstücken ist es möglich, Hinweise auf die Innenarchitektur verschiedener Residenzen in mehreren ägyptischen Dynastien zu entschlüsseln, einschließlich Aktualisierungen der Belüftung, Portiken, Säulen, Loggien, Fenster und Türen.

Während des 17. und 18.Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 19.Jahrhunderts war die Innendekoration ein exklusives Anliegen, das der Hausfrau oder einem professionellen Polsterer oder Handwerker übertragen wurde, der aufgrund seines künstlerischen Auges für die Innenarchitektur eines Hauses sicher beraten konnte. Übrigens würden sich Architekten auch an Handwerker und Handwerker wenden, um Innenarchitektur für ihre Gebäude zu schaffen.

Die Praxis der Innenarchitektur geht auf die alten Ägypter zurück, die ihre naiven Lehmhäuser mit einfachen Möbeln aus Tierhäuten, einfachen Textilien, grafischen biografischen und spirituellen Wandgemälden, Skulpturen und bemalten Urnen dekorierten. Reich verzierte Goldverzierungen, die in ägyptischen Gräbern (wie König Tutanchamuns) und Schmuckstücken gefunden wurden, unterstrichen die Notwendigkeit einer ausgeprägteren Dekoration, um die reicheren und mächtigeren Ägypter zu symbolisieren.

Römische und griechische Zivilisationen förderten die ägyptische Kunst der Innenarchitektur und der Ausstattung, indem sie den Bürgerstolz durch ihre Erfindung von öffentlichen Gebäuden mit Kuppeldach feierten. Für ihre Häuser, aufwendige griechische Holzmöbel mit komplizierter Elfenbein- und Silberdekoration, während sich die Römer darauf konzentrierten, Schönheit und Komfort zu verbinden, mit beiden Zivilisationen Wohnräume entworfen, um Wohlstand und sozialen und politischen Status widerzuspiegeln. Römische Möbel bestanden oft aus Stein, Marmor, Holz oder Bronze und wurden durch Kissen und ausdrucksstarke Wandteppiche bequem gemacht. Um ihre Häuser zu erhöhen, brachten sowohl Römer als auch Griechen Vasen mit und schufen faszinierende Mosaikböden, Wandmalereien und Fresken, um ihre Räume einzigartig zu machen.

Nach dieser Zeit der dekorativen Ornamentik kam es aufgrund der grimmigen Kriege im gesamten mittelalterlichen Europa und des Aufstiegs der christlichen Kirche zu einer plötzlichen Bewegung zur Genauigkeit. Prägte das dunkle Zeitalter aus gutem Grund, Innenarchitektur Geschichte der Ära kennzeichnete düstere Holzvertäfelung, minimal und ausschließlich praktische Möbel, und Steinplattenböden. Selbst reichere Gönner der Epoche hielten sich an gedämpfte, ernüchternde Farben, wenn sie dekorative Extras wie Wandteppiche und Mauerwerk hinzufügten.

Nach dem Mittelalter wurden die Europäer wieder inspiriert, Farbe und dekorative Ornamente in ihre Häuser einzuführen. Im 12.Jahrhundert wurde der dunkelromantische gotische Stil geschaffen, um das natürliche Licht und die beliebten offenen Innenräume optimal zu nutzen.

Im Laufe des 15. und 16. Die Architekten der Zeit begannen, Häuser mit erheblichen dekorativen Noten zu schaffen, darunter Marmorböden, kunstvoll eingelegte Holzarbeiten, Gemälde und Möbel aus den besten Materialien. Ein kurzer Blick auf die königlichen Paläste, Villen und Kapellen der Epoche wird mit Sicherheit das Beste der Renaissance-Innenarchitektur hervorheben.

Nach der Renaissance eroberten komplizierte und komplexe italienische Barockentwürfe Europa. Das Schloss von Versailles in Frankreich zum Beispiel machte bemerkenswerte Verwendung von barocken Innenarchitekturelementen wie farbigem Marmor und Stein, Buntglas, kunstvoll bemalten Decken und spiralförmigen Säulen. Im 18.Jahrhundert machten europäische Innenarchitekten den Rokokostil immer beliebter und nahmen Einfluss auf asiatisches Steinzeug, Blumendrucke und Möbel mit exotischen Details wie Elfenbein und Perlmutt. Dann kam der neoklassizistische Look des späten 18.Jahrhunderts, eine entfernte Version der berühmten Designelemente des antiken Roms mit brillant gefärbter Seide, Satin und Samt.

Ab den frühen 1800er Jahren wurde in der Innenarchitektur in Europa und Amerika häufig mehr Freiheit und Eklektizismus gefunden. Und in den nächsten zwei Jahrhunderten, Eine Reihe innovativer und moderner Innenarchitekturbewegungen kam und ging aus der Mode, als sich die Zeiten änderten, einschließlich Art Deco, Jugendstil, viktorianisch, und industrieller Bauhausstil. Das 19.Jahrhundert sah jedoch die ultimative Wertschätzung und die Popularisierung der Innenarchitektur. Die Möglichkeiten der lebensverbessernden Innenarchitektur, die nicht mehr nur königlichen Gebäuden und Häusern wohlhabender Bürger vorbehalten waren, erreichten im späteren Teil der 1800er Jahre kritische Massen.

Und im 20.Jahrhundert wurde Funktionalität zu einer Schlüsselkomponente im Ansatz der Innenarchitektur, da die wachsende Präsenz von Haushaltsgeräten wie Öfen, Waschmaschinen und Fernsehern eine neue Herausforderung für Innenarchitekten darstellte, die Räume nicht nur aus ästhetischen Gründen gestalten mussten.

Und als sich das 20.Jahrhundert umdrehte, arbeiteten unerfahrene Designer und zahlreiche Publikationen zunehmend daran, den Einfluss großer gehobener Einzelhandelsgeschäfte auf die Welt der Innenarchitektur zu überwinden. Davor produzierte die feministische englische Autorin Mary Haweis in den 1880er Jahren eine Reihe populärer Essays, in denen sie die Aufregung einer aufstrebenden Klasse von Bourgeoisie-Leuten lächerlich machte, die ihre Häuser hastig um die strengen, aber langweiligen Grenzen herum einrichten wollten, die ihnen von diktierenden Einzelhandelsgeschäften geboten wurden. Ihre Antwort war, dass die Menschen die Gelegenheit nutzen sollten, einen bestimmten Designstil zu kreieren, der einzigartig auf ihre Bedürfnisse und Lebensstile zugeschnitten ist. „Eine meiner stärksten Überzeugungen und einer der ersten Kanons des guten Geschmacks ist, dass unsere Häuser, wie die Fischschale und das Vogelnest, unseren individuellen Geschmack und unsere Gewohnheiten repräsentieren sollten“, schrieb sie.

Der langsame Übergang zur dekorativen Kunst, die neben der Weisheit des Verkäufers, die von Herstellern und Einzelhändlern angeboten wird, als individueller künstlerischer Beruf angesehen wird, wurde 1899 mit der Gründung des Institute of British Decorators verstärkt; mit John Dibblee Crace als Präsident. Das Institut vertrat über 200 Innenarchitekten im ganzen Land. Und bis 1915 sah das Londoner Verzeichnis eine erhöhte Liste von 127 Personen, die als professionelle Innenarchitekten arbeiteten, von denen nur 10 Frauen waren. Rhoda und Agnes Garrett waren die ersten Frauen, die 1874 professionell als Heimdesigner ausgebildet wurden. Die Bedeutung ihrer Designarbeit wurde damals als parallel zum legendären Innenarchitekten William Morris angesehen. Im Jahr 1876 festigte ihr Leitfaden – Vorschläge für Hausdekoration in Malerei, Holz und Möbeln – ihre Autorität weiter und verbreitete ihre künstlerische Innenarchitektur auf eine designhungrige Mittelschicht.

“ Bis vor kurzem, als ein Mann einrichten wollte, besuchte er alle Händler und wählte Stück für Stück Möbel aus ….Heute schickt er einen Kunstmöbelhändler, der alle Räume des Hauses begutachtet und seinen künstlerischen Geist in das Thema einbringt“, wie der Illustrierte Zimmermann und Baumeister 1900 schrieb.

Zurück in Amerika, Candace Wheeler, als einer der ersten weiblichen Innenarchitekten, ermutigt eine völlig neue Sicht auf amerikanische Innenarchitektur. Sie war eine Schlüsselfigur bei der Entwicklung der ersten Innenarchitekturkurse für Frauen in einer Reihe großer amerikanischer Zentren und wurde zu dieser Zeit als die endgültige Autorität für Wohndekoration gefeiert. Ein weiterer prominenter Einfluss auf den neu kategorisierten Beruf des Décors war die Dekoration von Häusern, ein vielgelesener und konsultierter Leitfaden für Innenarchitektur, der 1897 von Edith Wharton und dem Meisterarchitekten Ogden Codman in den USA geschrieben wurde. In dem beliebten Buch betrachteten die Autoren die Inneneinrichtung im viktorianischen Stil und die Innenarchitektur als irrelevant. Nicht mehr lebensfähig waren die kalten, dunklen und stimmungsvollen Häuser, die mit schweren Möbeln, viktorianischen Accessoires und getufteten, überfüllten Sitzgelegenheiten dekoriert waren. Sie betrachteten den Designstil als zu wichtig für Polstermöbel anstelle von vernünftiger Raumplanung und architektonischen Details, wodurch Räume trostlos, unbequem, unantastbar und daher nur zu wertvoll wurden. Ihr Buch gilt immer noch als wegweisender Moment und ihr Erfolg hat den Aufstieg professioneller Innenarchitekten vorangetrieben, die ähnliche Positionen einnehmen.

Wie Sie sehen können, hat die Welt der Innenarchitektur einen bemerkenswerten Weg zurückgelegt, da die alten Ägypter als Designer heute unbegrenzten Zugang zu einer endlosen Menge an Designbewegungen, Möbelstilen und Einflüssen aus der Vergangenheit haben. Aber es sind wirklich die sieben Innenarchitekten, auf die wir uns hier konzentrieren, die die Art und Weise, wie wir uns der Innenarchitektur nähern, wirklich zum Besseren verändert haben.

ZEITLEISTE DER INNENARCHITEKTUR:

Steinzeit 6000 bis 2000 v. Chr.

Das erste Anzeichen einer Annäherung an die Innenarchitektur wurde in prähistorischen Wohnungen mit Flora und Fauna festgestellt. Diese Wohnungen bestanden aus Schlamm, Tierhäuten und Stöcken.

Neolithisches Europa 2000 bis 1700 v. Chr.

In kommt die erste definierte handgemachte Keramik, die sowohl aus praktischen als auch aus dekorativen Gründen verwendet wurde.

Das alte Ägypten 2700

Der Aufstieg der königlichen Familien sah zum ersten Mal Menschen in Strukturen neben Lehmhütten leben. Die neuen Strukturen prahlten mit Wandgemälden, die ihre Geschichte und ihren Glauben darstellten. Und sie hatten Grundausstattung und dekorative Objekte wie Vasen und Skulpturen – zum ersten Mal gesehen.

Griechisches Reich 1200 bis 31 v. Chr.

Fortschritte in der Zivilisation und im Lebensstil sahen, dass die Bürger ihre Häuser zum ersten Mal in ihrem eigenen einzigartigen Stil schmückten, wobei wohlhabendere Griechen Möbel mit verzierten Elfenbein- und Silberdetails besaßen. Ikonische und aussagekräftige Säulen und Säulen waren in dieser Zeit Schlüsselmotive, und die Griechen schufen auch Standardregeln und -verfahren für den Hochbau.

Römisches Reich 753 v. Chr. bis 480 n. Chr.

Ein strenges Zeitalter, in dem Könige ihren Reichtum nicht einfach durch ihre Häuser hervorrufen konnten. Die Römer schmückten ihre Häuser mit Wandmalereien und Mosaiken, und die Einrichtung zeigte Krallenfüße.

Das dunkle Zeitalter 900 bis 1500

Das dunkle Zeitalter sah Desinteresse an der Innenarchitektur mit Menschen, die sich für einfache getäfelte Holzwände, minimale Möbel und Steinplattenböden entschieden.

Das Byzantinische Reich 500 bis 1500

In dieser Zeit standen große Kuppeln und dekadentes Dekor im Mittelpunkt.

Die Renaissance 1400 bis 1600

Die Schönheit der Innenarchitektur war ein wichtiges Merkmal während der Renaissance mit großen Möbeln und Kunst in lebendigen Farben und luxuriösen Textilien wie Seide und Samt zusammen mit Marmoroberflächen realisiert. Und da Teppiche selbst für die reichsten Gönner zu kostbar und teuer waren, wurden sie nach Möglichkeit als Wandkunst verwendet.

Gotik 1140 bis 1400

Als Reaktion auf das Mittelalter waren dekorative Ornamente und kräftige Farben wieder herausragende Merkmale der Innenarchitektur. Zwei Markenzeichen der Ära, die bis heute übertragen wurden, sind mehr Fenster für hellere Häuser sowie offene Grundrisse.

Barock 1590 bis 1725

Prunkvolle und ultra-reiche künstlerische Elemente für ein Rezept für prächtige Innenarchitektur mit Glasmalerei, verdrehten Säulen, farbigem Marmor, bemalten Decken und vergoldeten Spiegeln und übergroßen Kronleuchtern.

Traditionell 1700 bis heute

Die traditionelle Innenarchitektur, die von einem formalen Geist verkörpert wird, ist bis heute eine tragende Säule. Traditionelles Innendesign ist ein weit gefasster Begriff, der verschiedene Designstile und Bewegungen hervorhebt, die nicht auf eine bestimmte Richtung oder einen bestimmten Geist festgelegt sind.

Traditionelles Design feiert die illustre, reiche Geschichte der Vergangenheit, indem es sie mit entschieden modernen Elementen kontrastiert, um ein elegantes, schönes Design zu kreieren und gleichzeitig die europäische Einrichtung des 18. und 19. Es ist ein zeitloser Designstil, der leichten Glamour und Komfort hervorruft und eine großartige Richtung für diejenigen ist, die Antiquitäten, klassische Kunst, Symmetrie und geschichtsträchtiges Design schätzen.

Rokoko 1700

Ein äußerst eleganter und aufwendig detaillierter Designstil, der sich an botanischen Silhouetten orientiert und einzigartige Elemente wie Schildpatt- und Perlenverzierungen neben asiatischem Porzellan aufweist.

Die industrielle Revolution 1760 bis 1820

Während der industriellen Revolution war Innenarchitektur für ein breiteres Publikum verfügbar und für die allgemeine Bevölkerung leichter zugänglich als je zuvor. Dies ist zum großen Teil auf einfachere Druckverfahren zurückzuführen, die eine breite Verbreitung von Mode- und Lifestyle-Publikationen ermöglichten, und auf die Tatsache, dass Luxusartikel zunehmend erreichbar wurden.

Neoklassizistischer Stil 1780 bis 1880

Inspiriert von antiken griechischen und römischen Kulturen für architektonische Details und Motive, sah diese Ära Möbel verlassen sich stark auf die Verwendung von Bronze und Gold Metalle und Polstermöbel mit Seide, Samt und Satin. Der Trend zu passenden Tapeten und Möbeln setzte sich ebenfalls durch.

Von 1880 bis heute

Als das britische Empire durch Länder wie Indien und Territorien wie die Westindischen Inseln fegte, kombinierten sie Einrichtungselemente aus ihrem Heimatland und den Regionen, die sie besetzten, um eine berauschende Mischung aus Tradition und Extoikum zu schaffen.

Ästhetische Bewegung von 1800 bis heute

Mit Blick auf ‚Kunst um der Kunst willen‘ war die ästhetische Bewegung eine Möglichkeit für Radikale, ihre Abneigung gegen die aktuelle, müde Innenarchitektur auszudrücken. Der Schlüssel lag hier in der Praktikabilität und Funktion, die vor der Schönheit an Bedeutung gewann.

Tuscan 1840’s to Today

In Anlehnung an die charmante und beruhigende Natur der Toskana in Italien lag der Schwerpunkt der Innenarchitektur in dieser Zeit auf geradliniger Einfachheit mit einem Hauch von Luxus.

Kunst & Handwerk 1860 bis 1910

Um ihre Ablehnung der Massenproduktion gewöhnlicher Gegenstände aufgrund der Innovationen der industriellen Revolution hervorzuheben, wandten sich die Menschen dem traditionellen Handwerk und klassischen Elementen zu, um Möbel herzustellen.

Rustic 1870’s to Today

Das rustikale Innendesign bietet handgefertigte Möbel und große, offene Zimmer mit Holzbalken und Säulen.

Rustikales Dekor bietet die perfekte Kombination aus komfortablem, unkompliziertem Design und praktischem, funktionalem Dekor, um ein warmes rustikales Interieur zu schaffen. Natürliche Materialien dienen als Grundlage und Ausgangspunkt für die Schaffung einer beneidenswerten rustikalen Wohnkultur, die die authentische Schönheit natürlicher Materialien feiert, um einen gemütlichen, schönen Raum zu schaffen.

Moderne 1880 – 1940

Die modernistische Bewegung betonte Einfachheit, Klarheit der Form und lehnte Lärm im Design ab. Zu den führenden Persönlichkeiten der Bewegung gehören Mies van der Rohe, Le Corbusier und Eero Saarinen, deren Signaturen in seinem für immer beliebten Saarinen Table und Saarinen Chair der Inbegriff des Designstils sind.

Jugendstil 1890 bis 1920

Die Begeisterung hinter der Jugendstilbewegung bestand darin, natürliche Silhouetten einzubringen, die von botanischen Elementen abgeleitet waren und der Epoche ihre charakteristischen geschwungenen Linien und organischen Formen verliehen.

Colonial Revival 1905 bis heute

Beliebt in den USA und angespornt von der Hundertjahrfeier, fand das Colonial Revival Inspiration aus dem neoklassischen und georgischen historischen Stil. Bei weitem der beliebteste Stil der Zeit bis zum Zweiten Weltkrieg, Einige glauben, dass die Einführung des Automobils dazu beigetragen hat, das Interesse der Menschen an historischen Referenzen zu wecken, da sie dokumentierte Sehenswürdigkeiten frei besuchen konnten.

Eklektisch 1900 bis heute

Einige Historiker weisen auf den Aufstieg moderner Innenarchitekten hin, die es verstanden, verschiedene Designstile mit Autorität für den starken Anstieg der Designer in der Branche zu mischen, da der eklektische Stil die ästhetische Inspiration übernahm.

Bei eklektischem Stil dreht sich alles um Harmonie und das Zusammenkommen unterschiedlicher Stile, das Nebeneinander von Texturen und kontrastierenden Farben, um einen zusammenhängenden, wunderschön realisierten Raum zu schaffen, der in einem Home Décor-Magazin nicht fehl am Platz wäre, da dies ein Designstil ist, der Schwung und ein großes Auge erfordert. Und da eklektisches Innendesign alles über Experimentieren und Spielen ist, haben Sie Spaß mit der Freiheit, die es erlaubt.

Modern 1918 bis 1950

Mit dem Fokus auf spärliche Innenräume und kräftige Grundfarben verzichtete das moderne Innendesign auf die damals typisch kunstvolle und überdekorierte Designästhetik.

Bauhaus 1920 – 1934

Die Bewegung, die bis heute für ihre großen, aber minimalen und wunderschön ausgeführten Gesten gefeiert und vom deutschen Architekten Walter Bauhaus gegründet wurde, der auch die Bauhaus-Schule für Kunst und Design in Weimar schuf, brachte schnell einige der einflussreichsten Architekten, Bildhauer, Grafikdesigner, Möbelhersteller und Design-Außenseiter der Mitte bis Ende des 20.

Land 1920 bis 1970

Mit Noten aus traditionellen Bauernhäusern war der Country-Stil praktisch, aber mit hochwertigen, Vintage-inspirierten Möbeln.

Die heutige Interpretation des modernen Landhausstils der Innenarchitektur ist ein idyllischer Klassiker. Abkehr von einem rein traditionellen Country-Design-Stil; Modernes Land ermöglicht spielerischere und nuanciertere Aspekte zusammen mit minimalen Noten.

Art Deco 1920 bis 1960

Diese Bewegung bietet eine berauschende Mischung aus Designstilen des frühen 20. Art Deco, einer der bekanntesten Einrichtungsstile, stand für Modernität, alltäglichen Glamour und Eleganz. Die Ära stützte sich stark auf klare Linien, unkomplizierte eckige Formen, kräftige Farben und stilisierte Muster wie Zick-Zack und optische Figuren. Für zusätzlichen Glamour waren verzierte Verzierungen und metallische Oberflächen auch Markenzeichen der Ära.

Materialien, die in der Art-Deco-Innenarchitektur verwendet werden, sind glatt und reflektierend für den täglichen Glamour im Haus. Viele Metallics sind in diesem Stil vorhanden; von Gold bis Silber, Edelstahl und Chrom. Sie verleihen jedem Raum ein elegantes und luxuriöses Ambiente und sind überall einsetzbar. Stellen Sie sich ein modernes Art-Deco-Wohnzimmer mit einem goldenen Couchtisch mit Glasplatte, Chromlampen und einem kühnen geometrisch gemusterten Teppich in Schwarz, Gold und Weiß vor. Glas ist auch ein häufig verwendetes Material im Art-Deco-Design; Ob durch Spiegel, Glastische, skulpturale Elemente oder eine Art-Deco-Vase oder -Lampe, Glas trägt zum eleganten Ambiente eines Art-Deco-Raums bei.

Mittelmeer 1920 bis heute

Um das Gefühl der europäischen Küstenländer hervorzurufen, wurden Texturen aus Terrakotta, Stein und gemusterten Fliesen zusammen mit Schmiedeeisen und aquatischen Farbtönen stark hervorgehoben.

Surrealismus 1925 bis 1930

Surrealisten wie berühmte Künstler wie Salvador Dali, André Breton und Max Ernst nutzten diese avantgardistische Bewegung, um die Menschen von ihren Assoziationen an das Normale und letztendlich Vorhersehbare in Design, Musik, Kunst und sogar Innenarchitektur zu befreien.

Mid-Century Modern 1930er Jahre bis heute

Obwohl der Begriff Mid Century Modern erst Mitte der 80er Jahre geprägt wurde und obwohl niemand wirklich weiß, dass es wahr ist, repräsentiert die Ära eine Kombination aus Praktikabilität nach dem Zweiten Weltkrieg, Optimismus der 50er Jahre, Erdigkeit der 60er Jahre und 70er Jahre Töne und texturen ordentlich verpackt in einer stilvollen Ode an die skandinavische Einfachheit.

Nennen Sie es eine Reaktion auf die Dekadenz und vergoldete Stuffiness der Innenarchitektur und Architektur bis in die 40er Jahre, wenn Sie so wollen, wie zum Zeitpunkt seiner Gründung, Mid Century Modern Decor war eine komplette Widerlegung und Neustart für die Sinne.

Die Atmosphäre ist frisch und poppig, retro-gefärbt und völlig verführerisch mit seinem Engagement für Komfort und Praktikabilität in wunderschönem Design, das nie aus der Mode kommt. Im Gegensatz zu anderen ästhetischen Bewegungen ist Mid Century Modern Decor im Design gestrafft, da die Form der Funktion folgt und gleichzeitig die verwendeten Materialien hervorhebt, anstatt sie zu etwas zu machen, was sie nicht sind.

Skandinavische Moderne 1930 bis heute

Diese Bewegung unterstreicht die Vorzüge schön gestalteter, praktischer Objekte, die sowohl leicht erschwinglich als auch zugänglich sind, weshalb die Bewegung bis heute beliebt ist.

Die skandinavische Innenarchitektur gehört zur Schule der Moderne und ist eine Designbewegung, die sich durch einen Fokus auf Funktionalismus und Einfachheit auszeichnet. Dazu gehört auch die Verwendung natürlicher Materialien wie Leder, Holz und Hanf. Darüber hinaus ist eine skandinavische Innenarchitektur oft von einer Verbindung zur Natur beeinflusst, die natürliche Formen, Abstraktion und die Verwendung natürlicher Elemente kombiniert.

Transitional 1950’s to Today

Mit der Erfindung des Fernsehens und seiner Bekanntheit in den meisten Häusern in den USA trug die Innenarchitektur von Sets mehr denn je dazu bei, den Appetit der Massen auf Dekor zu stillen.

Übergangsstil bezieht sich auf eine Mischung aus traditionellen und modernen Möbeln, Fabrikationen und dekorativen Elementen, die Ihnen mehr Freiheit geben, wenn Sie Ihr Zuhause mit Leichtigkeit dekorieren möchten, da die Richtungen, in die Sie den Designstil einschlagen können, kein Ende haben. Im Wesentlichen ist Transitional Interior Design die Kombination verschiedener Designstile, die gleichzeitig zusammengeführt werden, um ein zusammenhängendes Design in einem Raum zu schaffen.

Postmoderne 1978 – Heute

Diese Bewegung wurde als Herausforderung für das geboren, was die Menschen als die allgemeine Milde der modernistischen Bewegung ansahen. Eine seiner Hauptfiguren war der italienische Architekt und Designer Ettore Sottsass mit seinen charakteristischen verspielten Formen, abstrakten Drucken und kraftvollen Farbgeschichten.

Zeitgenössisch 1980 bis heute

Zeitgenössisches Innendesign ist klassisch und dennoch zeitlos und zeitlos, dank einer leichten, sparsamen Gestaltung, die sicherstellt, dass es sich nie veraltet anfühlt.

Während sich modernes Dekor kalt, einschränkend und offen minimal anfühlen kann, ist zeitgenössischer Stil beruhigend und gelassen und wird mit einem Fokus auf architektonische Elemente, dekorative Details, Aufmerksamkeit auf kühne Skalen und eine prägnante Farbpalette gespickt, um einen warmen Raum mit einfacher Raffinesse zu schaffen.

Einfachheit, klare Linien, Texturspiele und leises Drama sind grundlegend für ein perfekt ausbalanciertes Zuhause im zeitgenössischen Stil.

ELSIE DE WOLFE

Angekündigt als „Amerikas erste Innenarchitektin“, war Elsie de Wolfes Leben so opulent wie die Räume, die sie dekorierte, wie sie oben in Elsa Schiaparellis ikonischem vergoldeten Starburst Haute Couture Mantel abgebildet ist. Der legendäre de Wolfe rühmt sich einer Biografie, die gleichermaßen wildromantisch und abenteuerlich ist. Nachdem sie in Schottland ausgebildet und am Hof von Königin Victoria vorgestellt worden war, kehrte sie in die USA zurück und wurde Schauspielerin, wo sie eine einzigartige „Bostoner Ehe“ (ein Begriff für zwei alleinstehende Frauen, die in Henry James „The Bostonians“ zusammenleben) mit der erfolgreichen Literaturagentin und Geliebten Elisabeth Marbury teilte.

Ihr Bühnenstil und ihre Kostüme — Couture—Gewand aus Paris – machten sie zu einer einflussreichen Geschmacksmacherin unter den Zuschauern in ihrem Publikum, was sie als die am besten gekleidete Frau der Welt bekannt machte. Ihr erster Ausflug in die Innenarchitektur war ein völliger Verzicht auf das dunkle und brütende viktorianische Dekor in dem Haus, das sie und Marbury teilten. Nachdem sie ihre Residenz erfolgreich neu gestaltet hatte, indem sie ihr stark verziertes Interieur entrümpelte, vereinfachte und minimierte, wurde sie die erste Innenarchitektin, die einen Designauftrag erhielt.

Dieser Auftrag bestand darin, New Yorks ersten elitären Social Club für Frauen, den berühmten Colony Club, zu schmücken — mit einer Reihe bemerkenswerter Mitglieder mit Nachnamen wie Whitney, Morgan, Harriman und Astor. De Wolfe wurde bald die beliebteste Innenarchitektin ihrer Zeit, und 1913 veröffentlichte sie das erste Innenarchitekturbuch „The House in Good Taste.“

Sie zelebrierte das Unerwartete, indem sie Animal Prints mit Chinoiserie mischte, hatte eine Affinität zu Regency- und Chippendale-Stilen sowie Schwarz-Weiß-Farbschemata und war eine Pionierin bei der Darstellung der Farbe Beige im Dekor.

Zu ihren bemerkenswertesten Projekten gehören die Häuser von Condé Nast, The Fricks und the Hewitts. Ihre anti-viktorianische Haltung und ihre helleren, luftigeren und weniger komplizierten und minimalistischeren, raffinierteren Räume sind bis heute beliebt.

JEAN-MICHEL FRANK

Es sollte nicht überraschen, dass Künstler routinemäßig Inspiration aus der Welt um sie herum finden, und es ist leicht, sich die berauschende Wirkung des Paris der 1930er Jahre auf den berühmtesten Dekorateur und Innenarchitekten dieser Zeit, Jean-Michel Frank, vorzustellen. Glücklicherweise konzentrierten sich seine Projekte oft darauf, Picassos und Braques in den von ihm dekorierten Räumen zu platzieren, und zu seiner Crew einflussreicher Freunde gehörten alle Pariser Künstler der linken Bank wie Man Ray und Prominente wie die Rockefellers.

Als Minimalist mit einer reichen Neigung betrachtet, macht seine Schichtung des göttlichen Maximalismus seine Arbeit umso faszinierender und inspirierender. Als Möbeldesigner waren seine Silhouetten reduziert und subtil und mit luxuriösen Details versehen. Denken Sie an komplizierte Glimmersiebe, Bronzetüren, Accessoires aus Quarz und die Serie von mit Shagreen bezogenen Möbeln und Schaffell-Clubsesseln, die er für den sagenumwobenen Luxusgüterhersteller Hermès entworfen hat. Weiß war ein charakteristischer Farbton, den er gleichzeitig spärlich und komplex aussehen ließ. Frank wird auch zugeschrieben, eines der kultigsten minimalistischen Möbelstücke der Geschichte entworfen zu haben — den Parsons Table —, den er häufig mit den luxuriösesten Oberflächen bedeckte.

Zusammen mit einem studierten Auge für großartiges Design und einem Instinkt für die beste Qualität nahm Frank Elemente des täglichen Lebens auf, um einen Raum zugänglicher, einladender und realistischer erscheinen zu lassen. Heute wird seine Arbeit in Museen gefeiert, seine Möbel sorgen für rekordverdächtige Auktionen und Sie können sogar Reproduktionen seiner berühmtesten Stücke kaufen, die für Hermès entworfen wurden.

SCHWESTER PARISH

Bekannt für ihre kluge nehmen auf nachsichtig geschmack, Schwester Parish ist gutgeschrieben mit der schaffung der Amerikanischen Land aussehen, eine der beständigsten design stile der letzten halben jahrhundert. Geboren in Privilegien und Stammbaum, Parish’s American Country Look wurde aus ihrer Sicht des englischen Landes realisiert, wenn auch mit mehr Wärme, Charakter, und ein hausgemachter und charmanter Reiz.

Sie begann ihre Karriere als ungeübte Hausfrau, die ihr Zuhause mit viel Tamtam dekorierte. Nachdem Hadley die Aufmerksamkeit anderer High-Society-Hausfrauen auf sich gezogen hatte, die sie beauftragten, ihre eigenen Häuser neu zu gestalten, nahm sie die Notwendigkeit eines erschwinglichen Designs während der Weltwirtschaftskrise zur Kenntnis und stellte sich als „Budget-Dekorateurin“ für diejenigen in Rechnung, die ihre Häuser in den schwierigen wirtschaftlichen Zeiten der Ära auffrischen wollten.

Ihr dekorativer Stil war eine völlige Ablehnung der Sammlung schwerer, dunkler Antiquitäten ihres Vaters, als sie sich mehr zu femininen Tickstreifen, glasiertem Chintz, Steppdecken, Hakenteppichen und informellen, überfüllten Sesseln neigte, während sie Elemente aus der Vergangenheit einbezog.

„Innovation ist oft die Fähigkeit, in die Vergangenheit zu greifen und das Gute, Schöne, Nützliche und Dauerhafte zurückzubringen.“

Ihre Entwürfe waren romantisch, warm und elegant für Kunden wie Brooke Astor, aber sie war bekannt für ihre ätzende, einschüchternde Figur und unversöhnliche Einschätzung der Räume ihrer Kunden.

In Parish’s Designbüro machten sich neben ihr viele einflussreiche Designer einen Namen, darunter der legendäre Albert Hadley, mit dem sie über 30 Jahre zusammenarbeitete – ihre berufliche Beziehung gilt bis heute als eine der erfolgreichsten Kooperationen in der Welt des Interieurs.

ALBERT HADLEY

Albert Hadley wird als Vater des Übergangsinnendesigns bezeichnet, für seine meisterhafte Kombination von Glamour und Funktionalität gefeiert und oft als „der Dekan der amerikanischen Dekorateure“ bezeichnet.

Für Hadley fanden hochkarätige Namen jedoch nie über brillantes Design statt. „Namen sind wirklich nicht der Punkt“, sagte er 2004 dem New York Magazine. „Es ist das, was Sie für die einfachste Person erreichen können. Glamour ist ein Teil davon, aber Glamour ist nicht die Essenz. Bei Design geht es um Disziplin und Realität, nicht um Fantasie jenseits der Realität.“

Hadley wurde in Tennessee geboren und zog nach seinem Dienst im Zweiten Weltkrieg nach New York City, wo er an der Parson’s School of Design studierte und lehrte. Er schuf gekonnt berauschende Mischungen von Designstilen mit einem Mantra, das sich um die Idee von „never less, never more.“

Auf der Suche nach einer Art Partnerin mit mehr technischem Talent als dem Instinkt, der ihre Karriere bestimmte, holte Schwester Parish Hadley 1962 in ihr Team. Parish-Hadley Associates gestaltete jahrzehntelang die Häuser der amerikanischen Elitefamilien neu und ist vor allem für die Renovierung der Wohnräume des Weißen Hauses Kennedy sowie der Privathäuser der Familie Kennedy bekannt. Nach dem Tod von Parish arbeitete Hadley weit über seine Mitte der 80er Jahre hinaus an Projekten, die eine interessante Mischung von Designstilen enthielten, wie sie kein anderer Designer seiner Generation hatte.

DOROTHY DRAPER

Lange als Coco Chanel der Dekorationswelt angekündigt, waren Dorthy Drapers Entwürfe furchtlos lebendig, üppig, fröhlich und voller Persönlichkeit. Die von ihr entworfenen Räume hatten entweder eine zurückhaltende Farbpalette aus klassischem Schwarz und Weiß, während andere übergroße grafische Muster und ihre druckvollen Technicolor-Kombinationen aus Rosa und Grün, Türkis und Zitrusfrüchten hervorhoben. Ein Cousin von Schwester Parish, Draper war der erste dokumentierte kommerzielle Innenarchitekt, nachdem er 1923 die erste offizielle Innenarchitekturfirma, Architectural Clearing House, gegründet hatte.

„Fast jeder glaubt, dass es etwas Tiefes und Mysteriöses gibt oder dass man alle möglichen komplizierten Details über Perioden wissen muss, bevor man einen Finger rühren kann. Dekorieren macht einfach nur Spaß: eine Freude an Farbe, ein Bewusstsein für Balance, ein Gefühl für Beleuchtung, ein Sinn für Stil, eine Lebensfreude und eine amüsierte Freude an den intelligenten Accessoires des Augenblicks „, schrieb sie 1939 in ihrem Buch Dekorieren macht Spaß!

Draper wurde 1960 zur einflussreichsten Geschmacksmacherin Amerikas ernannt und verlieh mehreren ikonischen Gebäuden ihren legendären „modernen Barock“ –Stil, darunter dem Speisesaal des New Yorker Metropolitan Museum of Art, den Fairmont- und Mark Hopkins-Hotels in San Francisco und, am eindrucksvollsten, eine komplette Überholung des Greenbrier Hotels in West Virginia – das auch nach über 70 Jahren noch gut aussieht.

DAVID HICKS

Ursprünglich ein freiberuflicher Werbelillustrator in London, begann David Hicks Karriere, nachdem ein Magazin über die bahnbrechende Verjüngungskur berichtete, die er im Haus seiner Eltern durchführte.

Hicks brach die Form und ging gegen traditionell stickige und protzige englische Dekorationspraktiken und wurde ein Meister unerwarteter, aber zusammenhängender Mischungen. Seine eklektischen Innenräume zeigten oft eine deutliche Gegenüberstellung von aufrührerischen Farben, Mustern, Fabrikationen und Designstilen, die verführerisch und beeindruckend waren.

Ein Liebling der Designwelt in den 1960er Jahren, seine bemerkenswertesten Projekte waren Räume für Prinz Charles und Prinzessin Anne und ein funkelnder Nachtclub auf einem Ozeandampfer und einer Yacht für König Fahd von Saudi-Arabien. In den 1970er Jahren begann Hicks mit der Herstellung von Tapeten, Stoffen und Bettwäsche für seine Designboutiquen in acht Ländern.

BILLY BALDWIN

Obwohl er für seinen umfassenden Ansatz zur Innenarchitektur gefeiert wurde, verabscheute Billy Baldwin den Begriff „Innenarchitekt“ und entschied sich dafür, als „Dekorateur“ bezeichnet zu werden, sein bevorzugter Titel. Er glaubte, dass ein gutes Hotel ein oberstes Gebot ist, zusammen mit Qualität und Komfort als Schlüssel.

„Ich habe immer geglaubt, dass Architektur wichtiger ist als Dekoration. Maßstab und Proportion geben ewige Befriedigung, die nicht nur durch Vereisung des Kuchens erreicht werden kann „, sagte er berühmt.

Seine Innenräume waren klar und makellos, und im Gegensatz zu seinen Zeitgenossen arbeitete er mit den vorhandenen Möbeln des Kunden und nutzte sie instinktiv um. Von einer bemerkenswerten Auffrischung von Cole Porters Waldorf Towers Apartment über Jackie O’s Skorpios Compound bis hin zu Diana Vreelands vielschichtigem roten Park Avenue Wohnzimmer war die sorgfältige Aufmerksamkeit für Maßstab und Proportion eine treibende Kraft für Baldwin. Ein Meister der praktischen Dekoration, unterbrochen von kräftigen Farbtönen, Drucken und gut beurteilter Kuration, zeigt eine Übersicht über Baldwins Arbeit, wie relevant seine Arbeit bis heute ist.