Björk
Channeling Thunderstorms
von Anil Prasad
Copyright © 2004 Anil Prasad.

Für Björk sind die Grenzen der Popmusik unendlich elastisch. Auch als eine der populärsten und ikonischsten Figuren der Musikwelt hat der isländische Singer-Songwriter und akustische Provokateur keine Angst, den Status Quo in Frage zu stellen. Ihr 2004 erschienenes Album Medulla lieferte reichlich Beweise für ihre Entschlossenheit, ihre kreativen Impulse weiter zu pflegen.

Medulla, fast ausschließlich aus menschlichen Stimmen gebaut, ohne auf A-Cappella-Klischees zurückzugreifen, gehört zu den faszinierenderen Alben, die aus der Pop-Sphäre hervorgehen. Aber es erwies sich als schwieriger Rekord zur Geburt. Während Björk sich ihres Wunsches sicher war, die konventionelle Instrumentierung dafür aufzugeben, war sie sich nicht ganz sicher, wie sich diese Idee manifestieren würde, bis sich das Album in der Endphase befand. Sie suchte an 18 verschiedenen Aufnahmeorten nach Inspiration, darunter New York, Island, Venedig und die Kanarischen Inseln. Bei jedem Stopp erkundete Björk eine Vielzahl von Stimmungen und Stimmen mit Mitwirkenden wie Faith No More-Frontmann Mike Patton, dem erfahrenen britischen Singer-Songwriter Robert Wyatt, der Inuit-Kehlkopfsängerin Tanya Tagaq Gillis, der menschlichen Beatbox Rahzel und den isländischen und Londoner Chören. Epische Produktion und klangliche Manipulation folgten, was zu einem atmosphärischen, minimalistischen und faszinierenden Aufwand führte.

Frei gesprochen bezieht sich das Wort „Medulla“ auf den inneren Teil einer tierischen oder pflanzlichen Struktur. Es ist ein Wort, das Björk verwendet, um die Idee darzustellen, dass das Album ihre kreative Essenz in seiner reinsten Form darstellt. Diese Essenz zeigte sich zum ersten Mal, als sie während ihrer Grundschulzeit in Reykjavik sang und klassisches Klavier studierte. Einer ihrer Lehrer war so beeindruckt von ihrem erstaunlichen Talent, dass sie dem isländischen Radio One eine Kassette mit Tina Charles ‚“I Love to Love“ vorlegte. Nachdem sie den Track gehört hatte, rief ein lokales Label an und Björk nahm ihr 1977 selbstbetiteltes erstes Album im Alter von 11 Jahren auf und veröffentlichte es. Die Platte enthielt Cover von Popsongs von Künstlern wie den Beatles und Stevie Wonder. Es wurde ein großer Hit in Island und trug dazu bei, Björks Wunsch zu festigen, Musik als Vollzeitbeschäftigung zu verfolgen.

Während der späten 70er bis Mitte der 80er Jahre tauchte Björk mit einer Vielzahl isländischer Bands in Punk- und Post-Punk-Gebiet ein, bevor er 1987 als einer der Leadsänger der Sugarcubes auf die internationale Bühne kam. Der ansprechend exzentrische Avant-Pop-Act bleibt die größte Gruppe, die jemals aus Island hervorgegangen ist. Interne Bandspannungen trugen 1992 zum Niedergang der Sugarcubes bei, aber ihr internationales Profil trug dazu bei, Björks Solokarriere voranzutreiben, als sie 1993 Debut veröffentlichte, ihr kantiges, verspieltes, tanzorientiertes Werk.

Anstatt Trends für ihre nächsten Platten zu folgen, entschied sich Björk, ihrer Muse zu folgen. Ihr 1995er Album Post verfeinerte Debuts Sound mit einem abenteuerlicheren Electronica-Ansatz, der auch orchestrale Arrangements beinhaltete. Homogenic, 1997 veröffentlicht, war eine wild experimentelle Scheibe, die eine wirbelnde Mischung aus dunklen, elektronischen Texturen und Streichquartett-Arrangements bot. Björk machte einen Schritt zurück vom konfrontativen Sound von Homogenic und platzierte ihre eklektischen Songs in üppigeren, intimeren und introspektiveren Arrangements für Vespertine aus dem Jahr 2001. Berechenbarkeit und Linearität sind eindeutig nicht Björks Stärke. Ihre Fans würden es nicht anders wollen.

Wie hat das Wissen, dass du ein All-Vocal-Album ausprobieren wolltest, beeinflusst, wie du Material dafür geschrieben hast?

Ich habe für jeden Song verschiedene Methoden verwendet. Vor ein paar Jahren, Ich fing an, wirklich besessen von irgendetwas Gesanglichem zu sein und begann das Interesse an Instrumenten zu verlieren. Ich begann zu hoffen, dass ich ein Album nur mit Gesang machen könnte, aber ich war mir nicht sicher, ob das überhaupt möglich war, bis ganz am Ende des Albums, als alles zusammenkam. Ziemlich früh wurde mir klar, dass, wenn ich ein ganzes Album mit Gesang machen würde, die Songs sehr unterschiedlich sein müssten, damit das Album nicht flach wird. Es gab einige Songs, bei denen ich die Struktur und alles andere auf Keyboards schrieb und diese Teile dann durch Gesang ersetzte. Viele der Songs wurden nur mit meinem Gesang oder mit der Stimme eines bestimmten Sängers geschrieben. Die Idee war, verschiedene Texturen zu verwenden, damit man das Gefühl hatte, dass jeder Song an einem anderen Ort lebte. Ich wollte nicht, dass es so klingt, als würde ein Computerprogramm das ganze Album einlullen. Ich habe mich wirklich sehr bemüht, für jeden Song eine andere Arbeitsmoral zu verfolgen.

Sie haben viele Ihrer Konventionen beim Schreiben von Texten verworfen, als Sie Medulla zusammengestellt haben. Sag mir, wie du die Texte dafür gemacht hast.

Dieses Album geht in vielerlei Hinsicht auf einen Ort zurück, an dem ich war, als ich 18 oder 19 Jahre alt war. Ich war in einer Band und war ziemlich intuitiv und sang mit, ohne zu analysieren, was ich tat. Ich sagte vielleicht viele Worte, die für mich natürlich keinen Sinn machten, aber eine Art Bewusstseinsfluss darstellten, der nur irgendwie improvisiert war. Für mein letztes Album, Vespertine, Ich habe die Dinge so weit wie möglich gebracht, da das Schreiben von Texten fast wissenschaftlich war. Ich wollte, dass es auf diesem Album darum geht, introvertiert und unsozial zu sein und das Gefühl einzufangen, unter deiner Bettdecke in deinem Bett zu sein und eine magische Welt unter deinem Kopfkissen zu erschaffen. Ich fragte mich: „Wie kann ich Songs darüber schreiben?“ damals. Ich war wirklich aufgeregt, nicht so wissenschaftlich zu sein, wenn es um Medulla ging. Ich wollte nur singen, singen, singen und ganz körperlich sein. Ich ließ einfach alles herauskommen, was herauskam, und setzte mich dann mit meinem Bibliothekarenhut hin und analysierte die Dinge.

Die Aufzeichnung enthält einige Kommentare über den Mangel an Hoffnung in der Welt und die Angst nach 9/11.

Davon gibt es ein bisschen im Album. Ich würde sagen, dass etwa fünf oder 10 Prozent des Albums davon handeln und die anderen 90 Prozent von anderen Dingen. Das ist fast der Sinn des Albums. Auf dem Album geht es darum, all die anderen Dinge zu feiern, die keine Politik sind. Ich denke, das Leben dreht sich so ziemlich um die anderen Dinge. In einem Moment fährst du ein Auto. Im nächsten Moment sagt dir dein Freund, dass ein Familienmitglied gestorben ist und du weinst. Dann hast du deinen Bus verpasst und bist im Regen erwischt worden. Dann gehst du in einer Diskothek tanzen und bist euphorisch. Die Menschen hungern, verlieren ihren Job und gewinnen im Lotto. Das Leben ist einfach eine ziemliche Sache, weißt du? Es gibt viele Dinge, und ich denke, Politik ist vielleicht wirklich nicht so wichtig. Das hoffe ich.

Zu Beginn deiner Karriere hast du gesagt: „Einen Song zu schreiben ist wie einen Unfall zu organisieren.“ Gilt das immer noch?

Ich denke schon. Ich fühle mich immer noch so, besonders wenn es darum geht, Musik aufzunehmen, besonders auf diesem Album, wo es meistens nur Sänger gab. Das Tolle an der menschlichen Stimme ist, dass man nichts verbergen kann. Wenn sich ein Sänger schüchtern, kalt, distanziert oder nicht in der Stimmung zum Singen fühlt, ist es besser zu warten und einfach den richtigen Moment zu finden. Manchmal verbrachten wir Zeit damit, andere Sachen zu machen, bei denen es überhaupt nicht um Singen ging. Wir würden uns einfach betrinken, spazieren gehen oder einen Witz erzählen oder was auch immer dummes Zeug tun, das uns in den Sinn kam. Dann sind Sie plötzlich bereit, die Aufnahmetaste zu drücken und es zu tun. In diesem Sinne ist es immer noch so, als würde man einen Unfall organisieren, indem man versucht, die richtigen Momente zu finden. Das ist der Luxus, Alben zu machen. Solche Dinge kann man nicht machen, wenn man live auftritt.

Woher weißt du, wann ein Song, den du geschrieben hast, fertig ist?

Normalerweise kannst du es total fühlen, während du es tust. Es gibt eine wirklich dünne Linie zwischen Zügellosigkeit und Großzügigkeit. Sie können sich dabei erwischen, wie Sie alte Sachen singen, die Sie zuvor gesungen haben und die sich wie Wiederholung oder nicht frisch anfühlen können. Für mich muss die Musik einen Hauch von Intrigen oder Unbekanntem haben. Ich denke, ich bin wahrscheinlich auch ein Old-School-Romantiker in dem Sinne, dass, obwohl man manchmal Songs über dunkle Sachen schreibt, die unten beginnen können, Die Wurzel des Songs sollte darin bestehen, durch den Tunnel zu gehen und auf der anderen Seite mit einem Happy End herauszukommen. Ich mag keine Songs, in denen es nur um Selbstmitleid oder Nachsicht geht. Normalerweise betrachte ich Songs als kleine Reisen, die dich auf deinem Weg zu einem anderen Ort oder zum nächsten Schritt zeigen.

Erzähl mir, wie du Inspiration in das Songwriting kanalisierst.

Es ist wie ein Gewitter, das sich in mir aufbaut. Songwriting ist für mich eine natürliche Funktion. Es ist fast wie ein Überlebensmechanismus. Ich bin die Art von Person, die, wenn ich keinen Song schreibe, Ich werde alle in Flaschen abgefüllt. Sag zum Beispiel, dass ich morgen gesagt habe, dass ich aus irgendeinem Grund einfach keine Songs mehr schreiben werde. Obwohl ich das gesagt habe, müsste ich immer noch Songs schreiben, denn wenn ich es nicht tue, fühle ich mich einfach nicht gut. Ich bin mir nicht sicher, ob ich wirklich bewusst nach dieser Inspiration suche, aber glauben Sie mir, ich habe im Laufe der Jahre alles getan, um herauszufinden, wie ich dieses Gewitter auf einigermaßen angenehme Weise aus meinem Kopf bekommen kann, wenn du weißt, was ich meine.

Gibt es für dich ein spirituelles Element in diesem kreativen Gewitter?

würde ich sagen. Ich denke, es gibt wirklich ein spirituelles Element in allem. Die Straße entlang zu gehen kann spirituell oder albern sein. Es liegt an der Person. Ich glaube nicht, dass Musik eine religiöse Sache ist. Ich denke, es verallgemeinert zu viel, um das zu sagen. Aber ich kann definitiv sagen, dass ich das Gefühl habe, Musik zu machen und zu hören, sind spirituelle Erfahrungen für mich. Es gibt auch viele andere Dinge in der Musik für mich. Es macht Spaß. Es ist traurig. Es ist albern. Ich mag Musik, weil sie eine so reale, direkte Verbindung zum gesamten emotionalen Spektrum hat.

Was bedeutet Spiritualität für dich?

Insgesamt bin ich mit jeder organisierten Religion nicht einverstanden. Ich glaube, Religion kann die eigene Stimme ersticken. Ich würde gerne denken, dass jeder Mensch seine eigene Spiritualität hat. Ich denke, wir alle haben unsere eigene kleine Ecke, in der es wichtig ist, eigene Methoden zu entdecken, um das zu erforschen, sei es mitten in der Nacht aufzuwachen und aus dem Fenster zu starren, Bergsteigen, schweigen, sich betrinken oder verrückt zu sein Sex. Ich denke, Spiritualität sollte etwas sein, das Menschen für sich selbst definieren, indem sie alles tun, was ihnen passt.

Wie hast du dich im Laufe deiner Karriere als Songwriter entwickelt?

Songwriting war nie mein erster Gedanke als Musiker. Ich wusste immer, dass ich etwas in der Musik machen würde, aber ich wusste nicht, ob das bedeutete, einen Radiosender oder eine Musikschule zu leiten oder Schlagzeug zu spielen — was meine erste wirkliche Vorstellung davon war, was ich tun würde. Was am Ende passierte, war, dass mein Gefühl der Selbstversorgung sich durchsetzte. Es wurde die Idee von „Nun, wenn es jemand anderes nicht tut, werde ich es tun.“ Diese Idee hatte einen ziemlich starken Einfluss auf meinen Job, ich denke, man könnte es nennen. Ich war in einer Punkband und niemand würde singen, also habe ich es getan. Ich war in einer anderen Band, in der wir alle zusammen Songs geschrieben haben, aber dann hatte niemand Ideen für einzelne Abschnitte, also habe ich mir diese Abschnitte ausgedacht. Dann gingen der Band die Ideen aus und ich machte mein eigenes Album mit meinen eigenen Ideen. Insgesamt wurde also alles aus der Not heraus gemacht. Ich denke, es ist nicht so schwer, Songs zu schreiben. Sie müssen nur die Ärmel hochkrempeln und es tun. Wir alle haben Lieder in uns. Der schwierige Teil besteht darin, herauszufinden, wie man es aus sich herausholt und dokumentiert.

Wenn ich älter werde, ist mein Songwriting vielleicht reifer geworden. Ich bin nicht mehr so unruhig wie früher. Jetzt, Ich kann mich wirklich ein paar Stunden auf einen Stuhl setzen und Songwriting kann eher so sein, als würde ich Stickerei mit der gleichen Aufmerksamkeitsspanne machen. Aber ich denke nicht, dass man älter werden muss, um ein besserer Musiker oder Songwriter zu werden, aber man wird besser darin, seine Arbeit zu dokumentieren. Ich würde gerne denken, dass ich besser darin geworden bin. Sie können leichter herausfinden, was der beste Teil der nächsten zwei Monate für Sie sein wird, um Ihre Arbeit zu dokumentieren, in welcher Situation Sie am besten singen, welche Art von Ausrüstung Sie benötigen und welche Vorkehrungen getroffen werden müssen, um dies zu erreichen. Erfahrung hilft Ihnen als derjenige, der dokumentiert, was Sie tun. Das finde ich sehr wichtig.

Erzähl mir von den ersten kreativen Ausbrüchen, die du erlebt hast.

Sie fanden statt, als ich als Kind zur Schule ging. Ich musste bei jedem Wetter eine halbe Stunde durch die Natur zur Schule laufen. Es könnte verschneit, windig oder sonnig sein. Singen wurde mein Weg von Punkt A nach Punkt B. Ich würde Songs auf dem Weg schreiben und ich denke, das waren meine schärfsten Gipfel. Ich wusste wahrscheinlich erst 20 Jahre später, was ich eigentlich tat. Ich war noch ein Kind, aber es gab dort viele musikalische Höhepunkte. Ich würde aus vollem Herzen singen. Als Sänger, Ich würde mit wirklich leisen Sachen anfangen und mich langsam zu einem Refrain aufbauen, der meine Stimme belasten würde. Dann würde ich zur zweiten Strophe zurückkehren, die viel ruhiger wäre. Dann wäre der zweite Refrain wie ein Doppelpeak. Melodien erwärmen natürlich die Stimme. In gewisser Weise arbeitete ich mit meiner Stimme, ohne zu wissen, was ich tat. Also, als ich das Lied von oben begann und zum Ende kam, hatte ich wirklich warme Stimmbänder. Es fühlte sich sehr natürlich an. Die Lieder, die ich sang, waren über Menschen, die ich nicht verstand, wie Erwachsene. Ich dachte, sie wären ziemlich unbeholfene Kreaturen. „Human Behaviour“, meine erste Single im Jahr 1993, war wahrscheinlich eine jener Melodien, die ich sang, in denen ich mich über Menschen wunderte und darüber nachdachte, wie eigenartig sie sind. Aber ich würde auch dumme Lieder wie „The Happy Song“ oder „The Angry Song“ singen.“

Angesichts der Vielfalt deines Outputs ist es klar, dass du ein angeborenes Bedürfnis hast, als Musiker weiter zu lernen und dich weiterzuentwickeln.

Ich denke, das stimmt meistens. Ich werde einfach leicht gelangweilt. Ich habe eine kurze Aufmerksamkeitsspanne. Es ist schrecklich. Ich habe eine Lieblingsplatte und spiele sie jeden Tag und eines Morgens wache ich auf und bin darüber hinweg. Ich bin nicht besonders stolz darauf. Es ist wirklich der Teenager in mir, der herauskommt. Es liegt auch daran, dass ich 10 Jahre in Bands war, wo egal, welche Art von Song wir geschrieben haben, es immer für Schlagzeug, Gitarre und Bass arrangiert wurde. Das wurde wirklich langweilig. Also, vielleicht mache ich das jetzt wieder wett und versuche alles andere, was ich kann. In einem anderen Sinne kann ich meinen Ansatz verteidigen, weil ich Sänger bin. Das heißt, ich werde immer die gleichen Stimmbänder haben. Sie werden sich nicht ändern. Ich werde auch immer die Songs und die Texte schreiben. So viele Dinge sind bereits gegeben, dass sie nicht anders sein werden. Deswegen, Die Hälfte von mir ist auf diese Weise ziemlich konservativ und die Hälfte von mir ist wie ein Kind in einem Spielzeugladen. Ich bin leicht begeistert von neuen Sachen. Ich will einfach nur an neue Orte gehen.