Com a profissão de design de interiores clocking em pouco mais de 100 anos de idade, estamos a olhar para as raízes do design de interiores história e os sete lendário decoradores que fez um nome para si como a indústria começou a ganhar impulso no início de 1900. Desde os Antigos Egípcios, para os primórdios do design de interiores moderno, aqui está tudo o que você precisa saber.

pode parecer um pouco elementar, mas vamos começar com o básico dos serviços de design de interiores. O design de interiores é definido como a arte e a ciência de melhorar o interior de um espaço para criar um ambiente polido e mais esteticamente agradável. Um designer de interiores é alguém treinado para executar planos, pesquisar, coordenar e gerenciar projetos decorativos com autoridade. A profissão de design de interiores é variada e inclui planejamento espacial, desenvolvimento conceitual, inspeções no local, programação, Pesquisa, Comunicação com os clientes, gerenciamento de projetos e construção e, claro, a execução do projeto desejado.

antes que a profissão ganhasse destaque, o design de interiores entrou instintivamente para se coordenar estritamente com a arquitetura dos edifícios. A profissão de design de interiores veio com a ascensão da sociedade de classe média e a arquitetura complicada que ganhou popularidade durante a Revolução industrial. A busca para fazer o melhor uso do espaço, juntamente com a atenção ao bem-estar do Usuário e design funcional continua a impulsionar o desenvolvimento e as possibilidades de melhoria da vida da iteração de hoje sobre a profissão de design de interiores. Dito isto, a profissão de design de interiores é distintamente separada do trabalho de um decorador de interiores, um apelido mais comumente usado em todos os EUA. O termo decorador de interiores é menos comumente usado no Reino Unido, onde a profissão de design de interiores permanece não regulamentada e, infelizmente, ainda não é considerada uma profissão oficial até hoje.

já na Índia antiga, os arquitetos costumavam dobrar como designers de interiores para desenvolver totalmente sua visão completa. Isso pode ser observado a partir das referências do arquiteto Vishwakarma – um dos deuses apresentados na mitologia indiana. Essas referências apresentam esculturas ilustrando textos antigos e eventos vistos em palácios construídos na Índia do século XVII.Em todo o antigo Egito, “casas de alma” ou modelos de casas eram dotados em túmulos como Vasos para ofertas de alimentos. A partir dessas bugigangas evocativas, é possível decifrar pistas sobre o design de interiores de várias residências em várias dinastias Egípcias, incluindo atualizações de ventilação, pórticos, colunas, galerias, janelas e portas.

ao longo dos séculos XVII e XVIII e na primeira parte do século XIX, a decoração de interiores era uma preocupação exclusiva relegada à dona de casa, ou a um estofador ou artesão profissional que poderia aconselhar com segurança com base em seu olhar artístico para o design de interiores de uma casa. Aliás, os arquitetos também recorreriam a artesãos e artesãos para criar design de interiores para seus edifícios.

a prática do design de interiores remonta aos antigos egípcios, que decoravam suas ingênuas casas de barro com móveis básicos aprimorados por peles de animais, têxteis simples, murais gráficos biográficos e espirituais, esculturas e Urnas pintadas. Ornamentos de ouro ornamentados encontrados em túmulos egípcios (como o do rei Tutancâmon) e bugigangas destacaram a necessidade de uma decoração mais distintamente rica para simbolizar os egípcios mais ricos e poderosos.Civilizações romanas e gregas avançaram a Arte Egípcia de projetar e accessorizar interiores celebrando o orgulho cívico por meio de sua invenção de edifícios públicos com telhado abobadado. Para suas casas, elaborados móveis de madeira gregos apresentavam intrincadas decorações de marfim e prata, enquanto os romanos se concentravam em casar beleza e conforto, com interiores de casas de ambas as civilizações projetados para refletir riqueza e status social e político. Os móveis romanos eram frequentemente feitos de pedra, mármore, madeira ou bronze, e eram confortáveis por meio de almofadas e tapeçarias expressivas. Para elevar suas casas, romanos e gregos trouxeram vasos e criaram pisos de mosaico hipnotizantes, pinturas de parede e afrescos para tornar seus espaços únicos para eles.

após este período de ornamentação decorativa, houve um movimento repentino para a exatidão, devido as terríveis guerras em curso em toda a Europa Medieval e o surgimento da igreja Cristã. Cunhou a Idade das trevas por um bom motivo, a história do design de interiores da época apresentava painéis de madeira sombrios, móveis mínimos e exclusivamente práticos e piso de pedra. Mesmo os patronos mais ricos da época ficaram com cores suaves e sóbrias ao adicionar extras decorativos como tapeçarias e cantaria.Após a Idade das Trevas, os europeus foram mais uma vez inspirados a introduzir cor e ornamentação decorativa em suas casas. Durante o século XII, o estilo gótico sombrio e romântico foi criado para fazer o melhor uso da luz natural e dos interiores abertos recém-populares.

ao longo dos séculos XV e XVI, o Renascimento francês iniciou um foco renovado na arte e na criatividade no design de interiores. Arquitetos da época começaram a criar casas com notas decorativas substanciais, incluindo pisos de mármore, madeira incrustada ornamentada, pinturas e móveis feitos com os melhores materiais. Uma rápida olhada nas épocas palácios reais, vilas e capelas certamente destacará o melhor do design de interiores Renascentista.

após o Renascimento, intrincados e complexos desenhos barrocos italianos tomaram conta da Europa. O Palácio de Versalhes, na França, por exemplo, fez uso notável de elementos de design de interiores barrocos, como mármore e pedra coloridos, vitrais, tetos ornamentados e colunas em espiral. No século XVIII, os designers de interiores europeus tornaram o estilo rococó cada vez mais popular, tendo influência de grés Asiáticos, estampas florais e móveis incrustados com detalhes exóticos como marfim e madrepérola. Então veio o visual neoclássico do final do século 18, uma visão distante dos célebres elementos de design encontrados na Roma antiga com o uso de seda, cetim e veludo brilhantemente coloridos.

desde o início de 1800 e depois, mais liberdade e ecletismo foram freqüentemente encontrados no design de interiores na Europa e na América. E ao longo dos próximos dois séculos, uma série de movimentos inovadores e modernos de design de interiores viriam e sairiam de moda à medida que os tempos mudavam, incluindo estilo Art Deco, Art Nouveau, Vitoriano e Bauhaus industrial. O século 19 viu, no entanto, o máximo em apreciação e a popularização do design de interiores. Não mais exclusivo de compostos reais e casas de cidadãos ricos, as possibilidades de design de interiores que melhoram a vida começaram a atingir massas críticas na parte posterior do 1800.

E por volta do século 20, a funcionalidade tornou-se um componente chave na abordagem de design de interiores como a crescente presença de eletrodomésticos como fogões, máquinas de lavar e televisores solicitado um novo desafio para designers de interiores, que tiveram de projetar espaços com mais de razões estéticas em mente.

e à medida que o século 20 se transformava, designers novatos e inúmeras publicações estavam trabalhando cada vez mais para derrotar o controle que grandes lojas de varejo de luxo tinham sobre o mundo do design de interiores. Antes disso, a autora feminista inglesa Mary Haweis produziu uma série de ensaios populares na década de 1880, onde ridicularizou a empolgação de uma aspirante a classe de burgueses que procuravam fornecer suas casas às pressas em torno dos limites estritos, mas brandos, oferecidos a eles ditando os pontos de venda. Sua resposta foi que as pessoas deveriam aproveitar a oportunidade para criar uma abordagem específica de um estilo de design adaptado exclusivamente para atender às suas necessidades e estilos de vida. “Uma das minhas convicções mais fortes, e um dos primeiros cânones de bom gosto, é que nossas casas, como a concha do peixe e o ninho do pássaro, devem representar nosso gosto e hábitos individuais”, escreveu ela.

a lenta transição para as artes decorativas sendo vista como uma profissão artística individual, além da sabedoria do vendedor oferecida por fabricantes e varejistas, foi impulsionada em 1899 com o lançamento do Instituto de decoradores britânicos; com John Dibblee Crace atuando como seu presidente. O Instituto representou mais de 200 designers de interiores em todo o país. E em 1915, o diretório de Londres viu uma lista crescente de 127 indivíduos trabalhando como decoradores de interiores profissionais, dos quais apenas 10 eram mulheres. Rhoda e Agnes Garrett foram as primeiras mulheres gravadas a serem treinadas profissionalmente como designers de casa em 1874. A importância de seu trabalho de design foi considerada na época paralela ao lendário maestro de interiores William Morris. Em 1876, seu guia – sugestões para decoração de casas em pintura, marcenaria e móveis – cimentou ainda mais sua autoridade e espalhou suas abordagens artísticas de design de interiores para uma classe média faminta por design.

“Até recentemente, quando um homem queria fornecer ele iria visitar todos os concessionários e selecionar, peça por peça de mobiliário ….Hoje ele envia para um negociante em mobiliário de arte e acessórios que examina todos os quartos da casa e ele traz sua mente artística para ter sobre o assunto”, como o carpinteiro ilustrado e construtor escreveu em 1900.De volta à América, Candace Wheeler, considerada uma das primeiras designers de interiores femininas, incentivou uma visão completamente nova do design de interiores Americano. Ela foi uma figura-chave no desenvolvimento dos primeiros cursos de design de interiores para mulheres em vários grandes centros americanos e foi celebrada como a autoridade definitiva sobre decoração de casa na época. Outra influência proeminente na profissão de decoração recém-categorizada foi a decoração de Casas, um guia amplamente lido e consultado sobre design de interiores escrito por Edith Wharton e Arquiteto Mestre Ogden Codman em 1897 nos Estados Unidos. No livro popular, os autores consideraram a decoração de interiores em estilo Vitoriano e o design de interiores irrelevantes. Não eram mais viáveis as casas Frias, escuras e temperamentais decoradas com móveis pesados, acessórios vitorianos e assentos tufados e sobrecarregados. Eles consideraram o estilo de design ter colocado muita importância em móveis estofados em vez de planejamento de espaço sensato e detalhes arquitetônicos, tornando os quartos tristes, desconfortáveis, intocáveis e, portanto, preciosos demais. Seu livro ainda é considerado um momento seminal e seu sucesso impulsionou a ascensão de designers de interiores profissionais adotando posturas semelhantes.Como você pode ver, o mundo do design de interiores veio de uma maneira notável desde os antigos egípcios como designers hoje têm acesso ilimitado a uma quantidade infinita de movimentos de design, estilos de móveis e influências do passado. Mas são realmente os sete designers de interiores em que estamos nos concentrando aqui que realmente mudaram a maneira como abordamos o design de interiores para melhor.

história do design de interiores cronograma:

idade da Pedra 6000 a 2000 aC

o primeiro sinal de uma abordagem ao design de interiores foi observado em habitações pré-históricas com flora e fauna. Essas habitações eram feitas de lama, peles de animais e paus.

Neolítico Europa 2000 a 1700 aC

Em Vem a primeira cerâmica artesanal definida que foi usada por razões práticas e decorativas.

Egito Antigo 2700

a ascensão das famílias reais viu pela primeira vez pessoas vivendo em estruturas além de Cabanas de lama. As novas estruturas ostentavam murais que retratavam sua história e crenças. E eles tinham móveis básicos e objetos decorativos como vasos e esculturas – vistos pela primeira vez.

império grego 1200 a 31 AC

os avanços na civilização e no estilo de vida viram os cidadãos decorando suas casas em seu próprio estilo único pela primeira vez com gregos mais ricos possuindo móveis incrustados com detalhes ornamentados de marfim e prata. Pilares e Colunas icônicos e de declaração foram motivos-chave durante esta época e os gregos também criaram regras e procedimentos padrão para a construção de edifícios.Império Romano de 753 a. C. A 480 d. C. Uma idade austera quando a realeza não foi capaz de evocar sua riqueza simplesmente através de suas casas. Os romanos decoravam suas casas com murais e mosaicos, e os móveis apresentavam pés com garras.

as idades das Trevas 900 a 1500

as idades das trevas viram desinteresse no design de interiores com pessoas optando por paredes de madeira com painéis simples, móveis mínimos e pisos de lajes de pedra.

o Império Bizantino 500 a 1500

durante este período, grandes cúpulas e decoração decadente ocuparam o centro do palco.

o período renascentista de 1400 a 1600

a beleza do design de interiores foi uma característica importante durante o período renascentista, com grandes móveis e arte realizados em tons vibrantes e tecidos luxuosos como seda e veludo, juntamente com superfícies de mármore. E como os tapetes eram muito preciosos e caros até para os patronos mais ricos, eles eram usados como arte de parede quando possível.

Gótico 1140 a 1400

em resposta à idade das trevas, ornamentação decorativa e cores ousadas foram mais uma vez características de design de interiores proeminentes. Duas marcas da época transportadas até hoje são mais janelas para casas mais brilhantes, juntamente com plantas baixas abertas.

Barroco 1590 a 1725

elementos artísticos ostentosos e ultra-ricos feitos para uma receita de designs de interiores suntuosos com vitrais, colunas retorcidas, mármore colorido, tetos pintados e espelhos dourados e lustres grandes.

tradicional 1700 até hoje

encarnado por um espírito formal, o design de interiores tradicional ainda é um pilar até hoje. O design de interiores tradicional é um termo amplo que destaca estilos de design variados e movimentos que não são pregados em uma direção ou espírito bloqueado.

o design tradicional celebra a ilustre e rica história do passado, contrastando-a com elementos decididamente modernos para um toque elegante em um design bonito, destacando a decoração Européia dos séculos XVIII e XIX. É um estilo de design atemporal que evoca fácil glamour e conforto e é uma ótima direção para quem aprecia Antiguidades, Arte Clássica, simetria e design rico em História.

Rococó 1700

um estilo de design hiper elegante e ricamente detalhado, tomando dicas de silhuetas botânicas, o design de interiores Rococó apresentava elementos únicos como concha de tartaruga e enfeites de pérola ao lado da porcelana Asiática.

A Revolução Industrial de 1760 para 1820

ao Longo de toda a Revolução Industrial, design de interiores estava disponível para um público mais amplo e era mais fácil acesso para a população em geral do que nunca antes. Isso se deve em grande parte a processos de impressão mais fáceis, criando uma ampla distribuição de publicações de moda e estilo de vida e ao fato de que os itens de luxo se tornaram cada vez mais atingíveis.

Estilo Neoclássico 1780 a 1880

Tendo inspiração em antigas culturas grega e Romana para detalhes arquitetônicos e motivos, esta época viu mobiliário dependem fortemente do uso de bronze e os metais do ouro, e decoração suave com seda, veludo e cetim. A tendência de combinar papel de parede e móveis também tomou conta.

Tropicais de 1880 até os dias de Hoje

Como o império Britânico percorreu países como a Índia e territórios como as Índias ocidentais, eles combinaram de design de interiores elementos do seu país de origem e as regiões que ocupavam para criar uma inebriante mistura de tradicional e o extoic.

movimento estético 1800 até hoje

com ‘art for art’s sake’ em mente, o movimento estético era uma maneira de os radicais expressarem sua aversão ao design de interiores atual e cansado. A chave aqui foi na praticidade e função tomando importância antes da beleza.

Toscana 1840 até hoje

tomando uma sugestão da natureza encantadora e calmante da Toscana na Itália, o foco do design de interiores durante este período foi de simplicidade direta com dicas de luxo para uma boa medida.

Artes &Artesanato 1860 a 1910

para destacar sua oposição aos itens comuns produzidos em massa devido às inovações da Revolução Industrial, as pessoas recorreram ao artesanato tradicional e aos elementos clássicos para produzir móveis.

rústico 1870 até hoje

o design de interiores rústico apresenta mobiliário artesanal e quartos amplos e abertos com vigas e colunas de madeira.

a decoração rústica oferece a combinação perfeita de design reconfortante e sem problemas e decoração prática e funcional, reunida para criar um interior rústico acolhedor. Os materiais naturais funcionam como base e ponto de partida para criar uma decoração de casa rústica invejável que celebra a beleza autêntica dos materiais naturais para criar um espaço aconchegante e bonito.

Modernismo 1880 – 1940

o movimento modernista enfatizou a simplicidade, a clareza da forma e o ruído rejeitado no design. Algumas das principais figuras do movimento incluem Mies van der Rohe, Le Corbusier e Eero Saarinen, cujas assinaturas vistas em sua sempre popular Mesa Saarinen e cadeira Saarinen são o epítome do estilo de design.

Art Nouveau 1890 a 1920

o entusiasmo por trás do movimento Art Nouveau foi trazer silhuetas naturais derivadas de elementos botânicos que emprestaram à época suas linhas curvas exclusivas e formas orgânicas.

Colonial Revival 1905 até hoje

Popular nos EUA e estimulado pelo centenário, o Renascimento Colonial encontrou inspiração nos estilos históricos neoclássicos e georgianos. De longe, o estilo mais popular da época até a Segunda Guerra Mundial, alguns acreditam que o lançamento do automóvel ajudou a despertar o interesse das pessoas por referências históricas, pois puderam visitar livremente Marcos documentados.

Eclética de 1900 até os dias de Hoje

Alguns historiadores apontam para o aumento da necessidade de designers de interiores, que entendia como misturar diferentes estilos de design com autoridade para o aumento acentuado de designers na indústria como em estilo eclético assumiu a inspiração estética.

o estilo eclético é tudo sobre harmonia e a união de estilos díspares, texturas justapostas e cores contrastantes para criar uma sala coesa e lindamente realizada que não estaria fora de lugar em uma revista de decoração de casa, pois este é um estilo de design que leva verve e um grande olho. E como o design de interiores eclético tem tudo a ver com experimentação e brincadeira, divirta-se com a liberdade que permite.

Modern 1918 a 1950

com foco em interiores esparsos e cores primárias ousadas, o design de interiores moderno evitou o design tipicamente ornamentado e decorado com tendências estéticas na época.

Bauhaus em 1920 – 1934

Celebrado para este dia, para sua grande ainda o mínimo e muito bem executado gestos, e fundada pelo arquiteto alemão Walter Bauhaus, que também criou a Bauhaus, escola de arte e design na Alemanha de Weimar, o movimento rapidamente produziu alguns dos mais influentes arquitetos, escultores, designers gráficos, fabricantes de móveis e design de mavericks de meados ao final do século 20.

País 1920 a 1970

com notas levantadas das configurações tradicionais da fazenda, o estilo country era prático, mas com qualidade, mobiliário inspirado vintage.

a visão de hoje sobre o estilo country moderno do design de interiores é um clássico idílico. Afastando – se de um estilo de Design country puramente tradicional; o país moderno permite aspectos mais lúdicos e matizados, juntamente com notas mínimas.

Arte Déco de 1920, para 1960

Este movimento apresenta uma mistura inebriante do início do século 20 estilos de design, incluindo Construtivismo, Cubismo, Modernismo, Bauhaus, Art Nouveau e Futurismo. Um dos estilos de design de interiores mais conhecidos, Art Deco representou modernidade, glamour cotidiano e elegância. A época dependia fortemente de linhas limpas, formas angulares sem barulho, cores ousadas e padrões estilizados como ziguezagues e figuras ópticas. Para maior glamour, Enfeites ornamentados e superfícies metálicas também eram marcas da época.

os materiais usados no design de interiores art deco são lisos e reflexivos para o glamour diário em casa. Muitos metais estão presentes neste estilo; do ouro à prata, aço inoxidável e cromo. Eles emprestam a qualquer sala uma sensação elegante e luxuosa, e eles podem ser usados em todos os lugares. Imagine uma moderna sala de estar Art déco com uma mesa de café dourada com tampo de vidro, lâmpadas cromadas e um tapete estampado geométrico ousado em preto, ouro e branco. O vidro também é um material frequentemente usado no design art deco; seja através de espelhos, mesas com tampo de vidro, Elementos esculturais ou um vaso ou lâmpada art deco, pois o vidro aumenta a sensação elegante de uma sala art deco.

Mediterrâneo 1920 até hoje

para evocar a sensação dos países costeiros europeus, texturas de terracota, pedra e azulejos estampados foram fortemente apresentados junto com ferro forjado e tons aquáticos.

Surrealismo de 1925 a 1930

Surrealistas, como artistas famosos, incluído Salvador Dali, André Breton, e Max Ernst usado este movimento de vanguarda para libertar as pessoas de suas associações, o que era normal e previsível, em última análise, no design, música, arte, e até mesmo de design de interiores.

Mid-Century Modern 1930 até hoje

embora o termo mid century modern não tenha sido cunhado até meados dos anos 80, e embora ninguém realmente saiba que é a verdadeira linha do tempo, a era representa uma combinação de praticidade pós-Segunda Guerra Mundial, otimismo da era dos anos 50, earthiness da era dos anos 60 e tons e texturas bem embrulhado em uma ode elegante à simplicidade escandinava.

chame isso de uma reação à decadência e ao entupimento adornado dourado do design de interiores e da arquitetura até os anos 40, Se você quiser, como na época de seu início, a decoração moderna de meados do século foi uma refutação completa e reinício para os sentidos.

a vibração é fresca e papoula, Retro-tingida, e completamente sedutor com a sua dedicação ao conforto e praticidade envolto em Belo design que nunca sai de moda. Ao contrário de outros movimentos estéticos, de meados do século moderna decoração é simples no design, como a forma segue a função, ainda, de destacar os materiais utilizados, ao invés de fazer algo que elas não são.

Escandinavo Moderno de 1930 aos dias de Hoje

Este movimento, destaca as virtudes de bonito projetado, práticas e objetos que são facilmente acessíveis e acessível, e que é por isso que o movimento permanece popular até hoje.

pertencente à escola de modernismo, o design de interiores escandinavo é um movimento de design caracterizado por um foco no funcionalismo e na simplicidade. Também inclui o uso de materiais naturais, como couro, madeira e cânhamo. Além disso, um design de interiores escandinavo é frequentemente influenciado por uma conexão com a natureza, que combina formas naturais, abstração e o uso de elementos naturais.

Transitional 1950’s to Today

com a invenção da televisão e sua proeminência em toda a maioria das casas nos EUA, o design de interiores dos conjuntos ajudou a alimentar o apetite das massas pela decoração mais do que nunca.

Transição de estilo refere-se a uma mistura de mobiliário tradicional e moderno, fabricações, e elementos decorativos que dão mais liberdade ao olhar para decorar a sua casa com facilidade, como não há fim para as direções que você pode tomar o estilo de design. Em essência, o design de interiores de transição é a combinação de vários estilos de design reunidos simultaneamente para criar um design coeso em uma sala.

Pós-Modernismo 1978-hoje

este movimento nasceu como um desafio para o que as pessoas viam ser a branda genérica do Movimento Modernista. Uma de suas principais figuras foi o arquiteto e designer italiano Ettore Sottsass, com suas formas lúdicas, impressões abstratas e histórias de cores poderosas.

contemporâneo 1980 até hoje

o design de interiores contemporâneo é clássico, mas completamente do momento e atemporal, graças a uma tomada leve e sobressalente na decoração para garantir que nunca se sinta datado.Embora a decoração moderna possa parecer fria, limitante e abertamente mínima, o estilo contemporâneo é calmante e sereno, e é salpicado com foco em elementos arquitetônicos, detalhes decorativos, atenção a escalas ousadas e uma paleta de cores concisa para criar um espaço aconchegante com fácil sofisticação.Simplicidade, linhas limpas, peças de textura e drama silencioso são fundamentais para alcançar uma casa de estilo contemporâneo perfeitamente equilibrada.

ELSIE DE WOLFE

Anunciado como “em primeiro lugar na América decorador de interiores,” Elsie de Wolfe vida era tão opulenta como a ela quartos decorados, como ela é retratado acima de Elsa Schiaparelli icônico dourada estrela haute couture casaco. O lendário de Wolfe possui uma biografia igualmente romântica e aventureira. Depois de ser educada na Escócia e apresentada na corte da Rainha Vitória, ela voltou para os EUA e se tornou uma atriz onde compartilhou um “casamento de Boston” único (um termo para duas mulheres solteiras que vivem juntas de Henry James The Bostonians) com agente literário de sucesso e amante Elisabeth Marbury.

seu estilo e figurinos no palco—roupas de Alta Costura De Paris-a tornaram uma influente marca de bom gosto entre os espectadores em seu público, levando-a a se tornar conhecida como a mulher mais bem vestida do mundo. Sua primeira incursão no design de interiores foi uma total evasão da escura e taciturna decoração vitoriana na casa que ela e Marbury compartilhavam. Depois que ela reestilizou com sucesso sua residência, decluttering, simplificando e minimizando seu interior fortemente ornamentado, ela se tornou a primeira decoradora de interiores a receber uma comissão de design.Essa Comissão deveria decorar o primeiro clube social de elite da cidade de Nova York para mulheres, o famoso Colony Club—ostentando uma série de membros notáveis com sobrenomes, incluindo nomes como Whitney, Morgan, Harriman e Astor. De Wolfe logo se tornou a decoradora de interiores mais popular de seu tempo e, em 1913, publicou o primeiro livro de design de interiores, “A Casa de bom gosto.”

ela comemorou o inesperado misturando estampas de animais com Chinoiserie, tinha afinidade com regência e Chippendale estilos, bem como esquemas de cores em preto e branco, e foi pioneira em representar a cor bege na decoração.Seus projetos mais notáveis incluem as casas de Condé Nast, os Fricks e os Hewitts. Sua postura anti-vitoriana e quartos mais brilhantes, mais arejados e menos complicados e minimamente mais sofisticados permanece popular até hoje.

JEAN-MICHEL FRANK

Ele deve vir como nenhuma surpresa que os artistas normalmente encontram inspiração do mundo ao seu redor, e é fácil imaginar o efeito inebriante de 1930, em Paris, no mais famoso decorador e designer de interiores da época, Jean-Michel Frank. Para sua sorte, seus projetos eram frequentemente centrados em colocar Picassos e Braques nos espaços que ele decorava, e sua equipe de amigos influentes incluía todos de artistas parisienses da Margem Esquerda como Man Ray e socialites como os Rockefellers.Considerado um minimalista com uma rica inclinação, sua estratificação do maximalismo divino torna seu trabalho ainda mais intrigante e inspirador. Como designer de móveis, suas silhuetas foram reduzidas e sutis e finalizadas com detalhes luxuosos. Pense em telas intrincadas de mica, portas de bronze, acessórios feitos de quartzo e a série de móveis cobertos de shagreen e cadeiras de Clube de pele de carneiro que ele projetou para a lendária fabricante de produtos de luxo Hermès. O branco era um tom característico dele, que ele ao mesmo tempo fazia parecer sobressalente e complexo. Frank também é creditado por projetar uma das peças de mobiliário minimalistas mais icônicas da história—a mesa Parsons—que ele frequentemente cobria com os acabamentos mais luxuosos.

junto com um olho estudado para um ótimo design e um instinto para o melhor da qualidade, Frank absorveu elementos da vida diária para tornar um espaço mais acessível, convidativo e realista. Hoje seu trabalho continua a ser celebrado em museus, seus móveis criam leilões recordes, e você pode até comprar reproduções de suas peças mais icônicas projetadas para Hermès.

Paróquia irmã

conhecida por sua visão perspicaz sobre o gosto indulgente, Sister Parish é creditado com a criação do American Country look, um dos estilos de design mais duradouros do último meio século. Nascido em privilégio e pedigree, o Visual Country Americano de Parish foi realizado a partir de sua visão do país Inglês, embora com mais calor, caráter e um apelo caseiro e encantador.

ela começou sua carreira como uma dona de casa destreinada que decorou sua casa com muita fanfarra. Tendo chamou a atenção do colega de alta sociedade donas de casa comissionamento-la para remodelar suas próprias casas, Hadley tomou nota da necessidade de alcance de design, durante a Grande Depressão e o faturamento-se como um “orçamento de decoração” para aqueles que procuram atualização de suas casas durante a época de dificuldades econômicas da época.

seu estilo decorativo foi uma rejeição total da coleção de antiguidades pesadas e escuras de seu pai, enquanto ela se inclinava mais para listras femininas, chita envidraçada, colchas, tapetes enganchados e poltronas informais sobrecarregadas, incorporando elementos do passado.Inovação é muitas vezes a capacidade de alcançar o passado e trazer de volta o que é bom, o que é belo, o que é útil, o que é duradouro.Seus designs eram românticos, calorosos e elegantes para clientes como Brooke Astor, mas ela era conhecida por sua figura cáustica e intimidante e avaliações implacáveis dos espaços de seus clientes.A empresa de design da Parish viu muitos designers influentes fazerem seu nome ao lado dela, incluindo o lendário Albert Hadley, ao qual ela trabalhou por mais de 30 anos-seu relacionamento profissional é muitas vezes considerado uma das parcerias colaborativas de maior sucesso no mundo dos interiores até hoje.

ALBERT HADLEY

Creditado como o pai de transição de design de interiores, celebrado pela sua magistral de emparelhamento de glamour e funcionalidade, e muitas vezes referido como o “decano dos Americanos decoradores,” Albert Hadley carteira de projetos ostentava alta sociedade de nomes como Rockefeller, Astor, Getty, e Mellon.

no entanto, para Hadley, nomes de alto perfil nunca ocorreram sobre o design brilhante. “Os nomes realmente não são o ponto”, disse ele à New York magazine em 2004. “É o que você pode conseguir para a pessoa mais simples. O Glamour faz parte dele, mas o glamour não é a essência. Design é sobre disciplina e realidade, não sobre fantasia além da realidade.Nascido no Tennessee, Hadley mudou-se para Nova York depois de servir na Segunda Guerra Mundial, onde estudou e ensinou na Escola de design de Parson e tornou-se conhecido por seu estilo de decoração moderno e seu senso instintivo de equilíbrio e o que funcionou juntos. Ele habilmente criou misturas inebriantes de estilos de design com um mantra centrado na ideia de “nunca menos, nunca mais.”

Procurando um parceiro com mais talento técnico do que o instinto que definiu sua carreira, Sister Parish trouxe Hadley em sua equipe em 1962. Parish-Hadley Associates reestilizou as casas das famílias de elite da América por décadas e é mais conhecido por redecorar os aposentos da Casa Branca Kennedy, bem como as casas particulares da família Kennedy. Após a morte de Parish, Hadley continuou a trabalhar bem depois de meados dos anos 80 em projetos que incorporaram uma mistura interessante de estilos de design diferente de qualquer outro designer de sua geração.

DOROTHY DRAPER

há muito anunciado como o Coco Chanel do mundo da decoração, os designs de Dorthy Draper eram destemidamente vibrantes, suntuosos, alegres e cheios de personalidade. Os quartos que ela projetou tinham uma paleta de cores restrita de preto e branco clássico, enquanto outros destacavam padrões gráficos superdimensionados e suas combinações de cores técnicas de rosas e verdes, turquesa e tons cítricos. Primo da paróquia irmã, Draper foi o primeiro decorador de interiores comercial documentado, tendo estabelecido o primeiro escritório oficial de design de interiores, Architectural Clearing House, em 1923.

“quase todo mundo acredita que há algo profundo e misterioso sobre ou que você tem que saber todos os tipos de detalhes complicados sobre períodos antes que você possa levantar um dedo. Decorar é simplesmente divertido.: uma delícia de cor, uma consciência de equilíbrio, um sentimento de iluminação, um senso de estilo, um entusiasmo pela vida e um prazer divertido dos acessórios inteligentes do momento”, escreveu ela em seu livro de 1939 decorando é divertido!

Nome mais influente inspiradora de tendências na América, em 1960, Draper quaresma seu lendário assinatura “Barroco moderno” estilo de vários edifícios emblemáticos, incluindo a sala de jantar em Nova York, o Metropolitan Museum of Art, o Fairmont e Mark Hopkins hotéis em San Francisco, e, o mais impressionante, uma revisão completa do Greenbrier Hotel em West Virginia – que ainda parece au groselha 70-anos mais tarde.

DAVID Hicks

originalmente um ilustrador de publicidade freelance em Londres, David Hicks carreira de decoração decolou depois que uma revista cobriu a mudança de jogo que ele fez na casa de seus pais.Hicks quebrou o molde e foi contra práticas de decoração inglesas tradicionalmente abafadas e pretensiosas e passou a se tornar um mestre de misturas inesperadas, mas coesas. Seus interiores ecléticos muitas vezes apresentavam uma justaposição distinta de cores riotas, padrões, fabricações e estilos de design que eram feitos atraentes e impressionantes.Um querido do mundo do design na década de 1960, seus projetos mais notáveis incluíam quartos para o príncipe Charles e a Princesa Anne e uma boate cintilante em um transatlântico e iate para o Rei Fahd da Arábia Saudita. Na década de 1970, Hicks começou a produzir papel de parede, tecidos e lençóis exclusivos para suas butiques de design espalhadas por oito países.

BILLY BALDWIN

Que ele foi celebrado para a sua abordagem abrangente para o design de interiores, Billy Baldwin detestava o termo “designer de interiores,” optando por ser conhecido como um “decorator”, o seu título preferido. Ele acreditava que os quartos bons ossos para ser um princípio superior, juntamente com qualidade e conforto sendo chave.

“sempre acreditei que a arquitetura é mais importante que a decoração. Escala e proporção dão satisfação eterna que não pode ser alcançada apenas pela cobertura do bolo”, disse ele.

seus interiores eram nítidos e impecáveis, e ao contrário de seus contemporâneos, ele trabalhou com os móveis existentes do cliente e os reaproveitou com um impulso instintivo. De uma atualização notável do apartamento Waldorf Towers de Cole Porter ao complexo Skorpios de Jackie O, à sala de estar ricamente em camadas da Red Park Avenue de Diana Vreeland, atenção meticulosa à escala e proporção foram uma força motriz para Baldwin. Um mestre da decoração prática pontuado com tons ousados, estampas e curadoria bem julgada, uma pesquisa do trabalho de Baldwin demonstra o quão relevante seu trabalho permanece até hoje.