Con la profesión del diseño de interiores que se remonta a poco más de 100 años, estamos observando las raíces de la historia del diseño de interiores y los siete decoradores legendarios que se hicieron un nombre a medida que la industria comenzó a ganar impulso a principios de 1900. aquí está todo lo que necesitas saber.
Puede parecer un poco elemental, pero comencemos con los conceptos básicos de los servicios de diseño de interiores. El diseño de interiores se define como el arte y la ciencia de mejorar el interior de un espacio para crear un entorno pulido y más estéticamente agradable. Un diseñador de interiores es una persona capacitada para ejecutar planes, investigar, coordinar y administrar proyectos decorativos con autoridad. La profesión de diseño de interiores es variada e incluye planificación de espacios, desarrollo conceptual, inspecciones de obra, programación, investigación, comunicación con los clientes, gestión de proyectos y construcción y, por supuesto, la ejecución del diseño deseado.
Antes de que la profesión cobrara protagonismo, el diseño de interiores surgió instintivamente para coordinarse estrictamente con la arquitectura de los edificios. La profesión de diseño de interiores vino con el auge de la sociedad de clase media y la complicada arquitectura que se hizo popular durante la revolución industrial. La búsqueda de hacer el mejor uso del espacio, junto con la atención al bienestar del usuario y el diseño funcional, continúa impulsando el desarrollo y las posibilidades de mejora de la vida de la iteración actual en la profesión de diseño de interiores. Dicho esto, la profesión de diseño de interiores está claramente separada del trabajo de un decorador de interiores, un apodo más comúnmente utilizado en los Estados Unidos. El término decorador de interiores se usa menos comúnmente en el Reino Unido, donde la profesión de diseño de interiores sigue sin estar regulada y, lamentablemente, aún no se considera una profesión oficial hasta el día de hoy.
Ya en la antigua India, los arquitectos solían trabajar como diseñadores de interiores para desarrollar plenamente su visión completa. Esto se puede observar en las referencias del arquitecto Vishwakarma, uno de los dioses que aparecen en la mitología india. Esas referencias cuentan con esculturas que ilustran textos antiguos y eventos vistos en palacios construidos en la India del siglo XVII.
En todo el antiguo Egipto, las» casas de almas » o modelos de casas se regalaban en tumbas como recipientes para ofrendas de alimentos. A partir de estas evocadoras baratijas, es posible descifrar señales sobre el diseño interior de varias residencias a lo largo de varias dinastías egipcias, incluidas actualizaciones de ventilación, pórticos, columnas, logias, ventanas y puertas.
A lo largo de los siglos XVII y XVIII y en la primera parte del siglo XIX, la decoración de interiores era una preocupación exclusiva relegada al ama de casa, o a un tapicero o artesano profesional que podía asesorar de forma segura en función de su ojo artístico para el diseño interior de un hogar. Por cierto, los arquitectos también recurrían a artesanos para crear el diseño de interiores de sus edificios.
La práctica del diseño de interiores se remonta a los antiguos egipcios, que decoraban sus ingenuas casas de barro con muebles básicos realzados por pieles de animales, textiles simples, murales biográficos y espirituales gráficos, esculturas y urnas pintadas. Adornos de oro ornamentados que se encuentran en tumbas egipcias (como la del rey Tutankamón) y baratijas destacaron la necesidad de una decoración más distintivamente rica para simbolizar a los egipcios más ricos y poderosos.
Las civilizaciones romana y griega avanzaron en el arte egipcio de diseño de interiores y accesorios celebrando el orgullo cívico a través de su invención de edificios públicos de techo abovedado. Para sus hogares, los elaborados muebles de madera griegos presentaban una intrincada decoración de marfil y plata, mientras que los romanos se concentraban en combinar belleza y comodidad, con interiores de hogar de ambas civilizaciones diseñados para reflejar la riqueza y el estatus social y político. Los muebles romanos a menudo estaban hechos de piedra, mármol, madera o bronce, y se hacían cómodos a través de cojines y tapices expresivos. Para elevar sus hogares, tanto romanos como griegos trajeron jarrones y crearon fascinantes pisos de mosaico, pinturas murales y frescos para hacer que sus espacios fueran únicos para ellos.
Después de este período de ornamentación decorativa, hubo un movimiento repentino hacia la exactitud debido a las sombrías guerras en curso en toda la Europa Medieval y el surgimiento de la iglesia cristiana. Acuñado la Edad Media por una buena razón, la historia del diseño de interiores de la época presentaba paneles de madera sombríos, muebles mínimos y únicamente prácticos, y pisos de losa de piedra. Incluso los clientes más ricos de la época se apegaron a colores apagados y aleccionadores al agregar extras decorativos como tapices y cantería.
Después de la Edad Media, los europeos se inspiraron una vez más para introducir el color y la ornamentación decorativa en sus hogares. Durante el siglo XII, se creó un estilo gótico oscuro y romántico para aprovechar al máximo la luz natural y los interiores abiertos recién populares.
A lo largo de los siglos XV y XVI, el Renacimiento francés comenzó un enfoque renovado en el arte y la creatividad en el diseño de interiores. Los arquitectos de la época comenzaron a crear casas con notas decorativas sustanciales que incluían pisos de mármol, incrustaciones de madera ornamentadas, pinturas y muebles hechos con los mejores materiales. Un vistazo rápido a los palacios reales, villas y capillas de la época seguramente resaltará lo mejor del diseño interior renacentista.
Siguiendo el Renacimiento, los intrincados y complejos diseños barrocos italianos se apoderaron de Europa. El Palacio de Versalles en Francia, por ejemplo, hizo un uso notable de elementos de diseño de interiores barrocos como mármol y piedra de colores, vidrieras, techos pintados ornamentadamente y columnas en espiral. En el siglo XVIII, los diseñadores de interiores europeos hicieron que el estilo rococó fuera cada vez más popular, al tiempo que tomaban la influencia del gres asiático, los estampados florales y los muebles con incrustaciones de detalles exóticos como marfil y nácar. Luego vino el aspecto neoclásico de finales del siglo XVIII, una versión lejana de los célebres elementos de diseño que se encontraban en la antigua Roma con su uso de seda, satén y terciopelo de colores brillantes.
Desde principios de 1800 en adelante, más libertad y eclecticismo se encontraron a menudo en el diseño de interiores en Europa y América. Y durante los siguientes dos siglos, una serie de innovadores y modernos movimientos de diseño de interiores pasarían de moda a medida que cambiaban los tiempos, incluidos el estilo Art Deco, Art Nouveau, victoriano e industrial Bauhaus. El siglo XIX vio, sin embargo, lo último en apreciación y popularización del diseño de interiores. Ya no son exclusivos de los complejos reales y los hogares de ciudadanos ricos, las posibilidades de un diseño de interiores que realce la vida comenzaron a alcanzar masas críticas en la última parte de la década de 1800.
Y para el siglo XX, la funcionalidad se convirtió en un componente clave en el enfoque del diseño de interiores, ya que la creciente presencia de electrodomésticos como estufas, lavadoras y televisores impulsó un nuevo desafío para los diseñadores de interiores, que tenían que diseñar espacios con más razones que estéticas en mente.
Y a medida que avanzaba el siglo XX, los diseñadores novatos y numerosas publicaciones estaban trabajando cada vez más para derrotar el control que los grandes puntos de venta de lujo tenían en el mundo del diseño de interiores. Antes de eso, la autora feminista inglesa Mary Haweis produjo una serie de ensayos populares en la década de 1880 en los que ridiculizaba la emoción de una clase aspirante de burgueses que buscaban amueblar sus hogares apresuradamente alrededor de los límites estrictos pero suaves que se les ofrecían dictando puntos de venta al por menor. Su respuesta fue que las personas deberían aprovechar la oportunidad para crear una versión particular de un estilo de diseño único adaptado a sus necesidades y estilos de vida. «Una de mis convicciones más fuertes, y uno de los primeros cánones del buen gusto, es que nuestras casas, como la concha del pez y el nido del pájaro, deben representar nuestro gusto y hábitos individuales», escribió.
La lenta transición hacia las artes decorativas como una profesión artística individual, aparte de la sabiduría del vendedor ofrecida por los fabricantes y minoristas, se impulsó en 1899 con el lanzamiento del Instituto de Decoradores Británicos; con John Dibblee Crace actuando como su presidente. El instituto representó a más de 200 diseñadores de interiores de todo el país. Y para 1915, el Directorio de Londres vio un aumento en la lista de 127 personas que trabajaban como decoradores de interiores profesionales, de las cuales solo 10 eran mujeres. Rhoda y Agnes Garrett fueron las primeras mujeres grabadas en ser entrenadas profesionalmente como diseñadoras de casas en 1874. La importancia de su trabajo de diseño se consideró en ese momento paralela al legendario maestro de interiores William Morris. En 1876, su guía, Sugerencias para la Decoración de la Casa en Pintura, Carpintería y Muebles, consolidó aún más su autoridad y difundió sus enfoques artísticos de diseño de interiores para una clase media hambrienta de diseño.
«Hasta hace poco, cuando un hombre quería amueblar, visitaba a todos los comerciantes y seleccionaba pieza por pieza de muebles ….Hoy envía a un comerciante de muebles y accesorios de arte que inspecciona todas las habitaciones de la casa y pone su mente artística en el tema», como escribió el Carpintero y Constructor Ilustrado en 1900.
De vuelta en Estados Unidos, Candace Wheeler, considerada una de las primeras diseñadoras de interiores femeninas, alentó una visión completamente nueva del diseño de interiores estadounidense. Fue una figura clave en el desarrollo de los primeros cursos de diseño de interiores para mujeres en varios centros estadounidenses importantes y fue celebrada como la autoridad definitiva en decoración del hogar en ese momento. Otra influencia prominente en la recién categorizada profesión de decoración fue La Decoración de casas, una guía ampliamente leída y consultada sobre diseño de interiores escrita por Edith Wharton y el maestro arquitecto Ogden Codman en 1897 en los Estados Unidos. En el popular libro, los autores consideraron irrelevante la decoración de interiores de estilo victoriano y el diseño de interiores. Ya no eran viables las casas frías, oscuras y malhumoradas decoradas con muebles pesados, accesorios victorianos y asientos acolchados y sobrellevados. Consideraron que el estilo de diseño había dado demasiada importancia a los muebles tapizados en lugar de la planificación del espacio y los detalles arquitectónicos sensatos, haciendo que las habitaciones fueran lúgubres, incómodas, intocables y, por lo tanto, demasiado preciosas. Su libro todavía se considera un momento fundamental y su éxito impulsó el ascenso de diseñadores de interiores profesionales que adoptaron posturas similares.
Como puede ver, el mundo del diseño de interiores ha recorrido un camino notable desde los antiguos egipcios, ya que los diseñadores de hoy en día tienen acceso ilimitado a una cantidad infinita de movimientos de diseño, estilos de muebles e influencias del pasado. Pero en realidad son los siete diseñadores de interiores en los que nos centramos aquí los que realmente cambiaron la forma en que enfocamos el diseño de interiores para mejor.
CRONOLOGÍA DE LA HISTORIA DEL DISEÑO DE INTERIORES:
Edad de piedra 6000 a 2000 AC
El primer signo de un enfoque del diseño de interiores se observó en viviendas prehistóricas con flora y fauna. Esas viviendas estaban hechas de barro, pieles de animales y palos.
Europa neolítica 2000 a 1700 AC
Llega la primera cerámica hecha a mano definida que se utilizó por razones prácticas y decorativas.
Antiguo Egipto 2700
El ascenso de las familias reales vio por primera vez a personas viviendo en estructuras además de chozas de barro. Las nuevas estructuras se jactaban de murales que retrataban su historia y creencias. Y tenían muebles básicos y objetos decorativos como jarrones y esculturas, vistos por primera vez.
Imperio Griego 1200 a 31 AC
Los avances en la civilización y los estilos de vida vieron a los ciudadanos decorar sus hogares con su propio estilo único por primera vez en la historia, con griegos más ricos que poseían muebles con incrustaciones de detalles ornamentados de marfil y plata. Los pilares y columnas icónicos y declarativos fueron motivos clave durante esta época y los griegos también crearon normas y procedimientos estándar para la construcción de edificios.
Imperio Romano de 753 a. C. a 480 d. C.
Una edad austera en la que la realeza no podía evocar su riqueza simplemente a través de sus hogares. Los romanos decoraban sus casas con murales y mosaicos, y los muebles presentaban patas con garras.
La Edad Media de 900 a 1500
La Edad Media vio desinterés en el diseño de interiores con personas que optaban por paredes de madera con paneles simples, muebles mínimos y pisos de losa de piedra.
El Imperio bizantino de 500 a 1500
Durante este período, las grandes cúpulas y la decoración decadente ocuparon el centro del escenario.
El Período Renacentista de 1400 a 1600
La belleza del diseño de interiores fue una característica importante durante el período renacentista con grandes muebles y arte realizado en tonos vibrantes y textiles lujosos como seda y terciopelo junto con superficies de mármol. Y dado que las alfombras eran demasiado preciosas y caras incluso para los clientes más ricos, se usaban como arte de pared cuando era posible.
Gótico 1140 a 1400
En respuesta a la edad media, la ornamentación decorativa y los colores llamativos fueron una vez más características prominentes del diseño interior. Dos señas de identidad de la época que se trasladan a la actualidad son más ventanas para casas más luminosas, junto con planos de planta abiertos.
Barroco de 1590 a 1725
Elementos artísticos ostentosos y ultra ricos hechos para una receta de suntuosos diseños de interiores con vidrieras, columnas retorcidas, mármol de colores, techos pintados y espejos dorados y lámparas de araña de gran tamaño.
Tradicional de 1700 a hoy
Encarnado por un espíritu formal, el diseño de interiores tradicional sigue siendo un pilar hasta el día de hoy. El diseño de interiores tradicional es un término amplio que destaca estilos de diseño variados y movimientos que no están clavados en una dirección o espíritu cerrados.
El diseño tradicional celebra la ilustre y rica historia del pasado contrastándola con elementos decididamente modernos para dar un toque elegante a un hermoso diseño, al tiempo que resalta la decoración europea de los siglos XVIII y XIX. Es un estilo de diseño atemporal que evoca glamour y comodidad fáciles y es una gran dirección para aquellos que aprecian las antigüedades, el arte clásico, la simetría y el diseño rico en historia.
Rococó 1700
Un estilo de diseño hiper elegante y profusamente detallado, inspirado en siluetas botánicas, el diseño de interiores rococó presentaba elementos únicos como adornos de concha de tortuga y perlas junto con porcelana asiática.
La Revolución Industrial 1760 a 1820
A lo largo de la Revolución Industrial, el diseño de interiores estaba disponible para un público más amplio y era más fácil de acceder para la población en general que nunca. Esto se debe en gran parte a los procesos de impresión más fáciles que crean una amplia distribución de publicaciones de moda y estilo de vida y al hecho de que los artículos de lujo se volvieron cada vez más asequibles.
Estilo neoclásico de 1780 a 1880
Inspirándose en las culturas griegas y romanas antiguas para los detalles y motivos arquitectónicos, los muebles de esta época dependían en gran medida del uso de metales de bronce y oro, y muebles suaves con seda, terciopelo y satén. La tendencia de combinar papel tapiz y muebles también se afianzó.
Tropical de 1880 hasta hoy
A medida que el imperio británico se extendía por países como la India y territorios como las Indias Occidentales, combinaron elementos de diseño de interiores de su país de origen y las regiones que ocupaban para crear una mezcla embriagadora de lo tradicional y lo extoico.
Movimiento Estético de los años 1800 hasta hoy
Con «arte por el arte» en mente, el Movimiento Estético era una forma para que los radicales expresaran su aversión al diseño de interiores actual y cansado. La clave aquí estaba en la practicidad y la función, tomando importancia antes que la belleza.
De la Toscana de 1840 hasta hoy
Siguiendo el ejemplo de la naturaleza encantadora y calmante de la Toscana en Italia, el enfoque del diseño de interiores durante este período fue de simplicidad directa con toques de lujo, por si acaso.
Arts & Crafts 1860 to 1910
Para resaltar su oposición a los artículos ordinarios producidos en masa debido a las innovaciones de la Revolución Industrial, la gente recurrió a la artesanía tradicional y los elementos clásicos para producir muebles.
Rústico de 1870 a hoy
El diseño interior rústico cuenta con muebles hechos a mano y habitaciones grandes y abiertas con vigas y columnas de madera.
La decoración rústica proporciona la combinación perfecta de un diseño cómodo y sin complicaciones y una decoración práctica y funcional, combinados para crear un interior rústico cálido. Los materiales naturales funcionan como base y punto de partida para crear una decoración rústica envidiable para el hogar que celebra la auténtica belleza de los materiales naturales para crear un espacio acogedor y hermoso.
Modernismo 1880 – 1940
El movimiento modernista enfatizó la simplicidad, la claridad de la forma y el ruido rechazado en el diseño. Algunas de las principales figuras del movimiento incluyen a Mies van der Rohe, Le Corbusier y Eero Saarinen, cuyas firmas que se ven en su siempre popular mesa y silla Saarinen son el epítome del estilo de diseño.
Art Nouveau de 1890 a 1920
El entusiasmo detrás del movimiento Art Nouveau fue traer siluetas naturales derivadas de elementos botánicos que le dieron a la era sus líneas curvas y formas orgánicas distintivas.
Renacimiento Colonial 1905 hasta hoy
Popular en los Estados Unidos y estimulado por el centenario, el Renacimiento Colonial encontró inspiración en los estilos históricos neoclásicos y georgianos. Con mucho, el estilo más popular de la época hasta la Segunda Guerra Mundial, algunos creen que el lanzamiento del automóvil ayudó a despertar el interés de la gente en las referencias históricas, ya que pudieron visitar libremente monumentos documentados.
Ecléctico de los años 1900 hasta hoy
Algunos historiadores señalan el aumento de la necesidad de diseñadores de interiores que entendieran cómo mezclar diferentes estilos de diseño con autoridad para el marcado aumento de diseñadores en la industria a medida que el estilo ecléctico se hizo cargo de la inspiración estética.
El estilo ecléctico tiene que ver con la armonía y la unión de estilos dispares, la yuxtaposición de texturas y colores contrastantes para crear una habitación cohesionada y bellamente realizada que no estaría fuera de lugar en una revista de decoración para el hogar, ya que este es un estilo de diseño que toma brío y un gran ojo. Y dado que el diseño de interiores ecléctico se basa en la experimentación y el juego, diviértete con la libertad que te permite.
Moderno de 1918 a 1950
Con un enfoque en interiores dispersos y colores primarios audaces, el diseño de interiores moderno evitó la tendencia estética de diseño típicamente adornado y sobre decorado en ese momento.
Bauhaus 1920 – 1934
Celebrado hasta el día de hoy por sus gestos grandiosos pero minimalistas y bellamente ejecutados, y fundado por el arquitecto alemán Walter Bauhaus, quien también creó la escuela de arte y diseño Bauhaus en Weimar, Alemania, el movimiento produjo rápidamente algunos de los arquitectos, escultores, diseñadores gráficos, fabricantes de muebles y mavericks de diseño más influyentes de mediados y finales del siglo XX.
País de 1920 a 1970
Con notas extraídas de entornos de granjas tradicionales, el estilo campestre era práctico pero con muebles de calidad inspirados en la época.
La versión actual del estilo rústico moderno del diseño de interiores es un clásico idílico. Alejarse de un estilo de diseño rural puramente tradicional; el country moderno permite aspectos más lúdicos y matizados junto con notas mínimas.
Art Deco de 1920 a 1960
Este movimiento presenta una mezcla embriagadora de estilos de diseño de principios del siglo XX que incluyen Constructivismo, Cubismo, Modernismo, Bauhaus, Art Nouveau y Futurismo. Uno de los estilos de diseño de interiores más conocidos, el Art Deco, representaba la modernidad, el glamour cotidiano y la elegancia. La era dependía en gran medida de líneas limpias, formas angulares sin complicaciones, colores llamativos y patrones estilizados como zigzag y figuras ópticas. Para un mayor glamour, los adornos ornamentales y las superficies metálicas también fueron señas de identidad de la época.
Los materiales utilizados en el diseño de interiores art deco son elegantes y reflectantes para el glamour diario en el hogar. Muchos metales están presentes en este estilo; desde oro hasta plata, acero inoxidable y cromo. Dan a cualquier habitación un ambiente elegante y lujoso, y se pueden usar en todas partes. Imagine una sala de estar moderna de estilo art déco con una mesa de café dorada con tapa de vidrio, lámparas cromadas y una alfombra con diseños geométricos atrevidos en negro, dorado y blanco. El vidrio también es un material de uso frecuente en el diseño art deco; ya sea a través de espejos, mesas con tapa de vidrio, elementos escultóricos o un jarrón o lámpara art deco, ya que el vidrio agrega la sensación elegante de una habitación art deco.
Mediterráneo de 1920 hasta hoy
Para evocar la sensación de los países costeros europeos, las texturas de terracota, piedra y azulejos estampados se destacaron en gran medida junto con el hierro forjado y los tonos acuáticos.
Surrealismo de 1925 a 1930
Surrealistas como artistas famosos como Salvador Dalí, André Breton y Max Ernst utilizaron este movimiento de vanguardia para liberar a la gente de sus asociaciones de lo que era normal y, en última instancia, predecible en diseño, música, arte e incluso diseño de interiores.
Moderno de mediados de siglo de 1930 a hoy
Aunque el término moderno de mediados de siglo no se acuñó hasta mediados de los 80, y aunque nadie sabe realmente que es una línea de tiempo verdadera, la era representa una combinación de practicidad posterior a la Segunda Guerra Mundial, optimismo de la era de los 50, terrenal de la era de los 60 y tonos de la era de los 70 y texturas cuidadosamente envueltas en una oda elegante a la simplicidad escandinava.
Llámelo una reacción a la decadencia y la congestión adornada con dorados del diseño de interiores y la arquitectura hasta los años 40, si lo prefiere, ya que en el momento de su creación, la decoración moderna de mediados de siglo fue una refutación completa y un reinicio para los sentidos.
El ambiente es fresco y amapola, con tintes retro y completamente atractivo, con su dedicación a la comodidad y la practicidad envuelta en un hermoso diseño que nunca pasa de moda. A diferencia de otros movimientos estéticos, la decoración moderna de mediados de siglo tiene un diseño aerodinámico, ya que la forma sigue a la función, al tiempo que resalta los materiales utilizados, en lugar de hacerlos algo que no son.
Escandinavo moderno de 1930 hasta hoy
Este movimiento resalta las virtudes de hermosos objetos prácticos diseñados que son fácilmente asequibles y accesibles, por lo que el movimiento sigue siendo popular hasta el día de hoy.
Perteneciente a la escuela del modernismo, el diseño de interiores escandinavo es un movimiento de diseño caracterizado por un enfoque en el funcionalismo y la simplicidad. También incluye el uso de materiales naturales, como cuero, madera y cáñamo. Además, un diseño interior escandinavo a menudo está influenciado por una conexión con la naturaleza, que combina formas naturales, abstracción y el uso de elementos naturales.
Transición de 1950 a la actualidad
Con la invención de la televisión y su prominencia en la mayoría de los hogares de los EE.
El estilo de transición se refiere a una mezcla de muebles, fabricaciones y elementos decorativos tradicionales y modernos que le brindan más libertad cuando busca decorar su hogar con facilidad, ya que no hay fin en las direcciones que puede tomar el estilo de diseño. En esencia, el diseño interior de transición es la combinación de varios estilos de diseño combinados simultáneamente para crear un diseño cohesivo en una habitación.
Postmodernismo 1978-Hoy
Este movimiento nace como un desafío a lo que la gente veía como la sosa genérica del movimiento modernista. Una de sus figuras principales fue el arquitecto y diseñador italiano Ettore Sottsass, con sus formas juguetonas, estampados abstractos e historias de colores potentes.
Contemporáneo de la década de 1980 hasta hoy
El diseño de interiores contemporáneo es clásico pero totalmente actual y atemporal gracias a una versión ligera y sobria de la decoración para garantizar que nunca se sienta anticuado.
Mientras que la decoración moderna puede sentirse fría, limitante y abiertamente minimalista, el estilo contemporáneo es calmante y sereno, y está salpicado con un enfoque en elementos arquitectónicos, detalles decorativos, atención a escalas audaces y una paleta de colores concisa para crear un espacio cálido con fácil sofisticación.
La simplicidad, las líneas limpias, los juegos de textura y el drama silencioso son fundamentales para lograr un hogar de estilo contemporáneo perfectamente equilibrado.
ELSIE DE WOLFE
Anunciada como «la primera decoradora de interiores de Estados Unidos», la vida de Elsie de Wolfe fue tan opulenta como las habitaciones que decoró, como se muestra en la foto de arriba con el icónico abrigo de alta costura de estrella dorada de Elsa Schiaparelli. El legendario de Wolfe cuenta con una biografía que es igualmente romántica y aventurera. Después de educarse en Escocia y presentarse en la corte de la Reina Victoria, regresó a los Estados Unidos y se convirtió en actriz, donde compartió un «matrimonio de Boston» único (un término para dos mujeres solteras que viven juntas de The Bostonians de Henry James) con la exitosa agente literaria y amante Elisabeth Marbury.
Su estilo y vestuario en el escenario, atuendo de alta costura de París, la convirtieron en una influyente creadora de tendencias entre los espectadores de su audiencia, lo que la llevó a ser conocida como la mujer mejor vestida del mundo. Su primera incursión en el diseño de interiores fue evitar por completo la oscura y melancólica decoración victoriana de la casa que compartía con Marbury. Después de rediseñar con éxito su residencia, ordenando, simplificando y minimizando su interior muy ornamentado, se convirtió en la primera decoradora de interiores en recibir un encargo de diseño.
Ese encargo fue decorar el primer club social de élite para mujeres de la ciudad de Nueva York, el famoso Colony Club—con una gran cantidad de miembros notables con apellidos como Whitney, Morgan, Harriman y Astor. De Wolfe pronto se convirtió en la decoradora de interiores más popular de su tiempo, y en 1913, publicó el primer libro de diseño de interiores, «The House in Good Taste.»
Celebró lo inesperado mezclando estampados de animales con Chinoiserie, tenía afinidad por los estilos Regency y Chippendale, así como esquemas de color blanco y negro, y fue pionera en representar el color beige en la decoración.
Sus proyectos más notables incluyen the homes of Condé Nast, the Fricks y the Hewitts. Su postura anti-victoriana y sus habitaciones refinadas, más luminosas, aireadas, menos complicadas y con una mentalidad más minimalista, siguen siendo populares hasta el día de hoy.
JEAN-MICHEL FRANK
No es de extrañar que los artistas se inspiren habitualmente en el mundo que los rodea, y es fácil imaginar el efecto embriagador de la París de 1930 en el decorador y diseñador de interiores más famoso de la época, Jean-Michel Frank. Por suerte para él, sus proyectos a menudo se centraban en colocar Picassos y Braques en los espacios que decoraba, y su equipo de amigos influyentes incluía a todos, desde artistas parisinos de la Orilla Izquierda como Man Ray hasta personalidades de la alta sociedad como los Rockefeller.
Considerado un minimalista con una rica inclinación, sus capas de maximalismo divino hacen que su trabajo sea aún más intrigante e inspirador. Como diseñador de muebles, sus siluetas fueron recortadas y sutiles y terminadas con detalles lujosos. Piense en las intrincadas pantallas de mica, las puertas de bronce, los accesorios hechos de cuarzo y la serie de muebles cubiertos de piel de oveja y sillas de club de piel de oveja que diseñó para el legendario fabricante de artículos de lujo Hermès. El blanco era un tono característico suyo, que al mismo tiempo hacía parecer sobrio y complejo. A Frank también se le atribuye el diseño de una de las piezas de mobiliario minimalista más icónicas de la historia, la mesa Parsons, que a menudo cubría con los acabados más lujosos.
Junto con un ojo estudiado para el gran diseño y un instinto para lo mejor de la calidad, Frank incorporó elementos de la vida diaria para hacer que un espacio se sintiera más accesible, acogedor y realista. Hoy en día, su obra sigue celebrándose en los museos, sus muebles crean subastas récord e incluso se pueden comprar reproducciones de sus piezas más icónicas diseñadas para Hermès.
SISTER PARISH
Conocida por su visión astuta de un gusto indulgente, Sister Parish se le atribuye la creación del look Country americano, uno de los estilos de diseño más duraderos de la última mitad de siglo. Nacida en el privilegio y el pedigrí, la apariencia campestre estadounidense de Parish se realizó a partir de su visión del país inglés, aunque con más calidez, carácter y un atractivo hogareño y encantador.
Comenzó su carrera como ama de casa sin formación que decoraba su casa con mucha fanfarria. Después de haber llamado la atención de otras amas de casa de la alta sociedad que la encargaron para rediseñar sus propios hogares, Hadley tomó nota de la necesidad de un diseño asequible durante la Gran Depresión y se presentó como una «decoradora de presupuesto» para aquellos que buscan refrescar sus hogares durante los desafiantes tiempos económicos de la época.
Su estilo decorativo era un rechazo total de la colección de antigüedades pesadas y oscuras de su padre, ya que se inclinaba más hacia las rayas femeninas, los chintz vidriados, los edredones, las alfombras enganchadas y los sillones informales acolchados mientras incorporaba elementos del pasado.
» La innovación es a menudo la capacidad de llegar al pasado y recuperar lo que es bueno, lo que es hermoso, lo que es útil, lo que es duradero.»
Sus diseños eran románticos, cálidos y elegantes para clientes como Brooke Astor, sin embargo, era conocida por su figura cáustica e intimidante y las evaluaciones implacables de los espacios de sus clientes.
La firma de diseño de Parish vio a muchos diseñadores influyentes hacerse un nombre junto a ella, incluido el legendario Albert Hadley, con quien trabajó durante más de 30 años; a menudo se piensa que su relación profesional es una de las asociaciones de colaboración más exitosas en el mundo de los interiores hasta el día de hoy.
ALBERT HADLEY
Acreditado como el padre del diseño de interiores de transición, celebrado por su combinación magistral de glamour y funcionalidad, y a menudo conocido como el «decano de los decoradores estadounidenses», la cartera de proyectos de Albert Hadley contaba con nombres de la alta sociedad como Rockefeller, Astor, Getty y Mellon.
Sin embargo, para Hadley, los nombres de alto perfil nunca tuvieron lugar sobre un diseño brillante. «Los nombres realmente no son el punto», dijo a la revista New York en 2004. «Es lo que puedes lograr para la persona más simple. El glamour es parte de ello, pero el glamour no es la esencia. El diseño se trata de disciplina y realidad, no de fantasía más allá de la realidad.»
Nacido en Tennessee, Hadley se mudó a la ciudad de Nueva York después de servir en la Segunda Guerra Mundial, donde estudió y enseñó en la Escuela de Diseño de Parson y se hizo conocido por su estilo de decoración de mente moderna y su sentido instintivo del equilibrio y lo que funcionaba en conjunto. Hábilmente creó mezclas embriagadoras de estilos de diseño con un mantra centrado en la idea de «nunca menos, nunca más.»
Buscando una pareja con más talento técnico que el instinto que definió su carrera, la Hermana Parish trajo a Hadley a su equipo en 1962. Parish-Hadley Associates rediseñó los hogares de las familias de élite de los Estados Unidos durante décadas y es mejor conocido por redecorar las viviendas de la Casa Blanca Kennedy, así como las casas privadas de la familia Kennedy. Después de la muerte de Parish, Hadley continuó trabajando más allá de mediados de los 80 en proyectos que incorporaban una interesante mezcla de estilos de diseño a diferencia de cualquier otro diseñador de su generación.
DOROTHY DRAPER
Anunciada durante mucho tiempo como la Coco Chanel del mundo de la decoración, los diseños de Dorthy Draper eran vibrantes, suntuosos, alegres y llenos de personalidad. Las habitaciones que diseñó tenían una paleta de colores sobria de blanco y negro clásico, mientras que otras resaltaban los patrones gráficos de gran tamaño y sus combinaciones de colores técnicos potentes de tonos rosas y verdes, turquesas y cítricos. Primo de Sister parish, Draper fue el primer decorador de interiores comercial documentado, habiendo establecido la primera firma oficial de diseño de interiores, Architectural Clearing House, en 1923.
» Casi todo el mundo cree que hay algo profundo y misterioso o que tienes que conocer todo tipo de detalles complicados sobre los períodos antes de poder levantar un dedo. La decoración es pura diversión.: una delicia en el color, una conciencia de equilibrio, una sensación de iluminación, un sentido del estilo, un entusiasmo por la vida y un divertido disfrute de los accesorios inteligentes del momento», escribió en su libro de 1939 ¡Decorar es divertido!
Nombrada la creadora de tendencias más influyente de Estados Unidos en 1960, Draper prestó su legendario estilo «barroco moderno» a varios edificios emblemáticos, incluido el comedor del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los hoteles Fairmont y Mark Hopkins en San Francisco y, lo que es más impresionante, una revisión completa del Hotel Greenbrier en Virginia Occidental, que todavía parece casi casi 70 años después.
DAVID HICKS
Originalmente un ilustrador publicitario independiente en Londres, la carrera de decoración de David Hicks despegó después de que una revista cubriera el cambio de imagen que hizo en la casa de sus padres.
Hicks rompió el molde y se opuso a las prácticas de decoración inglesas tradicionalmente congestionadas y pretenciosas y se convirtió en un maestro de mezclas inesperadas pero cohesivas. Sus eclécticos interiores a menudo presentaban una yuxtaposición distintiva de colores desenfrenados, patrones, fabricaciones y estilos de diseño que eran hazañas atractivas e impresionantes.
Un querido mundo del diseño en la década de 1960, sus proyectos más notables incluyeron habitaciones para el Príncipe Carlos y la Princesa Ana y una discoteca chispeante en un transatlántico y un yate para el rey Fahd de Arabia Saudita. En la década de 1970, Hicks comenzó a producir papeles pintados, telas y ropa de cama para sus boutiques de diseño repartidas por ocho países.
BILLY BALDWIN
Aunque era famoso por su enfoque integral del diseño de interiores, Billy Baldwin detestaba el término «diseñador de interiores», optando por ser referido como «decorador», su título preferido. Creía que los buenos huesos de las habitaciones eran un principio superior, junto con la calidad y la comodidad como clave.
» Siempre he creído que la arquitectura es más importante que la decoración. La escala y la proporción dan una satisfacción eterna que no se puede lograr solo con glasear el pastel», dijo el famoso.
Sus interiores eran nítidos e impecables, y a diferencia de sus contemporáneos, trabajó con los muebles existentes del cliente y los reutilizó con un impulso instintivo. Desde una renovación notable del apartamento Waldorf Towers de Cole Porter hasta el complejo Skorpios de Jackie O’, hasta la sala de estar de Red Park Avenue de Diana Vreeland, la meticulosa atención a la escala y la proporción fueron una fuerza impulsora para Baldwin. Un maestro de la decoración práctica salpicado de tonos audaces, grabados y una curaduría bien juzgada, un estudio de la obra de Baldwin demuestra cuán relevante sigue siendo su trabajo hasta el día de hoy.
