med erhvervet som interiør design stueur i på lidt over 100 år gammel, vi ser på rødderne af interiør design historie og de syv legendariske dekoratører, der gjorde et navn for sig selv som industrien begyndte at vinde momentum i begyndelsen af 1900-tallet. fra de gamle egyptere til daggry af moderne design og indretning, her er alt hvad du behøver at vide.

det kan virke lidt elementært, men lad os starte med det grundlæggende i indretningstjenester. Indretning er defineret som kunsten og videnskaben om at forbedre det indre af et rum for at skabe et poleret og mere æstetisk tiltalende miljø. En indretningsarkitekt er en person uddannet til at udføre planer, forskning, koordinere og styre dekorative projekter med autoritet. Erhvervet inden for interiørdesign er varieret og inkluderer rumplanlægning, konceptuel udvikling, stedinspektioner, programmering, forskning, kommunikation med klienterne, projekt-og byggeledelse og selvfølgelig udførelsen af det ønskede design.

før erhvervet steg til fremtrædende plads, kom interiørdesign instinktivt ind for strengt at koordinere med bygningernes arkitektur. Erhvervet inden for interiørdesign kom med stigningen i middelklassesamfundet og den komplicerede arkitektur, der steg til popularitet under den industrielle revolution. Stræben efter at udnytte rummet bedst muligt sammen med opmærksomheden på brugernes trivsel og funktionelt design fortsætter med at skubbe udviklingen og livsforbedrende muligheder for dagens iteration om interiørdesignfaget. Når det er sagt, er erhvervet inden for interiørdesign tydeligt adskilt fra arbejdet hos en indretningsarkitekt, en moniker, der er mere almindeligt anvendt i hele USA. Udtrykket indretningsarkitekt er mindre almindeligt anvendt i Storbritannien, hvor erhvervet interiørdesign forbliver ureguleret og desværre endnu ikke betragtes som et officielt erhverv den dag i dag.

så langt tilbage som det gamle Indien plejede arkitekter at fordoble sig som indretningsarkitekter for fuldt ud at udvikle deres komplette vision. Dette kan ses fra referencer af arkitekt Vishvakarma-en af guderne fremhævede i indisk mytologi. Disse referencer indeholder skulpturer, der illustrerer gamle tekster og begivenheder set i paladser bygget i det 17.århundrede Indien.

i hele det gamle Egypten blev “sjælehuse” eller modeller af huse begavet i Grave som skibe til Madoffer. Fra disse stemningsfulde pyntegjenstander er det muligt at dechiffrere signaler om indretningen af forskellige boliger gennem flere Egyptiske dynastier, herunder opdateringer til ventilation, portikoer, søjler, loggier, vinduer og døre.

gennem det 17.og 18. århundrede og ind i den første del af det 19. århundrede var interiørdekoration en eksklusiv bekymring henvist til hjemmegående eller en professionel polstring eller håndværker, der sikkert kunne rådgive baseret på deres kunstneriske øje for et hjems indretning. I øvrigt ville arkitekter også henvende sig til håndværkere og håndværkere for at skabe indretning til deres bygninger.

udøvelsen af interiørdesign går tilbage til de gamle egyptere, der dekorerede deres naive mudderhuse med grundlæggende møbler forstærket af dyreskind, enkle tekstiler, grafiske biografiske og åndelige vægmalerier, skulpturer og malede urner. Udsmykkede guldpynt fundet i egyptiske grave (såsom Kong Tutankhamens) og pyntegjenstander fremhævede behovet for mere markant rig dekoration for at symbolisere de mere velhavende og magtfulde egyptere.

romerske og græske civilisationer avancerede den egyptiske kunst til interiørdesign og tilbehør ved at fejre borgerlig stolthed gennem deres opfindelse af offentlige bygninger med kuplet tag. For deres hjem, udførlige græske træmøbler indeholdt indviklet elfenben og sølvdekoration, mens romerne koncentrerede sig om at gifte sig med skønhed og komfort, med begge civilisationer hjem interiør designet til at afspejle rigdom og social og politisk status. Romerske møbler blev ofte lavet af sten, marmor, træ eller Bronse og blev gjort behagelige via puder og udtryksfulde gobeliner. For at hæve deres hjem bragte både romere og Grækere vaser ind og skabte fascinerende mosaikgulve og vægmalerier og fresker for at gøre deres rum unikke for dem.

efter denne periode med dekorativ udsmykning var der en pludselig bevægelse til nøjagtighed på grund af de dystre igangværende krige i hele middelalderens Europa og fremkomsten af den kristne kirke. Opfundet den mørke middelalder med god grund, interiør design historie af den æra featured dystre træpaneler, minimal og udelukkende praktiske møbler, og sten-slab gulve. Selv rigere lånere i æraen holdt sig til dæmpede, nøgterne farver, når de tilføjede dekorative ekstramateriale som gobeliner og murværk.

efter den mørke middelalder blev europæerne igen inspireret til at introducere farve og dekorativ udsmykning i deres hjem. I løbet af det 12.århundrede, mørkt romantisk gotisk stil blev skabt for at udnytte naturligt lys og frisk populært åbent interiør bedst muligt.

gennem det 15.og 16. århundrede, den franske renæssance startede en fornyet fokus på kunst og kreativitet i indretning. Datidens arkitekter begyndte at skabe hjem med betydelige dekorative noter inklusive marmorgulve, udsmykkede indlagt træværk, malerier, og møbler lavet med de fineste materialer. Et hurtigt kig på epoker kongelige paladser, villaer og kapeller er sikker på at fremhæve det bedste af renæssancens indretning.

efter renæssancen tog indviklede og komplekse italienske barokke designs fat i Europa. Versailles-paladset i Frankrig gjorde for eksempel bemærkelsesværdig brug af barokke interiørdesignelementer som farvet marmor og sten, farvet glas, udsmykkede malede lofter og spiralformede søjler. I det 18.århundrede gjorde Europæiske indretningsarkitekter Rococo-stil stadig mere populær, mens de tog indflydelse fra Asiatisk stentøj, blomsterprint og møbler indlagt med eksotiske detaljer som elfenben og perlemor. Derefter kom det neoklassiske udseende i slutningen af det 18.århundrede, et fjernt tag på de berømte designelementer, der findes i det gamle Rom med dets brug af strålende farvet silke, satin, og fløjl.

fra begyndelsen af 1800-tallet og frem blev der ofte fundet mere frihed og eklekticisme i indretning i Europa og Amerika. Og i løbet af de næste to århundreder, en række innovative og moderne interiørdesignbevægelser ville komme og gå ud af stil, da tiderne ændrede sig, herunder Art Deco, Art Nouveau, victoriansk, og industriel Bauhaus-stil. Det 19.århundrede oplevede dog det ultimative inden for påskønnelse og popularisering af interiørdesign. Ikke længere eksklusivt for kongelige forbindelser og hjem for velhavende borgere, mulighederne for livsforbedrende indretning begyndte at nå kritiske masser i den senere del af 1800-tallet.

og i det 20.århundrede blev funktionalitet en nøglekomponent i tilgangen til indretning, da den voksende tilstedeværelse af husholdningsapparater som komfurer, vaskemaskiner og fjernsyn førte til en ny udfordring for indretningsarkitekter, der måtte designe rum med mere end æstetiske grunde i tankerne.

og da det 20.århundrede vendte, begyndte designere og adskillige publikationer i stigende grad at besejre det hold, som store eksklusive detailforretninger havde på indretningens verden. Før det producerede den feministiske engelske forfatter Mary en række populære essays i 1880 ‘ erne, hvor hun latterliggjorde spændingen hos en håbefuld klasse af borgerfolk, der ønskede at indrette deres hjem hurtigt omkring de strenge, men intetsigende grænser, der blev tilbudt dem ved at diktere detailforretninger. Hendes svar var, at folk skulle gribe muligheden for at skabe et bestemt tag på en designstil, der er unikt skræddersyet til at imødekomme deres behov og livsstil. “En af mine stærkeste overbevisninger og en af de første kanoner med god smag er, at vores huse, ligesom fiskens skal og fuglereden, burde repræsentere vores individuelle smag og vaner,” skrev hun.

den langsomme overgang til dekorativ kunst, der ses som et individuelt kunstnerisk erhverv bortset fra sælgerens visdom, der tilbydes af producenter og detailhandlere, blev styrket i 1899 med lanceringen af Institute of British Decorators; med John Dibblee Crace fungerer som dets præsident. Instituttet repræsenterede over 200 indretningsarkitekter rundt om i landet. Og i 1915 London Directory oplevede en øget liste over 127 personer, der arbejder som professionelle indretningsarkitekter, hvoraf kun 10 var kvinder. Rhoda og Agnes Garrett var de første registrerede kvinder, der blev coachet professionelt som hjemmedesignere i 1874. Betydningen af deres design arbejde blev anset på det tidspunkt at være parallel med den legendariske interiør maestro Vilhelm Morris. I 1876 cementerede deres guide – forslag til husdekoration i maleri, træværk og møbler – deres autoritet yderligere og spredte deres syn på kunstneriske interiørdesignmetoder til en design sulten middelklasse.

“indtil for nylig, når en mand ønskede at fremlægge han ville besøge alle forhandlerne og vælge stykke for stykke af møbler ….I dag sender han efter en forhandler inden for kunstmøbler og inventar, der undersøger alle rum i huset, og han bringer sit kunstneriske sind til at huske på emnet,” som den illustrerede Tømrer og bygherre skrev i 1900.

tilbage i Amerika, Candace hjul, betragtes som en af de første kvindelige indretningsarkitekter, tilskyndet en helt ny tage på amerikansk indretning. Hun var en nøglefigur i udviklingen af de første interiørdesignkurser for kvinder i en række store amerikanske knudepunkter og blev fejret som den endelige autoritet på home D. En anden fremtrædende indflydelse på det nyligt kategoriserede erhverv D. kr. var udsmykningen af huse, en meget læst og konsulteret guide til indretning skrevet af Edith Kaarton og Mesterarkitekt Ogden Codman i 1897 stateside. I den populære bog, forfatterne anså victoriansk stil interiør d kurscor og indretning irrelevant. Ikke længere levedygtige var kulden, mørk, og humørsyg hjem dekoreret med tunge møbler, victoriansk tilbehør og tuftede, overstuffed siddepladser. De anså designstilen for at have lagt for meget vægt på polstrede møbler i stedet for fornuftig rumplanlægning og arkitektoniske detaljer, hvilket gør værelser kedelige, ubehagelige, uberørbare og derfor alt for dyrebare. Deres bog er stadig betragtes som en skelsættende øjeblik og deres succes fremdrives fremkomsten af professionelle indretningsarkitekter vedtage lignende holdninger.

som du kan se, er indretningens verden kommet en bemærkelsesværdig måde, da de gamle egyptere som designere i dag har ubegrænset adgang til en uendelig mængde designbevægelser, møbelstilarter og påvirkninger fra fortiden. Men det er virkelig de syv indretningsarkitekter, vi fokuserer på her, der virkelig ændrede den måde, vi nærmer os indretning til det bedre.

tidslinje for interiørdesign:

stenalder 6000 til 2000 F.kr.

det første tegn på en tilgang til interiørdesign blev bemærket i forhistoriske boliger med flora og fauna. Disse boliger var lavet af mudder, dyreskind og pinde.

neolitisk Europa 2000 til 1700 f.kr.

I kommer det første definerede håndlavede keramik, der blev brugt af både praktiske og dekorative grunde.

det gamle Egypten 2700

stigningen af kongelige familier så for første gang mennesker, der bor i strukturer udover mudderhytter. De nye strukturer pralede vægmalerier, der skildrede deres historie og tro. Og de havde grundlæggende møbler og pyntegenstande som vaser og skulpturer – set for første gang.

det græske imperium 1200 til 31 f.kr.

fremskridt inden for civilisation og livsstil så borgere dekorere deres hjem i deres egen unikke stil for første gang nogensinde med rigere grækere, der besidder møbler indlagt med udsmykkede elfenben og sølvdetaljer. Ikoniske søjler og søjler med udsagn var nøglemotiver i denne æra, og grækerne skabte også standardregler og procedurer for bygningskonstruktion.

Romerriget 753 f.kr. til 480 e. kr.

en barsk alder, hvor kongelige ikke var i stand til at fremkalde deres rigdom blot gennem deres hjem. Romerne dekorerede deres hjem med vægmalerier og mosaikker, og møbler indeholdt kløede fødder.

de mørke aldre 900 til 1500

de mørke aldre oplevede uinteresse i interiørdesign med folk, der valgte enkle paneler af trævægge, minimale møbler og stenpladegulve.

det bysantinske Imperium 500 til 1500

i denne periode tog grande kupler og dekadent D.

renæssanceperioden 1400 til 1600

skønheden i interiørdesign var et vigtigt træk i renæssanceperioden med storslåede møbler og kunst realiseret i livlige nuancer og luksuriøse tekstiler som silke og fløjl sammen med marmoroverflader. Og da tæpper var for dyrebare og dyre for selv de rigeste af lånere, blev de brugt som vægkunst, når det var muligt.

gotisk 1140 til 1400

som svar på den mørke middelalder var dekorativ ornamentik og dristige farver igen fremtrædende interiørdesignfunktioner. To kendetegn ved den æra, der er overført til i dag, er flere vinduer til lysere hjem sammen med åbne grundplaner.

barok 1590 til 1725

prangende og ultrarige kunstneriske elementer lavet til en opskrift på overdådige interiørdesign med farvet glas, snoede søjler, farvet marmor, malede lofter og forgyldte spejle og overdimensionerede lysekroner.

traditionel 1700 til i dag

legemliggjort af en formel ånd, traditionel indretning er stadig en grundpille til denne dag. Traditionelt interiørdesign er et bredt udtryk, der fremhæver forskellige designstilarter og bevægelser, der ikke er spikret ned til en låst retning eller ånd.

traditionelt design fejrer fortidens berømte, rige historie ved at kontrastere den med bestemt moderne elementer for et elegant spin på smukt design, mens man fremhæver europæisk indretning fra det 18.og 19. århundrede. Det er en tidløs designstil, der fremkalder let glamour og komfort og er en fantastisk retning for dem, der sætter pris på antikviteter, klassisk kunst, symmetri og design rig på historie.

rokoko 1700

en hyper elegant og overdådigt detaljeret design stil tager stikord fra Botaniske silhuetter, rokoko interiør design featured unikke elementer som skildpadde shell og perle dekorationer sammen Asiatisk porcelæn.

den industrielle Revolution 1760 til 1820

gennem den industrielle Revolution var interiørdesign tilgængeligt for et bredere publikum og var lettere at få adgang til for den generelle befolkning end nogensinde før. Dette skyldes i vid udstrækning lettere udskrivningsprocesser, der skaber en bred distribution af mode-og livsstilspublikationer og det faktum, at luksusartikler blev mere og mere opnåelige.

neoklassisk stil 1780 til 1880

med inspiration fra antikke græske og romerske kulturer til arkitektoniske detaljer og motiver er denne æra så møbler stærkt afhængige af brugen af Bronse og guldmetaller og bløde møbler med silke, fløjl og satin. Tendensen med at matche tapet og møbler tog også fat.

tropiske 1880 ‘ er til i dag

da det britiske imperium fejede gennem lande som Indien og territorier som Vestindien, kombinerede de indretningselementer fra deres hjemland og de regioner, de besatte for at skabe en berusende blanding af det traditionelle og det ekstoiske.

æstetisk bevægelse 1800 ‘erne til i dag

med’ kunst for kunstens skyld ‘ i tankerne var den æstetiske bevægelse en måde for radikaler at udtrykke deres modvilje mod nuværende, træt interiørdesign. Nøglen her var i praktisk og funktion, der tog betydning før skønhed.

toscanske 1840 ‘ s til i dag

tager en cue fra den charmerende og beroligende natur Toscana i Italien, fokus for indretning i denne periode var af ligetil enkelhed med antydninger af luksus for god foranstaltning.

kunst & håndværk 1860 til 1910

for at fremhæve deres modstand mod masseproducerede almindelige genstande på grund af innovationerne i den industrielle Revolution henvendte folk sig til traditionelt håndværk og klassiske elementer for at producere møbler.

rustik 1870 ‘ s til i dag

rustik indretning funktioner håndlavede møbler og store, åbne værelser med træbjælker og søjler.

rustik indretning giver den perfekte kombination af trøstende, problemfri design og praktisk, funktionel indretning, sammensat for at skabe et varmt rustikt interiør. Naturlige materialer fungerer som fundament og udgangspunkt for at skabe misundelsesværdig rustik boligindretning, der fejrer den autentiske skønhed af naturlige materialer for at skabe et hyggeligt, smukt rum.

modernismen 1880 – 1940

den modernistiske bevægelse understregede enkelhed, klarhed i form og afvist støj i design. Nogle af bevægelsens førende figurer inkluderer Mies van der Rohe, Le Corbusier, og Eero Saarinen, hvis underskrifter set i hans evigt populære Saarinen-bord og Saarinen-stol er indbegrebet af designstilen.

Art Nouveau 1890 til 1920

entusiasmen bag Art Nouveau-bevægelsen var at bringe naturlige silhuetter afledt af botaniske elementer, der lånte æraen sin underskrift buede linjer og organiske former.

Colonial Revival 1905 til i dag

populær i USA og ansporet af hundredeårsdagen, fandt Colonial Revival inspiration fra de neoklassiske og georgiske historiske stilarter. Langt den mest populære stil i tiden op til anden verdenskrig, nogle mener, at lanceringen af bilen hjalp med at udløse folks interesse for historiske referencer, da de frit kunne besøge dokumenterede vartegn.

eklektisk 1900 til i dag

nogle historikere peger på stigningen i behov for indretningsarkitekter, der forstod, hvordan man blandede forskellige designstilarter med autoritet til den kraftige stigning af designere i branchen, da eklektisk stil overtog æstetisk inspiration.

eklektisk stil handler om harmoni og sammenkomst af forskellige stilarter, sammenstilling af teksturer og kontrasterende farver for at skabe et sammenhængende, smukt realiseret rum, der ikke ville være ude af sted i et hjem d-magasin, da dette er en designstil, der tager verve og et godt øje. Og da eklektisk interiørdesign handler om eksperimentering og leg, skal du have det sjovt med den frihed, det tillader.

moderne 1918 til 1950

med fokus på sparsomt interiør og dristige primærfarver undgik moderne interiørdesign den typisk udsmykkede og overindrettede designæstetiske trend på det tidspunkt.

Bauhaus 1920 – 1934

fejret den dag i dag for sine storslåede, men alligevel minimale og smukt udførte bevægelser og grundlagt af den tyske arkitekt Bauhaus, der også skabte Bauhaus school of art and design i Tyskland, producerede bevægelsen hurtigt nogle af de mest indflydelsesrige arkitekter, billedhuggere, grafiske designere, møbelproducenter og designmavericks fra midten til slutningen af det 20.århundrede.

Land 1920 til 1970

med noter løftet fra traditionelle bondegård indstillinger, land stil var praktisk, men med kvalitet, vintage inspireret møbler.

dagens tag på den moderne landstil af indretning er en idyllisk klassiker. Stepping væk fra en rent traditionel land design stil; moderne land giver mulighed for mere legende og nuancerede aspekter sammen med minimale noter.

Art Deco 1920 ‘ erne til 1960

denne bevægelse har en berusende blanding af designstilarter fra det tidlige 20.århundrede, herunder konstruktivisme, Kubisme, modernisme, Bauhaus, jugendstil og futurisme. En af de mest kendte indretningsstilarter, Art Deco repræsenterede modernitet, hverdagens glamour og elegance. Æraen var stærkt afhængig af rene linjer, problemfri vinkelformer, fed farve og stiliserede mønstre som siksaks og optiske figurer. For ekstra glamour var udsmykkede udsmykninger og metalliske overflader også kendetegnende for æraen.

materialer, der anvendes i art deco-indretning, er glatte og reflekterende til hverdagens glamour i hjemmet. Masser af metallics er til stede i denne stil; fra guld til sølv, rustfrit stål og krom. De giver ethvert værelse en elegant og luksuriøs fornemmelse, og de kan bruges overalt. Forestil dig en moderne art deco stue med et glas toppet guld sofabord, krom lamper, og en fed geometrisk mønstret tæppe i sort, guld, og hvid. Glas er også et ofte brugt materiale i art deco-design; hvad enten det er gennem spejle, borde med glas, skulpturelle elementer eller en art deco-vase eller lampe, da glas tilføjer den elegante fornemmelse af et art deco-rum.

Middelhavet 1920 ‘ erne til i dag

for at fremkalde følelsen af kystnære europæiske lande blev teksturer fra terrakotta, sten og mønstrede fliser stærkt præsenteret sammen med smedejern og akvatiske nuancer.

surrealisme 1925 til 1930

surrealister som berømte kunstnere inkluderede Salvador Dali, Andr Larra Breton og maks Ernst brugte denne avantgardebevægelse til at befri folk fra deres foreninger af, hvad der var normalt og i sidste ende forudsigeligt inden for design, musik, kunst og endda interiørdesign.

Mid-Century Modern 1930 ‘s to Today

selvom udtrykket mid century modern ikke blev opfundet før midten af 80′ erne, og selvom ingen virkelig ved, at det er sandt tidslinje, repræsenterer æraen en kombination af praktisk efter Anden Verdenskrig, 50 ‘s era optimisme, 60’ s era earthiness og 70 ‘ s era toner og teksturer pænt indpakket i en stilfuld ode til skandinavisk enkelhed.

Kald det en reaktion på dekadence og forgyldt pyntet stuffiness af indretning og arkitektur gennem til 40 ‘ erne, hvis du vil, som på tidspunktet for dens begyndelse, midten århundrede moderne indretning var en komplet tilbagevisning og genstart for sanserne.

stemningen er frisk og valmue, retro-farvet og helt lokkende med sin dedikation til komfort og praktisk indpakket i smukt design, der aldrig går ud af stil. I modsætning til andre æstetiske bevægelser er Mid century modern decor strømlinet i design, da form følger funktion, mens de fremhæver de anvendte materialer snarere end at gøre dem til noget, de ikke er.

Scandinavian Modern 1930 ‘ erne til i dag

denne bevægelse fremhæver dyderne ved smukke designede, praktiske genstande, der både er let overkommelige og tilgængelige, hvorfor bevægelsen forbliver populær den dag i dag.

Scandinavian interior design er en designbevægelse, der er kendetegnet ved fokus på funktionalisme og enkelhed. Det inkluderer også brugen af naturlige materialer, såsom læder, træ og hamp. Desuden er en skandinavisk indretning ofte påvirket af en forbindelse til naturen, der kombinerer naturlige former, abstraktion og brugen af naturlige elementer.

Transitional 1950 ‘ s to Today

med opfindelsen af fjernsynet og dets fremtrædende plads i de fleste hjem i hele USA hjalp indretningen af sæt med at fodre massernes appetit på D luscor mere end nogensinde.

overgangsstil refererer til en blanding af traditionelle og moderne møbler, fabrikationer og dekorative funktioner, der giver dig mere frihed, når du ønsker at dekorere dit hjem med lethed, da der ikke er nogen ende på de retninger, du kan tage designstilen. I det væsentlige er overgangsindretning kombinationen af forskellige designstilarter samlet samtidigt for at skabe et sammenhængende design i et rum.

postmodernisme 1978 – i dag

denne bevægelse blev født som en udfordring for, hvad folk så som den modernistiske bevægelses generiske blandhed. En af dens hovedpersoner var italiensk arkitekt og designer Ettore Sottsass, med hans underskrift legende former, abstrakte udskrifter, og kraftfulde farvehistorier.

moderne 1980 ‘ er til i dag

moderne interiørdesign er klassisk, men alligevel grundigt af øjeblikket og tidløst takket være en lyshåndet, ekstra tag på dekoration for at sikre, at den aldrig føles dateret.

mens moderne indretning kan føles kold, begrænsende og åbenlyst minimal, er moderne stil beroligende og rolig og er krydret med fokus på arkitektoniske elementer, dekorative detaljer, opmærksomhed på dristige skalaer og en kortfattet farvepalet for at skabe et varmt rum med let sofistikering.

enkelhed, rene linjer, spiller på tekstur og stille drama er grundlæggende for at opnå et perfekt afbalanceret moderne stil hjem.

ELSIE de ulve

indvarslet som “Amerikas første indretningsarkitekt” var Elsie de ulves liv lige så overdådigt som de værelser, hun dekorerede, som hun er afbildet ovenfor i Elsa Schiaparellis ikoniske forgyldte starburst haute couture-frakke. Den legendariske de Ulfe kan prale af en biografi, der er lige så vildt romantisk og eventyrlysten. Efter at være uddannet i Skotland og præsenteret ved retten i Dronning Victoria, vendte hun tilbage til USA og blev skuespillerinde, hvor hun delte et unikt “Boston-ægteskab” (et udtryk for to enlige kvinder, der bor sammen fra Henry James ‘ s Bostonians) med succesrig litterær agent og elsker Elisabeth Marbury.

hendes scenestil og kostumer—couture—tøj fra Paris-gjorde hende til en indflydelsesrig smagsmager blandt tilskuere i sit publikum og førte hende til at blive kendt som den bedst klædte kvinde i verden. Hendes første strejftog i interiørdesign var en total undgåelse af den mørke og rugende victorianske d larcor i det hjem, hun og Marbury delte. Efter at hun med succes genoprettede deres bolig ved at decluttere, forenkle og minimere det stærkt ornamenterede interiør, blev hun den første indretningsarkitekt, der fik en designkommission.

denne kommission skulle dekorere byens første elite sociale klub for kvinder, den berømte Colony Club—med en række bemærkelsesværdige medlemmer med efternavne, herunder f.eks. Hun blev hurtigt den mest populære indretningsarkitekt i sin tid, og i 1913 udgav hun den første indretningsbog, “the House in Good Taste.”

hun fejrede det uventede ved at blande dyreprint med Chinoiserie, havde en affinitet for Regency og Chippendale stilarter såvel som sort-hvide farveskemaer og var en pioner for at repræsentere farven beige i D.

hendes mest bemærkelsesværdige projekter inkluderer hjem til Condrius Nast, Fricks og Hughes. Hendes Anti-victorianske holdning og lysere, luftigere, og mindre komplicerede og mere minimalt sindede, raffinerede værelser forbliver populære den dag i dag.

JEAN-MICHEL FRANK

det bør ikke komme som nogen overraskelse, at kunstnere rutinemæssigt finder inspiration fra verden omkring dem, og det er let at forestille sig den berusende effekt af Paris fra 1930 ‘ erne på den mest berømte dekoratør og indretningsarkitekt i tiden, Jean-Michel Frank. Heldig for ham var hans projekter ofte centreret omkring at placere Picassos og bremser i de rum, han dekorerede, og hans besætning af indflydelsesrige venner omfattede alle fra parisiske kunstnere på venstre bred som Man Ray og socialites som Rockefellers.

betragtes som en minimalistisk med en rig bøjning, hans lagdeling af guddommelig maksimalisme gør hans arbejde desto mere spændende og inspirerende. Som møbeldesigner, hans silhuetter blev pareret ned og subtile og færdig med luksuriøse detaljer. Tænk på indviklede glimmerskærme, bronsdøre, tilbehør lavet af kvarts, og serien med shagreen-dækkede møbler og fåreskindsklubstole, han designede til den sagnomspundne luksusvareproducent Herm Karts. Hvid var en go-to signaturskygge af hans, som han samtidig fik til at se både ekstra og kompleks ud. Frank krediteres også for at designe et af de mest ikoniske minimalistiske møbler i historien—Parsons—bordet-som han ofte ville dække med de mest luksuriøse finish.

sammen med et studeret øje for godt design og et instinkt for den bedste kvalitet tog Frank elementer i det daglige liv for at få et rum til at føle sig mere tilgængeligt, indbydende og realistisk. I dag bliver hans arbejde fortsat fejret på museer, hans møbler skaber rekordstore auktioner, og du kan endda købe reproduktioner af hans mest ikoniske stykker designet til Herm Kriss.

SISTER PARISH

Sister Parish er kendt for sin kloge tage på overbærende smag og krediteres med at skabe det amerikanske land look, en af de mest varige design stilarter i det sidste halve århundrede. Født i privilegium og stamtavle, Parish amerikanske land udseende blev realiseret fra hendes tage på engelsk land, omend med mere varme, karakter, og en homespun og charmerende appel.

hun begyndte sin karriere som en uuddannet husmor, der dekorerede sit hjem med stor fanfare. Efter at have fanget øjet hos andre husmødre i det høje samfund, der bestilte hende til at omstille deres eget hjem, Hadley noterede sig behovet for overkommeligt design under den store Depression og fakturerede sig selv som en “budgetdekorator” for dem, der ønsker at opdatere deres hjem i de udfordrende økonomiske tider i æraen.

hendes dekorative stil var en total afvisning af sin fars samling af tunge, mørke antikviteter, da hun lænede sig mere mod feminine tikkende striber, glaserede bomuld, dyner, hooked tæpper og uformelle overstuffed lænestole, mens hun inkorporerede elementer fra fortiden.

“Innovation er ofte evnen til at nå ind i fortiden og bringe tilbage, hvad der er godt, hvad der er smukt, hvad der er nyttigt, hvad der varer.”

hendes designs var romantiske, varme og elegante for klienter som Brooke Astor, men alligevel var hun kendt for sin kaustiske, skræmmende figur og utilgivelige vurderinger af hendes klients rum.

Parish design firma så mange indflydelsesrige designere gøre et navn for sig selv ved siden af hende, herunder den legendariske Albert Hadley, som hun arbejdede sammen med for nogle 30-plus år—deres professionelle forhold er ofte menes at være en af de mest succesfulde samarbejdspartnerskaber i verden af interiører til denne dag.

ALBERT HADLEY

krediteret som far til overgangsindretning, fejret for sin mesterlige parring af glamour og funktionalitet og ofte omtalt som “dekanen for amerikanske dekoratører”, Albert Hadleys projektportefølje pralede høje samfundsnavne som Rockefeller, Astor, Getty og Mellon.

men for Hadley fandt højt profilerede navne aldrig sted over strålende design. “Navne er virkelig ikke pointen,” sagde han til magasinet Ny York i 2004. “Det er hvad du kan opnå for den enkleste person. Glamour er en del af det, men glamour er ikke essensen. Design handler om disciplin og virkelighed, ikke om fantasi ud over virkeligheden.”

født i Tennessee flyttede Hadley til Ny York City efter at have tjent i Anden Verdenskrig, hvor han studerede og underviste på Parsons School of Design og blev kendt for sin moderne sindede D. Han skabte dygtigt berusende blandinger af designstilarter med et mantra centreret omkring ideen om “aldrig mindre, aldrig mere.”

på udkig efter en slags partner med mere teknisk talent snarere end det instinkt, der definerede hendes karriere, bragte søster Parish Hadley på sit hold i 1962. Parish-Hadley Associates genoprettede hjemmene til Amerikas elitefamilier i årtier og er bedst kendt for at redecorating boligkvarteret i Kennedy Hvide Hus, såvel som Kennedy-familiens private hjem. Efter Parish ‘s bortgang fortsatte Hadley med at arbejde godt forbi midten af 80’ erne på projekter, der indarbejdede en interessant blanding af designstilarter i modsætning til enhver anden designer i hans generation.

DOROTHY DRAPER

længe indvarslet som Coco Chanel i dekorationsverdenen var Dorthy Drapers design frygtløst levende, overdådige, glade og fulde af personlighed. Værelserne hun designet havde enten en behersket farvepalet af klassisk sort og hvid, mens andre fremhævede overdimensionerede grafiske mønstre og hendes punchy Technicolor kombinationer af pink og grønne, turkis, og citrus nuancer. En fætter til Sister parish, Draper var den første dokumenterede kommercielle indretningsarkitekt, efter at have etableret det første officielle interiørdesignfirma, Architectural Clearing House, i 1923.

“næsten alle tror, at der er noget dybt og mystisk ved, eller at du skal kende alle mulige komplicerede detaljer om perioder, før du kan løfte en finger. Det gør du ikke. udsmykning er bare sjovt: en glæde i farve, en bevidsthed om balance, en følelse af belysning, en følelse af stil, en livsglæde og en moret nydelse af det smarte tilbehør i øjeblikket,” skrev hun i sin bog fra 1939 udsmykning er sjovt!

Draper blev udnævnt til den mest indflydelsesrige smagsmager i Amerika i 1960 og lånte sin legendariske signatur “moderne barok” stil til flere ikoniske bygninger, herunder spisesalen på Metropolitan Museum of Art, Fairmont og Mark Hopkins hotels i San Francisco, og mest imponerende en komplet revision af Greenbrier Hotel i vest Virginia – som stadig ser au currant 70-plus år senere.

DAVID HICKS

oprindeligt en freelance reklame illustrator i London, David Hicks udsmykning karriere tog fart efter et magasin dækkede spillet skiftende makeover han gjorde på hans forældres hjem.

Hicks brød formen og gik imod traditionelt indelukket og prætentiøs engelsk dekorationspraksis og fortsatte med at blive en mester i uventede, men alligevel sammenhængende blandinger. Hans eklektiske interiør indeholdt ofte en tydelig sammenstilling af oprørske farver, mønstre, fabrikationer og designstilarter, der var lokkende og imponerende bedrifter.

en designverden elskede i 1960 ‘ erne, hans mest bemærkelsesværdige projekter omfattede værelser til prins Charles og Prinsesse Anne og en mousserende natklub på en ocean liner og yacht til Kong Fahd af Saudi-Arabien. I 1970 ‘ erne begyndte Hicks at producere signaturtapet, stoffer og sengetøj til sine designbutikker spredt over otte lande.

BILLY Balduin

skønt han blev fejret for sin omfattende tilgang til indretning, afskyede Billy Balduin udtrykket “indretningsarkitekt” og valgte at blive omtalt som en “dekoratør”, hans foretrukne titel. Han mente, at et værelse med gode knogler var et topprincip sammen med kvalitet og komfort som nøglen.

” jeg har altid troet, at arkitektur er vigtigere end dekoration. Skala og andel giver evig tilfredshed, som ikke kan opnås ved kun at glasur kagen,” sagde han berømt.

hans interiør var skarpt og fejlfrit, og i modsætning til hans samtidige arbejdede han med klientens eksisterende møbler og genbrugte dem med et instinktivt drev. Fra en bemærkelsesværdig opdatering af Cole Porters lejlighed til Jackie O ‘ S Skorpios-forbindelse til Diana Vreelands rigt lagdelte red Park Avenue-stue var omhyggelig opmærksomhed på skala og proportioner en drivkraft for Balduin. En mester i praktisk dekoration præget med dristige nuancer, udskrifter og velvurderet kuration, viser en undersøgelse af Balduins arbejde, hvor relevant hans arbejde forbliver den dag i dag.