s profesí interiérového designu, která se objevuje ve věku něco málo přes 100 let, se díváme na kořeny historie interiérového designu a sedm legendárních dekoratérů, kteří si udělali jméno pro sebe, protože průmysl začal nabírat na síle na počátku 1900. od starověkých Egypťanů po úsvit moderního interiérového designu, zde je vše, co potřebujete vědět.

může se to zdát trochu elementární, ale začněme se základy služeb interiérového designu. Interiérový design je definován jako umění a věda o vylepšení interiéru prostoru za účelem vytvoření leštěného a estetičtějšího prostředí. Návrhář interiérů je někdo vyškolený k provádění plánů, výzkumu, koordinaci a řízení dekorativních projektů s autoritou. Profese interiérového designu je různorodá a zahrnuje plánování prostoru, koncepční vývoj, inspekce staveniště, programování, výzkum, komunikaci s klienty, řízení projektů a staveb a samozřejmě provedení požadovaného návrhu.

než se profese dostala do popředí, interiérový design přišel instinktivně, aby se přísně koordinoval s architekturou budov. Profese interiérového designu přišla se vzestupem společnosti střední třídy a komplikovanou architekturou, která se během průmyslové revoluce stala populární. Snaha co nejlépe využít prostor, spolu s důrazem na uživatelskou pohodu a funkční design i nadále posouvá možnosti rozvoje a zlepšování života dnešní iterace v profesi interiérového designu. Bylo řečeno, profese interiérového designu je zřetelně oddělena od práce dekoratéra interiéru, přezdívka běžněji používaná v USA. Termín interiérový dekoratér je méně často používán ve Velké Británii, kde profese interiérového designu zůstává neregulované a bohužel, dosud považován za oficiální profese k tomuto dni.

již ve starověké Indii se architekti zdvojnásobovali jako návrháři interiérů, aby plně rozvinuli svou kompletní vizi. To lze poznamenat z odkazů architekta Vishwakarmy-jednoho z bohů vystupujících v indické mytologii. Tyto odkazy obsahují sochy ilustrující starověké texty a události viděné v palácích postavených v Indii 17.století.

v celém starověkém Egyptě byly“ domy duší “ nebo modely domů darovány v hrobkách jako nádoby pro nabídku jídla. Z těchto evokujících cetek, je možné dešifrovat narážky na interiérový design různých rezidencí v několika egyptských dynastiích, včetně aktualizací větrání, porticoes, sloupy, Lodžie, okna, a dveře.

v průběhu 17. a 18. století a do první poloviny 19. století bylo zdobení interiérů výhradním zájmem odsunutým do domácnosti nebo profesionálního čalouníka nebo řemeslníka, který mohl bezpečně poradit na základě svého uměleckého oka pro interiérový design domu. Mimochodem, architekti by se také obrátili na řemeslníky a řemeslníky, aby vytvořili interiérový design pro své budovy.

praxe interiérového designu se vrací ke starým Egypťanům, kteří zdobili své naivní bahenní domy základním nábytkem vylepšeným zvířecími kůžemi, jednoduchými textiliemi, grafickými životopisnými a duchovními nástěnnými malbami, sochami a malovanými urnami. Ozdobné zlaté ozdoby nalezené v egyptských hrobkách (například krále Tutanchamona) a cetky zdůraznily potřebu výrazně bohatší výzdoby symbolizující bohatší a mocnější Egypťany.

římské a řecké civilizace pokročily v egyptském umění navrhování interiérů a doplňků oslavou občanské hrdosti prostřednictvím svého vynálezu veřejných budov s klenutou střechou. Pro jejich domovy, propracovaný řecký dřevěný nábytek představoval složitou slonovinovou a stříbrnou výzdobu, zatímco Římané se soustředili na sňatek s krásou a pohodlím, s domácími interiéry obou civilizací navrženými tak, aby odrážely bohatství a sociální a politické postavení. Římský nábytek byl často vyroben z kamene, mramor, dřevo, nebo bronz, a byl vyroben pohodlně pomocí polštářů a výrazných tapisérií. Pozvednout své domovy, Římané i Řekové přinesli vázy a vytvořili fascinující mozaikové podlahy, a nástěnné malby a fresky, aby jejich prostory byly pro ně jedinečné.

po tomto období dekorativní výzdoby došlo k náhlému posunu k přesnosti kvůli ponurým probíhajícím válkám v celé středověké Evropě a vzestupu křesťanské církve. Vytvořil temné věky z dobrého důvodu, historie interiérového designu éry představovala pochmurné Dřevěné obložení, minimální a výhradně praktické vybavení, a podlahy z kamenné desky. Dokonce i bohatší patroni éry se drželi tlumených, střízlivé barvy při přidávání dekorativních doplňků, jako jsou tapiserie a kamenické práce.

po temném věku byli Evropané opět inspirováni k zavedení barev a dekorativních ozdob do svých domovů. Během 12. století, temně romantický gotický styl byl vytvořen tak, aby co nejlépe využíval přirozené světlo a čerstvě oblíbené otevřené interiéry.

během 15. a 16. století se Francouzská renesance začala znovu zaměřovat na umění a kreativitu v interiérovém designu. Architekti té doby začali vytvářet domy s podstatnými dekorativními poznámkami včetně mramorových podlah, zdobené vykládané dřevo, obrazy, a nábytek vyrobený z nejlepších materiálů. Rychlý pohled na éry královských paláců, vil a kaplí je určitě upozornit na to nejlepší z renesančního interiérového designu.

po renesanci se nad Evropou zmocnily složité a složité italské barokní vzory. Palác ve Versailles ve Francii například pozoruhodně využil barokní prvky interiérového designu, jako je barevný mramor a kámen, vitráže, ozdobně malované stropy, a spirálovité sloupy. Do 18. století, evropští návrháři interiérů učinili rokokový styl stále populárnějším a zároveň ovlivňovali asijské kameniny, květinové tisky,a nábytek vykládaný exotickými detaily, jako je slonovina a perleť. Pak přišel neoklasicistní vzhled konce 18. století, vzdálený pohled na slavné designové prvky nalezené ve starém Římě s použitím brilantně barevného hedvábí, satén, a samet.

Od počátku 1800 a dále, více svobody a eklekticismus byl často nalezen v interiérovém designu v Evropě a Americe. A v průběhu příštích dvou století, zabil inovativní a moderní pohyby interiérového designu by přijít a odejít z módy, jak se časy změnily, včetně Art Deco, Secese,viktoriánský, a průmyslový Bauhaus styl. 19. století však vidělo nejvyšší ocenění a popularizaci interiérového designu. Již výlučně královských sloučenin a domovů bohatých občanů, možnosti život zvyšující interiérový design začal dosáhnout kritické masy v pozdější části 1800.

a do 20.století se funkčnost stala klíčovou součástí přístupu k interiérovému designu, protože rostoucí přítomnost domácích spotřebičů, jako jsou kamna, pračky a televizory, vyvolala novou výzvu pro návrháře interiérů, kteří museli navrhovat prostory s více než estetickými důvody.

a jak se 20. století otočilo, začínající designéři a četné publikace stále více pracují na porážce držení velkých luxusních maloobchodních prodejen ve světě interiérového designu. Před tím, feministická anglická autorka Mary Haweis produkoval sérii populárních esejů v 1880, kde se zesměšňoval vzrušení ctižádostivé třídy buržoazních lidí, kteří chtějí rychle vybavit své domovy kolem přísných, ale nevýrazných hranic, které jim nabízejí diktováním maloobchodních prodejen. Její odpovědí bylo, že lidé by se měli chopit příležitosti při vytváření konkrétního stylu designu jedinečně přizpůsobeného jejich potřebám a životnímu stylu. „Jedním z mých nejsilnějších přesvědčení a jedním z prvních kánonů dobrého vkusu je, že naše domy, jako rybí skořápka a ptačí hnízdo, by měly reprezentovat náš individuální vkus a zvyky,“ napsala.

pomalý přechod k dekorativnímu umění, který je považován za individuální uměleckou profesi kromě moudrosti prodavače nabízené výrobci a maloobchodníky, byl posílen v roce 1899 založením Institutu britských dekoratérů; jeho prezidentem byl John Dibblee Crace. Institut zastupoval více než 200 interiérových designérů po celé zemi. A do roku 1915 se v londýnském adresáři objevil zvýšený seznam 127 osob pracujících jako profesionální dekoratéři interiérů, z nichž pouze 10 byly ženy. Rhoda a Agnes Garrett byly první zaznamenané ženy, které byly profesionálně trénovány jako domácí návrháři v roce 1874. Význam jejich projekční práce byl v té době považován za paralelní s legendárním interiérovým maestrem Williamem Morrisem. V roce 1876 jejich průvodce-návrhy na výzdobu domu v malbě, dřevě a nábytku-dále upevnil jejich autoritu a rozšířil svůj pohled na umělecké přístupy k designu hladové střední třídy.

„až donedávna, když chtěl člověk vybavit, navštívil všechny prodejce a vybral kus nábytku….Dnes posílá pro obchodníka s uměleckým nábytkem a vybavením, který zkoumá všechny místnosti v domě a přináší svou uměleckou mysl k tomuto tématu, “ jak napsal ilustrovaný tesař a stavitel v roce 1900.

v Americe Candace Wheelerová, považovaná za jednu z prvních návrhářek interiérů, povzbudila zcela nový pohled na Americký interiérový design. Byla klíčovou postavou při vývoji prvních kurzů interiérového designu pro ženy v řadě hlavních amerických center a v té době byla oslavována jako definitivní autorita pro domácí výzdobu. Dalším významným vlivem na nově kategorizované povolání výzdoby byla výzdoba domů, široce čtený a konzultovaný průvodce interiérovým designem napsaný Edith Wharton a hlavním architektem Ogdenem Codmanem v roce 1897. V populární knize autoři považovali interiér ve viktoriánském stylu a design interiéru za irelevantní. Již životaschopné byly studené, temný, a náladové domy zdobené těžkým nábytkem, viktoriánské doplňky a všívané, přeplněné sezení. Považovali styl designu, který kladl příliš velký důraz na čalouněný nábytek místo rozumného plánování prostoru a architektonických detailů, takže pokoje jsou ponuré, nepohodlné, nedotknutelné a pro ně příliš drahé. Jejich kniha je stále považována za klíčový okamžik a jejich úspěch vedl k vzestupu profesionálních návrhářů interiérů, kteří přijali podobné postoje.

jak můžete vidět, svět interiérového designu přišel pozoruhodným způsobem, protože Staří Egypťané jako návrháři dnes mají neomezený přístup k nekonečnému množství návrhových pohybů, stylů nábytku a vlivů z minulosti. Ale je to opravdu sedm interiérových designérů, na které se zde zaměřujeme, které skutečně změnily způsob, jakým přistupujeme k interiérovému designu k lepšímu.

historie interiérového designu časová osa:

Doba kamenná 6000 až 2000 před naším letopočtem

první známka přístupu k interiérovému designu byla zaznamenána v prehistorických obydlích s flórou a faunou. Tato obydlí byla z bláta, zvířecích kůží a klacků.

neolitická Evropa 2000 až 1700 před naším letopočtem

V přichází první definovaná ruční keramika, která byla použita z praktických i dekorativních důvodů.

Starověký Egypt 2700

vzestup královských rodin poprvé viděl lidi žijící v budovách kromě bahenních chatrčí. Nové struktury se chlubily nástěnnými malbami, které zobrazovaly jejich historii a přesvědčení. A měli základní vybavení a dekorativní předměty, jako jsou vázy a sochy-viděné poprvé.

Řecká říše 1200 až 31 před naším letopočtem

pokrok v civilizaci a životním stylu viděl občany zdobení svých domovů ve svém vlastním jedinečném stylu poprvé v historii s bohatšími Řeky, kteří mají nábytek vykládaný ozdobnými slonovinovými a stříbrnými detaily. Ikonické sloupy a sloupy vytvářející prohlášení byly během této éry klíčovými motivy a Řekové také vytvořili standardní pravidla a postupy pro stavbu budov.

Římská říše 753 př. n. l. až 480 n. l.

strohá doba, kdy královští nebyli schopni evokovat své bohatství jednoduše prostřednictvím svých domovů. Římané zdobili své domovy nástěnnými malbami a mozaikami,a nábytek obsahoval drápy.

temné věky 900 až 1500

temné věky viděly nezájem o interiérový design s lidmi, kteří se rozhodli pro jednoduché obložené dřevěné stěny, minimální vybavení a kamenné desky.

Byzantská říše 500 až 1500

během tohoto období se do centra pozornosti dostaly velké kopule a dekadentní výzdoba.

renesanční období 1400 až 1600

krása interiérového designu byla hlavním rysem renesančního období s velkým nábytkem a uměním realizovaným v zářivých odstínech a luxusním textilem, jako je hedvábí a samet, spolu s mramorovými povrchy. A protože koberce byly příliš drahé a drahé i pro nejbohatší patrony, byly použity jako nástěnné umění, pokud je to možné.

Gotické 1140 až 1400

v reakci na temné časy byly dekorativní ornamenty a výrazné barvy opět prominentními prvky interiérového designu. Dva charakteristické znaky éry přenesené do dneška jsou více oken pro jasnější domy spolu s otevřenými půdorysy.

barokní 1590 až 1725

okázalé a ultra bohaté umělecké prvky vytvořené pro recept honosných interiérových designů s vitrážemi, zkroucenými sloupy, barevným mramorem, malovanými stropy a zlacenými zrcadly a nadrozměrnými lustry.

tradiční 1700 k dnešnímu dni

ztělesněný formálním duchem, tradiční design interiéru je stále oporou dodnes. Tradiční design interiéru je široký pojem, který zdůrazňuje různé styly designu a hnutí, které nejsou přibity do jednoho zamčeného směru nebo ducha.

tradiční design oslavuje slavnou, bohatou historii minulosti tím, že ji kontrastuje s rozhodně moderními prvky pro elegantní rotaci na krásném designu a zároveň zdůrazňuje Evropský dekor 18. a 19. století. Je to nadčasový designový styl, který evokuje snadné kouzlo a pohodlí a je skvělým směrem pro ty, kteří ocení Starožitnosti, klasické umění, symetrii a design bohatý na historii.

Rococo 1700

hyper elegantní a bohatě detailní designový styl s narážkami na botanické siluety, rokokový interiérový design představoval vedle asijského porcelánu jedinečné prvky, jako je želvovina a perleťové ozdoby.

průmyslová revoluce 1760 až 1820

po celou průmyslovou revoluci byl design interiéru k dispozici širšímu publiku a byl snadněji přístupný pro širokou populaci než kdykoli předtím. To je z velké části způsobeno snadnějšími tiskovými procesy vytvářejícími širokou distribuci módních a lifestylových publikací a skutečností, že luxusní předměty se staly stále dosažitelnějšími.

neoklasicistní styl 1780 až 1880

při inspiraci ze starověkých řeckých a římských kultur pro architektonické detaily a motivy se v této době nábytek silně spoléhal na použití bronzových a zlatých kovů a bytového textilu s hedvábím, sametem a saténem. Trend sladění tapet a nábytku se také ujal.

Tropical 1880 ‚ s to Today

když britská říše prošla zeměmi jako Indie a územími, jako je západní Indie, kombinovala prvky interiérového designu ze své domovské země a regionů, které zabíraly, aby vytvořily opojnou kombinaci tradičního a extoického.

estetické hnutí 1800 ‚s to Today

s ohledem na“ umění pro umění “ bylo estetické hnutí pro radikály způsobem, jak vyjádřit svou nechuť k současnému, unavenému interiérovému designu. Klíčem zde byla praktičnost a funkce, která měla význam před krásou.

Tuscan 1840 ‚ s to Today

Vezmeme-li v úvahu okouzlující a uklidňující povahu Toskánska v Itálii, zaměření interiérového designu během tohoto období bylo přímočaré jednoduchosti s náznaky luxusu pro dobrou míru.

umění & řemesla 1860 až 1910

aby lidé zdůraznili svůj odpor vůči hromadně vyráběným obyčejným předmětům v důsledku inovací průmyslové revoluce, obrátili se k tradičním řemeslům a klasickým prvkům k výrobě nábytku.

rustikální 1870 je k dnešnímu dni

rustikální interiér nabízí ručně vyráběný nábytek a velké otevřené pokoje s dřevěnými trámy a sloupy.

rustikální dekor poskytuje perfektní kombinaci uklidňujícího, bezproblémového designu a praktického, funkčního dekoru, který vytváří teplý rustikální interiér. Přírodní materiály fungují jako základ a výchozí bod pro vytvoření záviděníhodného rustikálního domova oslavujícího autentickou krásu přírodních materiálů a vytvářejí útulný, krásný prostor.

modernismus 1880-1940

modernistické hnutí zdůrazňovalo jednoduchost, jasnost formy a odmítal hluk v designu. Mezi přední postavy hnutí patří Mies van der Rohe, Le Corbusier, a Eero Saarinen, jehož podpisy vidět na jeho navždy populárním stole Saarinen a židli Saarinen jsou ztělesněním stylu designu.

Art Nouveau 1890 až 1920

nadšení za secesním hnutím bylo v přinášení přírodních siluet odvozených botanickými prvky, které propůjčily éře její charakteristické zakřivené linie a organické tvary.

koloniální obrození 1905 dodnes

populární v USA a podněcované stoletím, koloniální obrození našlo inspiraci z neoklasicistních a gruzínských historických stylů. Zdaleka nejoblíbenější styl času až do druhé světové války, někteří věří, že spuštění automobilu pomohlo vyvolat zájem lidí o historické odkazy, protože mohli volně navštěvovat zdokumentované památky.

eklektický 1900 je k dnešnímu dni

někteří historici poukazují na vzestup potřebných interiérových designérů, kteří pochopili, jak kombinovat různé styly designu s autoritou pro prudký nárůst designérů v průmyslu, protože eklektický styl převzal estetickou inspiraci.

eklektický styl je o harmonii a spojování nesourodých stylů, juxtapozing textur a kontrastních barvách, aby vytvořil soudržnou, krásně realizovanou místnost, která by nebyla na místě v časopise pro domácí výzdobu, protože je to jeden designový styl, který vyžaduje vervu a skvělé oko. A protože eklektický design interiéru je o experimentování a hře, bavte se svobodou, kterou umožňuje.

moderní 1918 až 1950

se zaměřením na řídké interiéry a výrazné základní barvy se moderní interiérový design vyhýbal typicky ozdobným a zdobeným estetickým trendům v té době.

Bauhaus 1920-1934

oslavovaný dodnes pro své velkolepé, ale minimální a krásně provedené gesta a založený německým architektem Walterem Bauhausem, který také vytvořil Bauhaus school of art and design ve Výmarském Německu, hnutí rychle vytvořilo některé z nejvlivnějších architektů, sochařů, grafiků, výrobců nábytku a designových maveriků poloviny až konce 20.století.

země 1920 až 1970

s poznámkami zvednutými z tradičního nastavení statku byl venkovský styl praktický, ale s kvalitním nábytkem inspirovaným vintage.

dnešní pohled na moderní venkovský styl interiérového designu je idylickou klasikou. Krok od čistě tradičního stylu venkovského designu; moderní země umožňuje hravější a jemnější aspekty spolu s minimálními poznámkami.

Art Deco 1920 to 1960

toto hnutí představuje opojnou směs stylů designu z počátku 20.století, včetně konstruktivismu, kubismu, modernismu, Bauhausu, Secese a futurismu. Jeden z nejznámějších stylů interiérového designu, Art Deco představoval modernost, každodenní půvab a eleganci. Éra se silně spoléhala na čisté linie, bezproblémové hranaté tvary, výrazná barva, a stylizované vzory, jako jsou cik-Zagy a optické postavy. Pro větší kouzlo byly ozdobné ozdoby a kovové povrchy také charakteristickými znaky éry.

materiály používané v interiérovém designu ve stylu art deco jsou úhledné a reflexní pro každodenní kouzlo v domácnosti. V tomto stylu je přítomno mnoho metalických materiálů; ze zlata na stříbro, nerezová ocel, a chrom. Propůjčují každé místnosti elegantní a luxusní pocit, a mohou být použity všude. Představte si moderní obývací pokoj ve stylu art deco se skleněným zlatým konferenčním stolkem, chromové lampy, a odvážný geometrický vzorovaný koberec v černé barvě, zlato, a bílá. Sklo je také často používaným materiálem v designu art deco; ať už je to prostřednictvím zrcadel, skleněných stolů, sochařských prvků nebo vázy nebo lampy ve stylu art deco, protože sklo přispívá k elegantnímu pocitu místnosti ve stylu art deco.

Mediterranean 1920 ‚ s to Today

aby evokoval pocit pobřežních evropských zemí, textury z terakoty, kamene a vzorovaných dlaždic byly silně uváděny spolu s tepaným železem a vodními odstíny.

surrealismus 1925 až 1930

surrealisté jako slavní umělci zahrnovali Salvador Dalí, André Breton a Max Ernst použili toto avantgardní hnutí, aby osvobodili lidi od jejich sdružení toho, co bylo normální a nakonec předvídatelné v designu, hudbě, umění a dokonce i interiérovém designu.

Mid-Century Modern 1930 ‚ s to Today

ačkoli termín mid century modern nebyl vytvořen až do poloviny 80. let, a ačkoli nikdo opravdu neví, že je to skutečná časová osa, éra představuje kombinaci praktičnosti po druhé Světové Válce, optimismu z 50. let, zemitosti z 60. let a tónů a textur z 70. let úhledně zabalených do stylové ódy na skandinávskou jednoduchost.

nazývejte to reakcí na dekadenci a zlacení zdobenou dusností interiérového designu a architektury až do 40. let, pokud chcete, jako v době svého vzniku, moderní výzdoba v polovině století byla úplným vyvrácením a restartem smyslů.

atmosféra je svěží a maková, retro-zabarvená a zcela lákavá s odhodláním k pohodlí a praktičnosti zabalené v krásném designu, který nikdy nevyjde z módy. Na rozdíl od jiných estetických hnutí je moderní výzdoba v polovině století zjednodušena v designu, protože forma následuje funkci a zároveň zdůrazňuje použité materiály, spíše než aby z nich bylo něco, co nejsou.

skandinávské moderní 1930 až do současnosti

tento pohyb zdůrazňuje přednosti krásných navržených praktických objektů, které jsou snadno dostupné a dostupné, a proto je hnutí stále populární dodnes.

skandinávský interiérový design patří do školy modernismu a je designovým hnutím charakterizovaným zaměřením na funkcionalismus a jednoduchost. Zahrnuje také použití přírodních materiálů, jako je kůže, dřevo a konopí. Skandinávský design interiéru je navíc často ovlivněn vazbou na přírodu, která kombinuje přírodní tvary, abstrakci a použití přírodních prvků.

přechodné 1950 do dneška

s vynálezem televize a její výtečnosti ve většině domácností po celé USA, interiérový design sad pomohl nakrmit masy chuť na výzdobu více než kdy jindy.

přechodný styl odkazuje na kombinaci tradičního a moderního nábytku, výmyslů a dekorativních prvků, které vám poskytují větší svobodu při pohledu na zdobení vašeho domova s lehkostí, protože neexistuje žádný konec směrů, které můžete vzít ve stylu designu. Přechodný design interiéru je v podstatě kombinací různých designových stylů, které jsou spojeny současně a vytvářejí soudržný design v jedné místnosti.

Postmodernismus 1978-dnes

toto hnutí se zrodilo jako výzva tomu, co lidé považovali za obecnou nevýraznost modernistického hnutí. Jednou z jeho hlavních postav byl italský architekt a designér Ettore Sottsass, s jeho podpisovými hravými tvary, abstraktní tisky, a silné barevné příběhy.

Contemporary 1980 ‚ s to Today

Contemporary interior design je klasický, ale důkladně moment a nadčasový díky lehkým rukou, náhradní vzít na zdobení, aby zajistily, že se nikdy nebude cítit datem.

zatímco moderní výzdoba může cítit chlad, omezující a zjevně minimální, moderní styl je uklidňující a klidný a je pepřen se zaměřením na architektonické prvky, dekorativní detaily, pozornost na odvážné stupnice a stručnou barevnou paletu, která vytváří teplý prostor se snadnou sofistikovaností.

jednoduchost, čisté linie, hry na texturu a tiché drama jsou zásadní pro dosažení dokonale vyváženého současného stylu.

ELSIE DE WOLFE

život Elsie de Wolfe byl stejně bohatý jako pokoje, které zdobila, jak je na obrázku výše v ikonickém zlaceném kabátu Elsy Schiaparelli haute couture. Legendární de Wolfe se může pochlubit biografií, která je stejně divoce romantická a dobrodružná. Poté, co byla vzdělávána ve Skotsku a prezentována na dvoře královny Viktorie, se vrátila do USA a stala se herečkou, kde sdílela jedinečné „Bostonské manželství“ (termín pro dvě svobodné ženy žijící společně od Henryho Jamese Bostonians) s úspěšnou literární agentkou a milenkou Elisabeth Marburyovou.

její styl na jevišti a kostýmy – Couture garb z Paříže-z ní učinily vlivnou ochutnávku mezi diváky v jejím publiku, což ji vedlo k tomu, že se stala známou jako nejlépe oblečená žena na světě. Její první vpád do interiérového designu byl naprostým vyhýbáním se temnému a napjatému Viktoriánskému dekoru v domě, který sdílela s Marburym. Poté, co úspěšně obnovila své bydliště odmítnutím, zjednodušení, a minimalizovat jeho silně zdobený interiér, stala se první dekoratérkou interiérů, která dostala návrhovou provizi.

tato Komise měla vyzdobit první elitní společenský klub pro ženy v New Yorku, slavný Colony Club-se může pochlubit spoustou významných členů s příjmeními, včetně Whitney, Morgan, Harriman a Astor. De Wolfe se brzy stala nejoblíbenější interiérovou dekoratérkou své doby a v roce 1913 vydala první knihu interiérového designu “ dům v dobrém vkusu.“

oslavila nečekané smícháním zvířecích tisků s Chinoiserie, měla afinitu ke stylům Regency a Chippendale i černobílým barevným schématům a byla průkopníkem reprezentace barvy béžové v dekoru.

mezi její nejvýznamnější projekty patří domy Condé Nast, Fricks a Hewitts. Její anti-viktoriánský postoj a jasnější, vzdušnější, a méně komplikované a minimálně smýšlející, rafinované pokoje zůstávají populární dodnes.

JEAN-MICHEL FRANK

není žádným překvapením, že umělci běžně nacházejí inspiraci ze světa kolem sebe, a je snadné si představit opojný účinek Paříže 1930 na nejslavnějšího dekoratéra a interiérového designéra éry Jean-Michel Franka. Štěstí pro něj, jeho projekty byly často soustředěny kolem umístění Picassos a Braques v prostorech, které zdobil, a jeho posádka vlivných přátel zahrnovala všechny z Levobřežních pařížských umělců, jako je Man Ray, a socialites, jako jsou Rockefellers.

považován za minimalistu s bohatým ohnutím, jeho vrstvení božského maximalismu činí jeho práci o to zajímavější a inspirativnější. Jako návrhář nábytku, jeho siluety byly zredukovány a jemné a zakončeny luxusními detaily. Zamyslete se nad složitými slídovými obrazovkami, bronzovými dveřmi, doplňky z křemene a řadou nábytku pokrytých shagreenem a židlí z ovčí kůže, které navrhl pro legendárního výrobce luxusního zboží Hermès. Bílá byla jeho podpisovým odstínem, který zároveň působil rezervovaně a komplexně. Frank je také připočítán s navrhováním jednoho z nejznámějších minimalistických kusů nábytku v historii-stolu Parsons-který by často pokrýval nejluxusnějšími povrchovými úpravami.

spolu se studovaným okem pro skvělý design a instinktem pro nejlepší kvalitu převzal Frank prvky každodenního života, aby se prostor cítil přístupnější, příjemnější a realističtější. Dnes je jeho práce i nadále oslavována v muzeích, jeho vybavení vytváří rekordní aukce a můžete si dokonce koupit reprodukce jeho nejznámějších kusů určených pro Hermès.

sestra PARISH

známá svým chytrým zaujetím shovívavého vkusu, sestra Parish je připočítána s vytvořením amerického venkovského vzhledu, jednoho z nejtrvalejších designových stylů posledního půlstoletí. Narodil se v privilegiu a rodokmenu, Parishův Americký venkovský vzhled byl realizován z jejího pohledu na anglickou zemi, i když s větším teplem, charakter, a domácí a okouzlující přitažlivost.

začala svou kariéru jako netrénovaná žena v domácnosti, která zdobila svůj domov mnoha fanfárami. Poté, co upoutal pozornost kolegů v domácnosti vysoké společnosti, které ji pověřily restylem svých domovů, Hadley vzala na vědomí potřebu cenově dostupného designu během Velké hospodářské krize a účtovala se jako „rozpočtová dekoratérka“ pro ty, kteří chtějí osvěžit své domovy v náročných ekonomických dobách éry.

její dekorativní styl byl naprostým odmítnutím otcovy sbírky těžkých, tmavých starožitností, když se více opírala o ženské tikající pruhy, glazovaný chintz, deky, zahnuté koberce a neformální přeplněná křesla, zatímco obsahovala prvky z minulosti.

“ inovace je často schopnost sáhnout do minulosti a přivést zpět to, co je dobré, co je krásné, co je užitečné, co je trvalé.“

její návrhy byly romantické, teplé a elegantní pro klienty, jako je Brooke Astor, přesto byla známá svou žíravou, zastrašující postavou a nemilosrdným hodnocením prostorů svých klientů.

parishova designová firma viděla mnoho vlivných designérů, kteří si vedle ní udělali jméno, včetně legendárního Alberta Hadleyho, s nímž pracovala po dobu 30 let-jejich profesionální vztah je často považován za jedno z nejúspěšnějších partnerství ve světě interiérů dodnes.

ALBERT HADLEY

připočítán jako otec přechodného interiérového designu, oslavovaný pro své mistrovské párování kouzla a funkčnosti a často označovaný jako „děkan amerických dekoratérů“, portfolio projektů Alberta Hadleyho se chlubilo jmény vysoké společnosti jako Rockefeller, Astor, Getty a Mellon.

nicméně, pro Hadley, high-profil jména nikdy se konal přes brilantní design. „O jména opravdu nejde,“ řekl v roce 2004 magazínu New York. „To je to, co můžete dosáhnout pro nejjednodušší osobu. Glamour je jeho součástí, ale glamour není podstatou. Design je o disciplíně a realitě, ne o fantazii mimo realitu.“

Hadley se narodil v Tennessee a poté, co sloužil ve druhé světové válce, se přestěhoval do New Yorku, kde studoval a učil na Parsonově škole designu a stal se známým svým moderně smýšlejícím stylem výzdoby a instinktivním smyslem pro rovnováhu a tím, co fungovalo společně. Dovedně vytvořil opojné směsi stylů designu s mantrou soustředěnou kolem myšlenky “ nikdy méně, nikdy více.“

hledá partnera svého druhu s více technickým talentem než instinktem, který definoval její kariéru, sestra Parish přivedla Hadleyho do svého týmu v roce 1962. Parish-Hadley Associates restyloval domovy amerických elitních rodin po celá desetiletí a je nejlépe známý pro vymalování obytných prostor Kennedyho Bílého domu, stejně jako soukromé domy rodiny Kennedyů. Poté, co Parish prošel, Hadley pokračoval v práci kolem poloviny 80. let na projektech, které zahrnovaly zajímavou kombinaci designových stylů na rozdíl od jiných návrhářů své generace.

Dorothy DRAPER

Dorthy Draperovy návrhy byly neohroženě živé, přepychové, radostné a plné osobnosti. Pokoje, které navrhla, měly buď omezenou barevnou paletu klasické černé a bílé, zatímco jiní zdůraznili nadměrné grafické vzory a její poutavé kombinace barev Růžové a zelené, tyrkysové a citrusové odstíny. Draper, bratranec sestry parish, byl prvním zdokumentovaným komerčním dekoratérem interiérů, založil první oficiální firmu pro návrh interiérů, architektonický Clearing House, v roce 1923.

“ téměř každý věří, že existuje něco hlubokého a tajemného nebo že musíte znát všechny druhy komplikovaných detailů o obdobích, než budete moci zvednout prst. Zdobení je prostě čirá zábava.: radost z barev, vědomí rovnováhy, cit pro osvětlení,smysl pro styl, chuť do života a pobavený požitek z chytrých doplňků této chvíle, “ napsala ve své knize zdobení je zábava z roku 1939!

jmenoval nejvlivnější tastemaker v Americe v 1960, Draper propůjčil její legendární podpis“ moderní barokní “ styl několika ikonických budov, včetně jídelny v newyorském Metropolitním Muzeu umění, Fairmont a Mark Hopkins hotely v San Franciscu, a nejvíce působivě, kompletní generální oprava hotelu Greenbrier v Západní Virginii-který stále vypadá au rybíz 70-plus let později.

DAVID HICKS

původně nezávislý reklamní ilustrátor v Londýně, David Hicks zdobení kariéra vzlétla poté, co časopis pokrýval hru měnící člověka udělal na jeho rodiče doma.

Hicks zlomil formu a šel proti tradičně dusným a domýšlivým anglickým zdobícím praktikám a stal se mistrem nečekaných, ale soudržných směsí. Jeho eklektické interiéry často představovaly zřetelnou juxtapozici nepokojných barev, vzory, výmysly, a designové styly, které byly lákavé a působivé výkony.

designový svět miláček 1960, jeho nejvýznamnější projekty zahrnovaly pokoje pro Prince Charlese a princeznu Annu a šumivý Noční klub na zaoceánské lodi a jachtě pro krále Fahda Saúdské Arábie. V 70. letech začal Hicks vyrábět tapety, tkaniny a prádlo pro své designové butiky rozložené do osmi zemí.

BILLY BALDWIN

ačkoli on byl oslavován pro jeho komplexní přístup k interiérovému designu, Billy Baldwin nenáviděl termín „interiérový designér“, rozhodl se být označován jako „dekoratér“, jeho preferovaný titul. Uvěřil, že dobrý člověk je top tenet spolu s kvalitou a komfortem, který je klíčový.

“ vždy jsem věřil, že architektura je důležitější než dekorace. Rozsah a proporce dávají věčné uspokojení, kterého nelze dosáhnout pouze třešničkou na dortu,“ řekl.

jeho interiéry byly ostré a bezchybné a na rozdíl od svých současníků pracoval se stávajícím vybavením klienta a instinktivně je upravoval. Od pozoruhodného osvěžení bytu Cole Portera Waldorf Towers po sloučeninu Jackie O Skorpios, do bohatě vrstveného obývacího pokoje Diany Vreelandové red Park Avenue, pečlivá pozornost k měřítku a poměru byla hnací silou Baldwina. Mistr praktické dekorace přerušovaný odvážnými odstíny, tisky, a dobře hodnocené kurátorství, průzkum Baldwinovy práce ukazuje, jak relevantní jeho práce zůstává dodnes.